cineronda

'Cidade de Deus' no Top 20

2009-09-09T19:41:00.003-03:00

E deu no IMDb , o maior banco de dados sobre cinema na internet: "Cidade de Deus", de Fernando Meirelles, é um dos 20 melhores filmes de todos os tempos! Na verdade, o longa está na 17ª colocação, à frente de títulos como "Caçadores da Arca Perdida", "Clube da Luta" e "O Senhor dos Anéis - A Socieade do Anel". É a melhor colocação de um filme brasileiro nessa lista, que é determinada pelos leitores de todo o mundo. Show, hein?

De volta

2009-09-09T19:29:00.003-03:00

Sim, estou de volta. E agora como blog, mesmo! Cinema, sétima arte, dvd, vídeo, youtube... todo dia, um novo comentário, uma notícia, uma novidade, uma curiosidade. Estaremos todos na boca do povo. Transformando o Cineronda no melhor site de cinema do país. Tamo junto?

O PREÇO DA CORAGEM

2008-03-23T23:34:00.002-03:00

Uma das grandes apostas para o Oscar 2008, Angelina Jolie, protagonista de O PREÇO DA CORAGEM, acabou frustrando seus fãs e ficando de fora das cinco finalistas. Um absurdo, no mínimo. Ela consegue deixar de lado todos os seus mais costumeiros maneirismos, submergindo num personagem de grande destaque, mas nunca tentando se sobressair à história que está sendo contada. Este é, sem sombra de dúvidas, o melhor trabalho dela no cinema - superior inclusive ao oscarizado GAROTA, INTERROMPIDA, que lhe valeu o prêmio de Coadjuvante em 2000 - e um filme acima de tudo relevante, tanto cultural quanto politicamente falando. Isso sem falar de que este desempenho foi reconhecido por praticamente todas as principais premiações do cinema norte-americano, indicado ao Globo de Ouro, ao Broadcast, ao Independet Spirit, ao Satellite, ao Sindicado dos Atores e segundo os críticos de Londres e Chicago, entre outros. A única - e notória - exceção foi o Oscar. Um pormenor que de forma alguma tira o brilho desta obra de inestimável valor.

Os méritos de O PREÇO DA CORAGEM começam na escolha do diretor: o inglês Michael Winterbottom, reconhecido por obras políticas como O CAMINHO PARA GUANTANAMO (2006), CÓDIGO 46 (2003), NESTE MUNDO (2002) e BEM-VINDOS A SARAJEVO (1997). E ele mostra todo o seu domínio na forma como conduz esta história verídica, baseada no livro escrito pela jornalista francesa Marianne Pearl, que viu seu marido, o norte-americano Daniel Pearl, ser sequestrado e brutalmente assassinado enquanto cobria os conflitos do Paquistão para o Wall Street Journal. Isso aconteceu em janeiro de 2002, e a notícia correu o mundo todo, chegando inclusive aos ouvidos do casal de atores Brad Pitt e Jolie. E foram eles que decidiram que esta tragédia não poderia morrer assim, e que merecia ser levada a um público maior, como forma de anúncio e protesto. Assim, com ela como protagonista e ele como produtor, chegaram até Winterbottom, que tomou para si a missão de transformar aquela série de acontecimentos num enredo forte, chocante, envolvente e, acima de tudo, real. Tão duro quanto a própria vida.

Daniel (interpretado de forma muito convincente por Dan Futterman, visto em filmes como BIRDCAGE - A GAIOLA DAS LOUCAS e indicado ao Oscar pelo roteiro de CAPOTE) foi fazer uma última entrevista antes de terminar seu trabalho no dia 23 de janeiro. Esta é a data oficial do seu desaparecimento. A partir de então o governo do Paquistão, dos Estados Unidos, o Wall Street Journal, a CIA, a polícia local e ONGs internacionais se uniram para tentar uma solução pacífica para o caso. Infelizmente, isto não foi possível. Como este desfecho é mais do que conhecido, o diretor sabiamente não procura fazer disto um mistério. O que nos ganha é o modo sério como este desenrolar de ações é relatado, numa edição inteligente e não cronológica, como peças de um grande quebra-cabeças que vão sendo colocadas ao pouco na nossa frente, para que completamos o trabalho montando-o segundo nossa lógica. Processo muito similar ao que os envolvidos devem ter se confrontado naqueles dez fatídicos dias de suspense e tensão. Assim, O PREÇO DA CORAGEM só cresce, seja se pensarmos nele como obra cultural ou debate sociológico.

O mundo é um lugar repleto de contradições. A forma como Marianne Pearl encarou esta tragédia é mais uma dessas. O tempo todo ela permaneceu honesta ao que seu coração sentia, aos ideais que ela e Daniel sempre acreditaram e a uma visão de mundo justa e equilibrada. Pode parecer loucura algumas de suas decisões, atitudes ou sentimentos. Mas não teriam como ser diferentes. Mais do que uma emocionante história de amor, este é o relato, como diz o título original, de um coração de muito valor, disposto a encarar as durezas da vida de cabeça erguida e ainda seguir procurando por algo que mereça ser parabenizado. Assim como deve ser a impressão de qualquer um de nós após assistir a este filme: com respeito e a consciência de ter recebido uma lição que não deve ser esquecida.

A Mighty Heart, EUA / Reino Unido, 2007
(nota 8,5)

10.000 A.C.

2008-03-12T20:56:00.002-03:00

Assisti pela manhã, junto com a imprensa especializada, a principal estréia da semana – ao menos a mais esperada pelo público, com grandes expectativas: 10.000 A.C. é o novo blockbuster do diretor alemão Roland Emmerich, o mesmo de INDEPENDENCE DAY e O DIA DEPOIS DE AMANHÃ. Assim como em todos os seus filmes anteriores (e podemos incluir GODZILLA e STARGATE nesta equação), Emmerich volta a dar mais atenção ao visual de suas tramas do que no enredo propriamente dito. Não é exigido absolutamente nada do espectador ao acompanhar o desenrolar dos acontecimentos – que, muitas vezes, são lentos e aborrecidos, provocando mais tédio do que envolvimento. Por outro lado, quando a máquina de efeitos especiais hollywoodiana entra em ação, o resultado é mais uma vez impressionante. Pena que não haja um bom equilíbrio entre estes dois lados.

Em 10.000 A.C., somos levados até a pré-história e colocados diante da saga de um homem destinado a se tornar o herói do seu povo. O filme começa bem, com bons efeitos – a manada de mamutes é muito bem feita, tecnicamente e contextualmente. Mas logo tudo descamba para ser "mais do mesmo". As referências são as mais óbvias possíveis: JURASSIC PARK, APOCALYPTO, KING KONG e todas as demais produções do gênero são recicladas aqui, sem muita originalidade ou ousadia. O esquema videogame é seguido à risca, e o fato de estarmos numa outra era é apenas um pretexto de marketing – e não um aliado na missão de conquistar a audiência. Assim, logo estamos nos perguntando o porquê do título, para em seguida voltarmos a nos questionar até quando o cinema norte-americano seguirá fazendo sempre os mesmos filmes, com as mesmas histórias.

O ritmo da narrativa é lento, o roteiro é simplista e pouco elaborado, a direção de arte é das mais artificiais possíveis, a maquiagem chega a ser constrangedora, e os atores estão no nível mais baixo da mediocridade. Nada que é mostrado chega a ser minimamente convincente. Em poucas palavras, o filme mostra um garoto tendo que liderar alguns poucos guerreiros numa jornada em busca de outros membros de sua tribo que foram seqüestrados por invasores. No caminho, enfrentam ameaças pré-históricas, como um tigre dente-de-sabre (extremamente falso, a ponto de ser risível, conseguindo ser pior até do que o leão de AS CRÔNICAS DE NÁRNIA) e aves monstruosas (numa seqüência idêntica ao ataque dos velociraptores em O PARQUE DOS DINOSSAUROS). No final o perigo que eles estão enfrentando passa a ser representado por seres que se assumem como divindades, e precisam de mais escravos para a construção das pirâmides. Deu pra sentir o tom de salada geral?

Os protagonistas são Steven Strait (O PACTO), um rapaz esforçado e com físico de super-herói, porém sem o menor carisma ou empatia, Camilla Belle (O MUNDO DE JACK E ROSE), filha de uma modelo brasileira, uma garota tão linda quanto inexpressiva, e Cliff Curtis (ENCANTADORA DE BALEIAS), o mais conhecido do elenco, porém com poucas chances debaixo de uma caracterização horrorosa. Emmerich, que além da direção assina também o roteiro e a produção, não foge do que já está acostumado a fazer. E se a batalha final chega a emocionar por alguns rápidos momentos, a conclusão não poderia ser mais clichê. Se você já assistiu a todos os concorrentes ao Oscar em cartaz e quer passar duas horas no cinema com muita pipoca e refrigerante, sem pensar em mais nada, não desista: tenho certeza que irá encontrar melhores opções do que este 10.000 A.C.!

10.000 b.C., EUA/Nova Zelândia, 2008
(nota 4)

CONDUTA DE RISCO

2008-02-07T22:22:00.000-03:00

Chega a ser impressionante - e extremamente positiva - a atenção recebida por CONDUTA DE RISCO nesta temporada. Afinal, este bem-sucedido thriller sobre os bastidores do mundo dos grandes negócios e da rotina das poderosas firmas de advocacia nada mais é do que isso: um thriller, e só. Não tem pretensões mais ousadas, como ser um drama de época, um conflito de gerações, uma aventura de guerra ou um épico de imagens marcantes. É, sim, uma história interessante e muito bem contada, narrada com precisão e encenada por atores no total domínio de suas habilidades. E por que querer mais do que isso?

Tony Gilroy afirmou ter tido a idéia para CONDUTA DE RISCO enquanto pesquisava para o roteiro de O ADVOGADO DO DIABO (suspense com Al Pacino e Keanu Reeves). E, ainda segundo ele, a diferença entre os filmes está na representação do "bem" e do "mal": se no anterior estes pólos estavam marcados pelos dois protagonistas, neste novo trabalho estas manifestações convivem dentro de um mesmo homem, no caso o que dá o título original: Michael Clayton (George Clooney). Advogado frustrado, ele está "preso ao sistema". O casamento naufragou, a tentativa de negócio próprio foi à falência e não consegue abandonar o vício pelo jogo. Assim, precisa manter o emprego como "limpa-desastres" de um dos principais escritórios de Nova York. Quando ele é chamado para "consertar" as loucuras que um dos clientes da firma está cometendo, finalmente percebe o homem que se tornou e o quão difícil será superar aquela situação.

Raras vezes um filme deste gênero consegue ir além do respeito imóvel da crítica e atingir não só o público (mais de 40 milhões de dólares só nos EUA, apesar do baixo orçamento ter ficado em torno de 25 milhões) como também se fazer presente nas premiações de final de ano. E nisso CONDUTA DE RISCO também se saiu muito bem! Além das sete indicações ao Oscar (Filme, Direção, Ator, Ator Coadjuvante, Atriz Coadjuvante, Roteiro Original e Trilha Sonora), foi indicado também nas principais categorias do Globo de Ouro e do Bafta, além de ter ganho o National Board of Review de Melhor Ator. Clooney, aliás, mostra de vez que mais do que uma celebridade, é também um dos melhores intérpretes da atualidade. Seu desempenho é muito superior ao visto no oscarizado SYRIANA (2005) ou de outros bons trabalhos dele, como SOLARIS (2002) e E AÍ, MEU IRMÃO, CADE VOCÊ? (2000). Ele está cansado, desiludido, perdido, porém não derrotado, e segue usando das ferramentas que ele mesmo ajudou a criar, com uma habilidade e eficiência inatas ao personagem. Um baita ator!

Da mesma forma os coadjuvantes Tom Wilkinson (ENTRE QUATRO PAREDES) e Tilda Swinton (AS CRÔNICAS DE NÁRNIA), ambos indicados ao Oscar, também estão à altura de qualquer maior reconhecimento. Com apenas uma cena cada um merece todo possível elogio: o descontrole dele ou a conversa final dela com Clayton são memoráveis. E isso sem mencionar Gilroy, diretor que estréia com pé direito após alguns anos apenas como roteirista (são dele os três filmes da trilogia BOURNE). Seu controle é total, alternando momentos de tensão e um ritmo sufocante com personagens bem construídos e dotados de profundidade psicológica - nós sentimos os dilemas e as crises enfrentadas por cada um deles. Assustador!

Provavelmente CONDUTA DE RISCO sairá da festa do Oscar sem nenhuma estatueta. Torço para estar errado, no entanto. Este não é o tipo de filme usualmente reconhecido neste ambiente. E não que isso importe. Seus méritos jão estão mais do que evidentes na tela, e é lá onde devem ser apreciados com toda a pompa e circunstância que merecem!

Michael Clayton, EUA, 2007
(nota 9)

EU SOU A LENDA

2008-01-20T19:06:00.000-03:00

Will Smith é o maior astro do cinema norte-americano. Ou alguém tem alguma dúvida disso? Se não, quem seria? Tom Cruise (que foi demitido da Paramount e teve seu último filme - LEÕES E CORDEIROS - massacrado pela crítica e ignorado pelo público?)? Brad Pitt (que conseguiu a façanha de NÃO ser indicado ao Oscar por BABEL - apesar do filme ter sido um dos campeões de indicações no ano passado; que teve seu último filme - O ASSASSINATO DE JESSE JAMES PELO COVARDE ROBERT FORD - ignorado pelo público e pela grande crítica, apesar de premiado em Veneza; ou cujo último sucesso de público foi TREZE HOMENS E UM NOVO SEGREDO, e isso porque contava com a companhia de nomes como George Clooney e Matt Damon)? Clooney? Damon? Johnny Depp (que só quer ser visto pelo espectador como Capitão Jack Sparrow em PIRATAS DO CARIBE)? Não, nenhum desses consegue bater Smith, que se dá bem não importa qual seu objetivo, se conquistar a crítica (À PROCURA DA FELICIDADE) ou o público - e o recente EU SOU A LENDA é um ótimo exemplo deste caso!

Desde os anos 70 diferentes estúdios em Hollywood desejavam refilmar o romance de Richard Matheson, que já havia sido levado às telas anteriormente em duas ocasiões. Nomes como Arnold Schwarzenegger, Ridley Scott, Michael Douglas, James Cameron, Guillermo Del Toro e Michael Bay chegaram a estar envolvidos neste projeto, mas nenhum conseguiu ir muito adiante. Só quando o protagonista de filmes como HOMENS DE PRETO e INDEPENDENCE DAY disse "sim" é que finalmente as coisas começaram a andar. E do modo como ele decidiu: o diretor escolhido foi Francis Lawrence (CONSTANTINE) e o roteirista escalado foi o vencedor do Oscar Akiva Goldsman (UMA MENTE BRILHANTE). E tudo isso para contar a história do último homem na Terra. Que, como já adianta o cartaz, não está sozinho!

A trama de EU SOU A LENDA começa com uma notícia fantástica - a descoberta da cura do câncer, feita por uma pesquisadora inglesa (Emma Thompson, em participação especial). O problema começa seis meses depois, quando descobre-se que esta vacina gera efeitos colaterais - um novo vírus, que acaba transformando 99% da população mundial em seres monstruosos sensíveis à luz, quase como vampiros, o que termina ocasionando a morte da grande maioria da humanidade. Os que sobrevivem estão sempre escondidos, esperando o sol se pôr para se alimentar vorazmente de animais ou dos poucos sobreviventes biologicamente imunes e, portanto, não infectados. Will é uma dessas pessoas, que por acaso vem a ser também um cientista, desde então empenhado em encontrar uma cura para este mal terrível.

Durante dois terços do filme Will Smith está sozinho em cena, acompanhado apenas do pastor alemão Sam. E, por incrível que pareça, ele segura muito bem a atenção da platéia, nos deixando ligados em cada movimento seu, desde a nova rotina em casa até suas saídas pela cidade devastada. O perigo está em cada esquina, em cada viela escura, em cada prédio abandonado. E somos sabiamente relembrados disso a todo instante. O que não quer dizer que não sejamos pegos de surpresa a cada novo susto. No restante final da história dois outros sobreviventes imunes aparecem - entre eles, a atriz brasileira Alice Braga, sobrinha de Sônia Braga e presente em filmes como CIDADE DE DEUS e CIDADE BAIXA. E a menina se sai muito bem, assumindo sua brasilidade, porém sem estereótipos constrangedores ou um sotaque carregado.

Não deixa de ser curioso um filme em que a grande vilã acaba sendo Emma Thompson e que o mundo é salvo graças a ajuda de uma brasileira. E, apesar desta bizarra conjectura, EU SOU A LENDA é diversão das boas, cinema-pipoca de qualidade, cheio de bons efeitos especiais, atores competentes no domínio de suas habilidades e uma trama que se não surpreende, ao menos não aborrece pela obviedade. Uma ótima pedida para esse período de férias. Basta apenas não exigir além da conta. Afinal, Smith sempre cumpre o que promete!

I am Legend, EUA, 2007
(nota 7)

IMPÉRIO DOS SONHOS

2008-01-06T16:57:00.001-03:00

Um amigo me disse ter se sentido ofendido após as três horas de duração de IMPÉRIO DOS SONHOS, nova loucura assinada por David Lynch. Já outro afirmou ter baixado o filme pela internet logo que o encontrou disponível, e que já o tinha assistido no mínimo umas cinco vezes antes da estréia nos cinemas brasileiros (onde foi conferir novamente, apenas pelo "prazer da tela grande"). Eu, por outro lado, não sei muito o que dizer. Afinal, como criticar - para o bem ou para o mal - algo que você simplesmente não entendeu?

E acredito também que a idéia seja exatamente esta: provocar muito mais dúvidas do que esclarecimentos. Para se ter uma idéia, durante uma entrevista a um programa de televisão, Lynch e Laura Dern, a protagonista, não conseguiram chegar a um acordo a respeito de quantos papéis ela própria interpreta no filme, se três ou quatro. Bem, se nem eles, que idealizaram o longa, conseguem se entender, o que sobra para nós, meros espectadores?

IMPÉRIO DOS SONHOS começa com uma garota assistindo a um programa na televisão. Parece ser um sitcom - um único cenário, claquetes com risadas da platéia - em que os personagens são seres humanos com cabeças de coelhos. Logo em seguida estamos na majestosa residência de uma atriz aparentemente famosa, que está em vias de voltar ao estrelato por conseguir um papel bastante disputado. É o remake de um filme que não chegou a ficar pronto, sobre uma família polonesa assassinada. Os protagonistas do filme original morreram durante a produção, e tem-se este temor que o mesmo aconteça durante as novas filmagens. Um grupo de prostitutas também pontua algumas situações, assim como uma mulher que está contratando um detetive particular. Ah, e há também uma família que recebe uma trupe de viajantes da Europa oriental para um churrasco no jardim (!).

Qual a relação entre todas estas histórias? Aparentemente, nenhuma. Por outro lado, talvez todas estas tramas revelem facetas de uma mesma mulher. A atriz decadente que revive o papel de uma estrela de outrora que está trazendo à vida uma sofrida dona de casa polonesa que suspeitava que o marido a estava traindo e que por isso ansiava por ter uma vida familiar tranquila e perfeita e que, pela ausência dessa realidade, imagina-se prostituindo-se em troca de um pouco de atenção e, pela inevitabilidade disto, termina de forma trágica. Ou então seria a vizinha que aparece no começo do filme a verdadeira protagonista, a imigrante da Polônia responsável por todas aquelas tragédias e que manifesta-se naquele momento para alertá-la dos perigos que estaria prestes a correr? Muitas interpretações mais certamente são possiveis, e quem se dedicar a procurar não terá dificuldades em encontrar argumentos e elementos que colaborem nestas outras posições. IMPÉRIO DOS SONHOS é uma obra literalmente aberta, e caberá ao espectador e ao seu universo de referências montar - ou não - este quebra-cabeças.

Premiado no National Board of Review como "Melhor Filme Experimental" do ano (prêmio até então inédito) e merecedor de um prêmio especial no Festival de Veneza "pela inovação digital proposta em sua concepção", IMPÉRIO DOS SONHOS, ao contrário de outros filmes de David Lynch, praticamente não possui dentro de si chaves que possibilitem um melhor entendimento. Hermético e bizarro, se comporta como os sonhos mais confusos e problemáticos que temos, indo do pesadelo ao descanso total em questão de instantes, para depois retomar condições até então esquecidas. Dern, a grande estrela da obra, se entrega de corpo e alma à visão aparentemente desconexa do diretor, aceitando todas as propostas de forma integral. Cada mudança dela é tão intensa quanto discreta, mostrando que é no interior de cada um onde se escondem os verdadeiros medos e desejos. E quem quiser embarcar nesta viagem não deve temer os bocejos, a frustração e a incompreensão, assim como deve estar pronto para os pequenos prazeres dispostos aleatoriamente durante o desenrolar da ação. Ganha quem aceitar mais - e procurar entender menos!

Inland Empire, EUA, 2006
(nota 5)

A BÚSSOLA DE OURO

2008-01-03T23:30:00.000-03:00

Em A BÚSSOLA DE OURO, assim como em outros casos recentes (HARRY POTTER E A ORDEM DA FÊNIX, NOTAS SOBRE UM ESCÂNDALO, TROPA DE ELITE), tive a felicidade de ler primeiro o livro original antes de ver a adaptação cinematográfica. E, ao contrário do que geralmente acontece, desta ver o filme se saiu melhor do que a fonte literária - por mais incrível que isso possa parecer! Sim, porque a obra de Philip Pullman, por mais elogiada ("arrebatador e extraordinário", Sunday Times; "grandioso, força e beleza cena após cena", New York Times; "um daqueles livros que dão dor de fechar", Scotsman; e o mais exagerado, "raramente, se é que já aconteceu, foi apresentado aos leitores uma oferenda tão rica em maravilhas", Independent) e premiada (ganhador das medalhas Carnegie e Guardian de Livro do Ano) que seja, tem aspectos extremamente duros e de difícil digestão, que ao serem levados para a tela grande foram atenuados de uma forma inteligente e perspicaz. Não que tenha mudado muita coisa - a trama em si continua exageradamente trágica - mas ao menos aparenta estar mais adequada ao público ao qual se dirige.

E que espectador seria esse, o mais indicado para assistir - e ler - A BÚSSOLA DE OURO? Bem, segundo os produtores, à princípio seriam os mesmos que ficaram maravilhados pela saga O SENHOR DOS ANÉIS - e, em menor escala, por genéricos como AS CRÔNICAS DE NÁRNIA, ERAGON ou STARDUST. Porém o enredo aqui abordado trata muito mais de política, religião e filosofia do que de aventura e emoção propriamente dita, dispostos durante o desenrolar da ação de modo irregular. Não será surpresa alguma se muitos enfrentarem as quase duas horas de projeção alternando bocejos com pulos na cadeira!

O diretor Chris Weitz não parece ser o homem mais indicado para coordenar um filme deste gênero. Responsável pelos simpáticos AMERICAN PIE e UM GRANDE GAROTO, ele deixa bastante visível sua falta de jeito diante cenários tão grandiosos, estrelas poderosas e idéias dotadas de ambição e magnitude. Os efeitos especiais, por outro lado, não chegam necessariamente a surpreender, mantendo ao menos o bom nível de longas mais antigos que exploraram opções semelhantes - animais falantes, grandes batalhas e explosões catastróficas. Por fim temos bons atores em papéis minúsculos - Nicole Kidman, excelente, deve aparecer, se tanto, meia hora, enquanto que Daniel Craig e Eva Green não possuem mais do que 10 minutos cada um em cena. A - boa - surpresa é a garota Dakota Blue Richards, que estréia no cinema já como protagonista, cumprindo a contento suas obrigações e ainda acrescentando uma graça e um carisma dignos de quem promete muito para o futuro.

E qual é a história, enfim, de A BÚSSOLA DE OURO? Num mundo dominado pelo "Magistério", uma entidade religiosa controladora e opressiva, poucos ambientes estão a salvo deste poder, e um deles são as universidades. E é numa das mais importantes que a menina Lyra foi entregue para ser criada. Sem saber quem são seus pais, certo dia, pouco antes de entrar na adolescência, ela é entregue para a misteriosa Sra. Coulter (Kidman), uma das mais influentes personalidades à serviço do Magistério. Ao descobrir que sua nova tutora estaria por trás do desaparecimento de dezenas de crianças, se rebela e foge. Neste mundo todos os humanos - crianças e adultos - têm sempre ao seu lado um "daemon", animais falantes que seriam, na prática, a representação material da alma. Um nunca pode ser separado do outro - um eventual afastamento teria proporções trágicas para ambos. E a ligação entre eles seria proporcionada pela existência do Pó, substância mágica que, acredita-se, seria responsável pelo "pecado original". O que o Magistério quer é descobrir um meio de acabar com o Pó - e, para isso, experiências devem ser feitas, geralmente envolvendo crianças, daemons e o fim da ligação entre eles. Com a ajuda de ciganos, de um cowboy voador, das bruxas e de um urso guerreiro, Lyra, dotada de uma bússola mágica que sempre lhe oferece a verdade independente da pergunta feita, irá ao Norte gelado para tentar por fim a esta barbaridade - e, assim, salvar seu melhor amigo!

A BÚSSOLA DE OURO é cinemão fantástico, feito para ser assistido no cinema com muita pipoca e refrigerante. Mas também trata de temas como autoritarismo, selvageria, traições, soberba e vingança. Talvez tenha sido por causa dessa combinação pouco usual que o filme não tenha se saído tão bem quanto se esperava nas bilheterias norte-americanas - pouco mais de US$ 50 milhões de dólares em um mês em cartaz, para um orçamento de US$ 180 milhões! Nos mercados internacionais os resultados foram um pouco melhores, ultrapassando o dobro do arrecadado na terra do Tio Sam. Prejuízo provavelmente não irá gerar, mas é pouco provável que continue se apostando neste projeto para a transposição dos dois livros restantes da trilogia. Ou seja, quem permanecer no cinema terá visto um filme sem final, carente de uma conclusão que ficará ausente devido ao conservadorismo da audiência e da falta de visão de quem toma as decisões, incapazes de perceber que, em alguns casos, menos poderia gerar muito mais.

The Golden Compass, EUA/Reino Unido, 2007
(nota 7)

P.S. EU TE AMO

2008-01-03T00:25:00.000-03:00

Existem atrizes e atrizes, boas e más. Entre as boas, há aquelas melhores, que sabem fazer praticamente tudo (como Meryl Streep, para fazer uma escolha óbvia) e outras nem tanto, que são boas somente num tipo de personagem. Neste caso está Hilary Swank. Duas vezes vencedora do Oscar de Melhor Atriz, em ambos trabalhos premiados ela interpretava personagens duros, masculinizados (a garota que queria ser rapaz em MENINOS NÃO CHORAM e a lutadora de boxe de MENINA DE OURO). Portanto, quem a conhece minimamente sabe que, com este perfil, ela, definitivamente, nada tem a ver com o universo das comédias românticas. Portanto, partindo deste consenso, não é difícil imaginar o tamanho do desastre que é este P.S. EU TE AMO.

Swank está numa posição bastante desconfortável em Hollywood. Ela foi tão rapidamente - em menos de 10 anos - da posição de total desconhecida para a condição de uma das atrizes mais premiadas da América. Assim, ela simplesmente não pode se deixar envolver em qualquer projeto, da mesma forma que não conseguiu construir para si uma "persona" no mundo do cinema, uma carreira de "tipos" com os quais ela, assim como o público e a indústria, se identificasse além dos dois mais notórios. Pequenas participações de luxo em semifracassos como O DOM DA PREMONIÇÃO (2000) e DÁLIA NEGRA (2006) pouco contribuíram, mas ainda assim causaram menos prejuízo do que as bombas que contavam com ela em personagens heróicos (O NÚCLEO, 2003) ou misteriosos (A COLHEITA DO MAL, 2007). De destaque, mesmo, somente a coadjuvante de INSÔNIA (2002), ao lado de Al Pacino e Robin Williams, e um pequeno filme inspirado numa história real e lançado diretamente em dvd no Brasil: ESCRITORES DA LIBERDADE (2007).

Ao observarmos esta trajetória, talvez se entenda um pouco melhor o porquê de P.S. EU TE AMO. É a primeira vez que interpreta uma heroína romântica (terreno que fez a popularidade e a fortuna de estrelas como Julia Roberts, Sandra Bullock e Meg Ryan, por exemplo). E, por outro lado, está retribuindo um favor ao diretor Richard LaGravenese, responsável por este e pelo mais bem sucedido ESCRITORES. Se esse filme ele fez para ela - era um projeto pessoal dela - este mais recente atende a uma vontade de dele (e dela também, vamos combinar) de se tornar viável comercialmente. O problema é que, mesmo tendo por trás uma estratégia tão planejada, o resultado é frustrante, impossibilitando qualquer maior ambição.

P.S. EU TE AMO já começa errado: com o casal de protagonistas, Swank e Gerard Butler (300), discutindo. Percebe-se que os dois estão juntos há mais de uma década, e estes últimos anos não foram tão bons com eles - onde foram parar os sonhos da juventude? Após corte brusco, estamos no enterro dele, e ela acredita não ter mais razão para viver. Mas um plano desenvolvido antes da morte irá ajudá-la: no dia seguinte passam a chegar pelo correio cartas dele, enviadas não sabe-se por quem, mas que lhe repassam recados de como ele via a vida, e mais importante, de como ela deve reaprender a viver. Todas estas mensagens, obviamente, assinadas com um "p.s.: eu te amo".

Se Swank e Butler não possuem a menor química juntos, os coadjuvantes se saem ainda pior. Lisa Kudrow (FRIENDS) e Gina Gershon (A OUTRA FACE) não convencem em nenhum instante como "melhores amigas": cada uma quer aparecer mais do que a outra com tiradas cômicas superficiais, dificultando a identificação com o espectador. Harry Connick Jr. (WILL AND GRACE) e Jeffrey Morgan (GREY'S ANATOMY), ambos como prováveis candidatos ao coração da protagonista, estão desajeitados e pouco interessantes em suas intenções. Já a também oscarizada Kathy Bates parece deixar claro no mal humor de sua personagem sua insatisfação com estes papéis medíocres de "mãe de alguém" (como foi de Matthew MacConaughey em ARMAÇÕES DO AMOR). E se não há diversão do lado de lá da tela, imagina entre quem está estático sentado diante de todo este constrangimento!

P.S. I Love You, EUA, 2007
(nota 4,5)

O AMOR NOS TEMPOS DO CÓLERA

2008-01-02T00:30:00.001-03:00

Mike Newell, diretor de O AMOR NOS TEMPOS DO CÓLERA, afirmou, numa das entrevistas de lançamento do filme, que estaria com mais medo da reação dos fãs do romance de Gabriel García Márquez do que dos adoradores de Harry Potter. Pois esse receio tem fundamento, uma vez que a versão cinematográfica de O AMOR... é infinitamente inferior ao longa anterior dele, HARRY POTTER E O CÁLICE DE FOGO (quarta aventura do menino bruxo criado por J.K.Rowling). Não só a direção é canhestra neste novo trabalho, como toda a composição envolvida nesta adaptação tem percalços, a despeito dos inúmeros talentos envolvidos no processo.

A história é bastante conhecida: rapaz pobre se apaixona por menina rica e decide esperar por ela o quanto for preciso. O pai dela, ao saber do romance, a manda para o interior, para a casa de familiares. Anos depois, quando volta, afirma não sentir mais nada por ele, e acaba casando com um médico famoso. Ele não se conforma com a recusa, e em cada mulher que se envolve procura um pouco dela. Mais de 50 anos depois, quando ela fica viúva, ele reaparece, pedindo-a em casamento. Apesar da proposta ser recusada com veêmencia, aos poucos ela vai cedendo, até que o "amor eterno" dele finalmente se concretize.

O inglês Mike Newell sabe contar histórias de amor - vide o imenso sucesso de seu filme mais elogiado, QUATRO CASAMENTOS E UM FUNERAL. O problema aqui é a vontade de se intrometer num mundo que lhe é completamente estranho - e o fato do roteiro ter sido escrito pelo sul-africano Ronald Harwood (vencedor do Oscar por O PIANISTA) não colabora muito. O que para os latinos soa ardente e sexy, na visão européia pode se transformar em caricaturesco e irônico. E é o que muitas vezes acontece, desde pequenos detalhes até mesmo na composições de personagens fundamentais. E, assim como visto em filmes como A CASA DOS ESPÍRITOS, esse "olhar estrangeiro" não será competente o suficiente para captar todas as nuances propostas pela obra original.

O elenco internacional é um caso à parte. O espanhol Javier Bardem (MAR ABERTO) é uma escolha mais do que acertada como o protagonista Juvenal, e ele por si só já faz valer o ingresso. Cada gesto, cada manifestação de desejo, amor ou frustração ganha uma magnitude inesperada quando envolta pelo olhar deste ator fenomenal. Por outro lado, a italiana Giovanna Mezzogiorno não consegue ficar à altura dos bons trabalhos feito em seu país natal, como os memoráveis O ÚLTIMO BEIJO ou A JANELA DA FRENTE. Submissa, acaba sucumbindo tal qual sua Fermina, passando pela tela sem se fazer notar. A colombiana indicada ao Oscar Catalina Sandino Moreno (MARIA CHEIA DE GRAÇA) pouco faz com o tempo escasso que tem em cena, assim como os americanos Liev Schreiber (SOB O DOMÍNIO DO MAL) ou Benjamin Bratt (MISS SIMPATIA). Já o também colombiano John Leguizamo (MOULIN ROUGE) é um desastre: tudo bem que o pai da moça precisa deixar claro sua contrariedade quanto à atração da filha pelo pobre rapaz, mas seus exageros o fazem se assemelhar mais a um sanguinário assassino do que a um homem de posses tentando defender sua honra. Por fim, felizmente, uma boa notícia: a estréia da nossa Fernanda Montenegro num projeto hollywoodiano está acima de qualquer deslize da produção. Mesmo num papel secundário, ela injeta uma vitalidade singular e fundamental na história. Os momentos de preocupação com o filho devoto a um amor improvável até a loucura final se alternam com suavidade e total controle, mostrando que não é o tamanho do personagem que faz diferença quando há experiência e sabedoria em jogo.

Fernandona, aliás, não é a única brasileira na equipe de O AMOR NOS TEMPOS DO CÓLERA: o diretor de fotografia, responsável por cenas belíssimas, é Affonso Beato (que já trabalhou com Cacá Diegues e Pedro Almodóvar), enquanto que a trilha sonora ficou à cargo de Antonio Pinto (de CIDADE DE DEUS, COLATERAL e O SENHOR DA GUERRA, entre tantos outros). O trabalho deste, em conjunto com a pop star Shakira, aliás, responde pela única indicação do filme ao Globo de Ouro: Melhor Canção, para "Despedida". Um reconhecimento justo, porém muito aquém da expectativa levantada quando sua realização teve início. Estivesse passado pelas mãos de cineastas mais familiarizados com este universo, como Walter Salles ou Alfonso Cuarón, certamente o resultado teria sido muito diferente. E o fato de ser todo falado em inglês não colabora em absolutamente em nada: nem no faturamento internacional, uma vez que arrecadou menos de US$ 5 milhões nos Estados Unidos, apesar de ter custado quase 10 vezes este valor! Por fim é mais um produto multicolorido feito para turista se entreter por alguns trocados e por poucos minutos - e, dessa forma, esquecer logo em seguida, assim como todos os envolvidos em ambos os lados da tela!

Love in the Time of Cholera, EUA, 2007
(nota 6)

QUERÔ

2007-11-05T23:46:00.000-03:00

Baseado no conto "Querô - Uma Reportagem Maldita", de Plínio Marcos, QUERÔ marca a estréia na direção de um longa-metragem de ficção do até então documentarista Carlos Cortez. Amigo do dramaturgo criador de enredos clássicos da periferia paulista como "Navalha na Carne" e "Dois Perdidos Numa Noite Suja", Cortez afirma ter sido abençoado pelo próprio Marcos, que teria confiado nele a adaptação para o cinema desta história que se aproxima de outra obra referencial dentro da cinematografia brasileira: PIXOTE, A LEI DO MAIS FRACO, de Hector Babenco. A diferença está no tom assumido pelo discurso, tanto dentro da trama quanto, principalmente, fora da tela, agora mais esperançoso, mesmo que continue trágico.

'Querô' é o apelido recebido pelo menino cuja mãe prostituta se suicida banhada em querosene. Criado muito a contragosto pela dona do prostíbulo, assim que se sente 'grande o suficiente' - mas ainda uma criança! - decide fugir para tentar a vida nas ruas, sozinho. Tal decisão acaba levando-o para a Febem, onde uma experiência traumática - é currado por quase uma dezena de adolescentes - faz com que a revolta dentro dele cresça de modo incontrolável. A fuga mais uma fez se faz urgente, assim como a volta às más companhias, os amores perdidos e a carência latente.

Filmado na região de Santos, SP, QUERÔ conta com mais de 40 garotos da região nos papéis principais. Os únicos atores profissionais aparecem em pequenas participações, como Maria Luiza Mendonça (sempre entregue e visceral), como a mãe que o abandona, Ângela Leal, a dona do bordel, Aílton Graça (numa boa composição) e Milhem Cortaz (TROPA DE ELITE), como o coordenador da Febem. A história em si está nas costas dos meninos, que desempenham com louvor a função que lhes compete. Mas o maior mérito mesmo parece ter sido a escolha do protagonista, Maxwell Nascimento. Em todos os festivais que o filme participou ele acabou ganhando o prêmio de Melhor Ator! Foi assim em Brasília (ganhou ainda Melhor Roteiro, Som e Direção de Arte), no Ceará (escolhido também Melhor Filme e Edição), em Cuiabá (o grande vencedor, premiado ainda como Melhor Filme, Direção, Roteiro, Produção e Diretor de Arte) e no Paraná. Maxwell é um talento em estado bruto, que mostra na tela uma visão de si mesmo que muito provavelmente nem ele mesmo conhecesse. Palmas para o diretor e para o preparador do elenco, que o descobriram e o treinaram, e principalmente para este novo artista que se confirma com esta atuação como uma verdadeira força interpretativa.

QUERÔ é triste, revoltante, impressionante, angustiante. É verdadeiro e também um grito de alerta. Chama atenção para um problema e uma realidade de décadas atrás que hoje, mesmo tanto tempo depois, se mostra cada vez mais caótica. Fala sobre uma questão social, mas acima de tudo sobre a própria condição humana, a necessidade de sermos alguém no mundo e de significarmos algo para um outro. E, mais do que qualquer outra coisa, sobre não estarmos sozinhos. É um grito pela vida, antes que o fim implacável se faça mais uma vez presente.

Querô, Brasil, 2006
(nota 8)

TROPA DE ELITE

2007-11-04T19:08:00.000-03:00

O filme nacional mais falado, polêmico e visto do ano, antes mesmo de chegar aos cinemas! Segundo os produtores, estima-se que cerca de 3 milhões de brasileiros viram TROPA DE ELITE em um dvd pirata, antes da estréia. Como ele já soma quase 2 milhões de espectadores pagantes em um mês em cartaz, isso dá um público total de 5 milhões, quase o mesmo de 2 FILHOS DE FRANCISCO (longa brasileiro de maior audiência nos últimos 15 anos) e superior a outros campeões, como CARANDIRU (4,5 milhões) e CIDADE DE DEUS (3,3 milhões), por exemplo. E agora, quando a poeira está finalmente baixando, a pergunta que cabe é: justifica-se todo este auê? E a resposta é: em parte.

José Padilha, após o aclamado documentário ÔNIBUS 174, percebeu que ainda havia muito a ser dito sobre a situação da violência no Brasil. Só que ele procurou um outro ponto de vista, que não o do bandido, como é mais comum. E o caminho óbvio, portanto, era a próprio polícia. E ele encontrou no livro "Elite da Tropa", de Luiz Eduardo Soares, André Batista e Rodrigo Pimentel, a fonte para a origem do seu trabalho seguinte. TROPA DE ELITE não é uma adaptação, mas faz da obra literária inspiração para o discurso que queria promover. E este é, em poucas palavras: apesar de toda a corrupção, ainda há policial interessado em acabar com o crime, mesmo que os métodos empregados não sejam os mais justos.

O filme TROPA DE ELITE tem como protagonista o Capitão Nascimento (Wagner Moura, impressionante), membro do BOPE (Batalhão de Operações Policiais Especiais da Polícia Militar do Estado do Rio de Janeiro), um grupo extremamente seleto e de atuação bastante forte empregado em situações de alta gravidade. Nascimento quer descansar, e para isso precisa escolher um substituto. E os dois mais prováveis para ocupar o lugar dele recém ingressaram na força, Neto (Caio Junqueira) e Matias (André Ramiro). Enquanto isso, estes vão descobrindo como são as coisas dentro de um órgão policial corrompido, ao mesmo tempo em que o BOPE estuda como garantir a segurança no morro durante a visita do Papa, tudo isso no final dos anos 90.

Apesar dos inegáveis méritos, TROPA DE ELITE não é desprovido de defeitos. E estes estão principalmente na visão simplista que promove de alguns vértices da trama, como os universitários (todos "mauricinhos" e "patricinhas" alienados com visões estereotipadas da verdade social do dia-a-dia) e os comandantes policiais (todos corruptos e poderosos, como grandes chefões da máfia que fumam charutos e comem camarões enquanto os subalternos cumprem suas ordens). Essa artificialidade prejudica um pouco uma melhor compreensão do que está sendo mostrado em cena: uma sociedade doente, que para combater um mal precisa fazer uso dele mesmo em doses ainda maiores.

Mas isso acaba sendo detalhe diante do que o filme oferece: atuações entregues e viscerais, uma direção no total domínio de suas ambições, uma edição precisa e vertiginosa, tudo funcionando de acordo com um roteiro amarrado e objetivo. TROPA DE ELITE talvez acabe entrando para a História do cinema nacional por outros motivos (a pirataria, a violência), mas merece um espaço também destinados às grandes produções nacionais, qualitativamente falando. Não entre os primeiros, mas certamente numa posição muito bem colocada.

Tropa de Elite, Brasil, 2007
(nota 8)

THE BUBBLE

2007-09-30T19:47:00.001-03:00

Tocante e cruelmente verdadeiro. Assim pode ser definido THE BUBBLE, longa dirigido pelo israelense Eytan Fox, o mesmo de YOSSI & JAGGER (que, no Brasil, recebeu o absurdo título DELICADA RELAÇÃO). O filme é um "Romeu e Julieta" gay entre um morador de Tel Aviv e um palestino que está ilegalmente na cidade israelita. Os dois se apaixonam quase que instantaneamente, mas a relação entre eles tem tudo para não dar certo: a distância geográfica, os conflitos políticos e religiosos, a pressão familiar, as rígidas regras da sociedade. O modo como cada um irá tentar e conseguir - ou não - superar estas dificuldades é que faz desta jornada cinematográfica uma experiência tão gratificante.

Tel Aviv é conhecida como "A Bolha" justamente por sua habilidade de reproduzir entre seus habitantes uma vida minimamente normal, mesmo estando situada bem no centro de um verdadeiro caos político-religioso-social. E bem no meio deste "universo paralelo" moram juntos, no mesmo apartamento, Noam (Ohad Knoller, de DELICADA RELAÇÃO), um vendedor de discos, Yelli (Alon Friedman), que ganha a vida como gerente de um café, e Lulu (Daniela Virtzer), vendedora de cosméticos. A história começa no último dia de serviço militar de Noam, quando ele encontra, pela primeira vez, Ashraf (Yousef "Joe" Sweid), um rapaz que tentava cruzar a fronteira. Já em casa, feliz por estar de volta ao lado dos amigos, é surpreendido quando bate a sua porta justamente Ashraf, que está à procura de um lugar para ficar. Os dois acabam conversando, se entendendo, e o que começou como um flerte se transforma num abrigo político, para só depois virar romance.

O mais interessante em THE BUBBLE é como, apesar da aparente previsibilidade da trama, somos impactados com cada nova situação do enredo. E também com a capacidade do diretor em combinar, de forma tão delicada, extremos até então inconcebíveis: guerra e amor gay, protesto e Bebel Gilberto (a cantora brasileira é constante na trilha sonora), respeito às tradições e raves com música eletrônica, a vida num grande e moderno centro urbano com costumes históricos. E o maior mérito aqui são os próprios personagens, todos dotados de vida, sentimentalmente profundos, verossímeis em suas intenções e iniciativas. Os diálogos soam naturais e envolventes, conduzindo o espectador ao lado dos acontecimentos, que deste modo adquirem nova importância diante nossos olhos.

THE BUBBLE é um filme que, mais do que assistido e reverenciado, merece ser sentido, da forma mais íntima que a expressão pode ter. E se o final incomoda, é justamente por ser absurdamente real. Não é um romance hollywoodiano de conto de fadas e cor de rosa - é, sim, o amor duro e contemporâneo, que surge mesmo nas condições mais improváveis, e que apesar de tudo luta para encontrar seus meios de expressão. Mesmo que estes não sejam os mais razoáveis, são, porém, os únicos naquele horizonte. E se merecem ser alterados, cabe a cada um a responsabilidade pelo mundo em que vivemos e pelo estado em que ele se encontra. Afinal, intolerância não é explicitada só em grandes atos ou decisões, mas principalmente dentro de nossas casas, no calor da cama e quando estamos mais entregues do que nunca. Justamente quando somos mais verdadeiros.

The Bubble, Israel, 2006
(nota 8,5)

HAIRSPRAY

2007-09-23T21:32:00.001-03:00

O que há de errado em HAIRSPRAY - EM BUSCA DA FAMA? Absolutamente nada! O filme é absurdamente perfeito! A direção generosa, as atuações dedicadas do elenco, a trilha sonora criativa e envolvente, a direção de arte colorida e esfuziante... tudo funciona à perfeição! E sempre é um prazer inegável quando um projeto cercado de tantas expectativas termina por cumpri-las à contento, satisfazendo desde os fãs mais ardorosos até os simples curiosos.

Para se entender um pouco desta história é preciso estar por dentro de suas origens. John Samuel Waters Jr., quando adolescente, tinha como uma de suas maiores diversões assistir a um programa musical vespertino que era uma verdadeira febre entre os jovens da Baltimore dos anos 60. E ele estava sempre acompanhado do seu melhor amigo, Harris Glen Milstead. Décadas se passaram e, lá pela metade dos anos 80, o garoto já havia crescido e era conhecido somente como John Waters, cineasta. E foi nesta época que ele resolveu fazer um filme quase autobiográfico, chamando para ser um dos protagonistas aquele mesmo amigo, que agora era um travesti que atendia pelo nome de Divine! O nome do longa era HAIRSPRAY - E ÉRAMOS TODOS JOVENS, usando os cabelos estáticos para falar sobre a necessidade de se adaptar aos novos tempos, do preconceito contra os "diferentes" e da mudança de pensamento que os jovens estavam causando na sociedade.

Sucesso no circuito alternativo, o HAIRSPRAY que chegou às telas em 1988 acabou inspirando uma versão musical, levada à Broadway em 2002 com um impressionante retorno de público e de crítica - foram 13 Tonys (o Oscar do teatro norte-americano) conquistados! E, numa trajetória semelhante a que aconteceu com OS PRODUTORES (1968 / 2001 / 2005), HAIRSPRAY volta às telas, porém totalmente remodelado e na mesma versão dos palcos! O bom resultado se repetiu mais uma vez: mais de US$ 114 milhões arrecadados nas bilheterias só nos EUA, além de 93% de aprovação no Rotten Tomatoes (em 184 críticas, apenas 13 falaram mal do filme)! Já premiado como Melhor Elenco no Hollywood Film Festival, com certeza deve causar impacto nas escolhas do final do ano, especialmente no Oscar e no Globo de Ouro!

E qual a história de HAIRSPRAY? Bom, a trama começa com duas colegas de escola saindo correndo da aula para não perder o início do The Corny Collins Show - programa de tv que mostra as últimas músicas e danças que fazem a cabeça da garotada, além de ser patrocinado por um spray de cabelos que dita a moda entre a juventude! Neste dia elas descobrem que vai abrir uma vaga no show, e a mais gordinha das duas resolve fazer um teste. No dia da prova ela não só é recusada pela produtora megera - e mãe de uma das dançarinas - como se envolve numa questão racista. É que uma vez por mês o programa apresenta o "Negro Day", um dia que que tanto os dançarinos quanto o próprio apresentador são substituído por negros, que mostram o "outro lado da música das ruas". A menina acredita que "todos os dias deveriam ser como o 'Negro Day'", ou seja, que não deveria haver esta separação racial, e que os números performáticos merecem ser integrados. Ao mesmo tempo em que isso assusta os produtores do programa, agrada o público, que começa a votar nela para ser a próxima "Miss Teen Hairspray"!

Adam Shankman, diretor de comédias constrangedoras como DOZE É DEMAIS 2 e OPERAÇÃO BABÁ (ambas de 2005), disse que HAIRSPRAY é o seu "primeiro filme de verdade"! Sim, porque ele foi um premiado coreógrafo da Broadway, levado meio que ao acaso para o cinema. E agora finalmente pode mostrar tudo o que sabe, revelando um potencial inusitado! Ele não só conduz a história com respeito, cuidado e sabedoria, como prepara cada momento com precisão, desde a entrada de personagens chaves (Velma von Tussle, Edna Turnblad, Motormouth Maybelle) até o momento clímax de cada um, todos donos de no mínimo um grande número musical. As letras de Marc Shaiman e Scott Wittman não só contribuem decisivamente no desenvolvimento do enredo, como também são dotados de carisma, inteligência e uma fina ironia. E, claro, são totalmente harmoniosas, daquelas que grudam e nos fazem sair cantarolando após o término da sessão!

Já o elenco é, por si só, um mérito à parte! A começar pela protagonista Nikki Blonski, uma desconhecida que até pouco tempo atendia numa sorveteria em Nova York! A menina é surpreendente, desempenhando a maioria das canções com uma desenvoltura de profissional, simpática e com ótima voz! Já John Travolta, como a mamãe Edna, é outro espanto! Mesmo sob uma roupa de treze quilos ele consegue dotar sua personagem de uma leveza e delicadeza singular. Michelle Pfeiffer marca sua volta às telas - após 5 anos afastada - em grande estilo, compondo uma vilã memorável. Queen Latifah faz muito mais aqui do que em CHICAGO (2002), outro musical que lhe rendeu uma indicação ao Oscar! Zac Efron mostra que o fenômeno alcançado em HIGH SCHOOL MUSICAL talvez não seja passageiro - ele sabe dançar, cantar e encantar! James Marsden (X-MEN) comprova uma experiência de anos nos palcos da Broadway, enquanto que Christopher Walken mostra mais uma vez porque é um dos atores mais requisitados de Hollywood! Se ele é bom até quando está num filme ruim, imagina neste, que é ótimo?

HAIRSPRAY - EM BUSCA DA FAMA é envolvente, empolgante, colorido, agitado e divertido. Mas, ao mesmo tempo, é sério, crítico, politicamente engajado e consciente de suas responsabilidades e possibilidades. Um feito raro: uma obra que faz pensar enquanto entretém com muita garra. Um filme para ser visto e revisto, analisado com cuidado e usado como referência futura. Quem disse que algo "leve" deve ser leviano? O que temos aqui é justamente o contrário. Afinal, como diz o próprio slogan da produção, "se você quer ser grande é preciso pensar grande"! E aqui todos pensaram "grande" na medida exata!

Hairspray, EUA, 2007
(nota 10)

SANTIAGO

2007-09-22T00:35:00.000-03:00

Um filme feito a partir da idéia de se fazer um filme. Assim é SANTIAGO, documentário de João Moreira Salles, o mesmo diretor de NOTÍCIAS DE UMA GUERRA PARTICULAR, NELSON FREIRE e ENTREATOS. Agora, ao invés de tratar do caos social do país, de um dos maiores exponentes da cultura nacional ou de realizar uma crônica política, ele faz uso de uma iniciativa inacabado para tentar iluminar uma discussão filosófica a respeito do ofício que desempenha, de sua arte e da própria existência. E o resultado é arrebatador.

O projeto "Santiago - O Filme" começou em 1992, quando o diretor tinha apenas 30 anos. A idéia era retratar a vida e as idéias do mordomo da família Salles, um tipo de homem que não mais existe nos dias de hoje - dedicado ao trabalho, à honra, aos detalhes, à etica e às belas artes. Joãozinho - como o cineasta era chamado por Santiago - entrevistou seu personagem durante cinco dias e depois, já diante deste material, chegou à conclusão de que não tinha ali um filme como imaginara. Tudo que fora captado acabou deixado de lado, para ser redescoberto 13 anos depois, em 2005. João Moreira, mais experiente e com uma carreira consolidada, conseguiu exercer um novo olhar sobre aqueles depoimentos, editando uma obra que transcende a proposta inicial. SANTIAGO não fala de um homem em extinção, e sim de uma reflexão sobre nostalgia e a arte de contar histórias.

Com este novo foco, o diretor consegue perceber fatos imprescindíveis que até então estavam escondidos. Como a natureza daquele que dá título ao filme: quem havia conversado com ele anos atrás não fora o "homem" Santiago, e sim o Santiago "mordomo". Era uma relação patrão-empregado que estava em cena, o que comprometera o resultado daquela época. Hoje, mais crítico, ele consegue driblar estas limitações, fazendo uso delas para uma análise das próprias estruturas de poder. Assim, aproveita-se do fazer cinematográfico para discutir servilismo, cultura, sociedade e até mesmo política, mas sempre através de um viés contemplativo, mais no campo das idéias do que da prática. E esta se faz presente no filme apresentado, que por si só fala alto o suficiente.

Com uma bela fotografia em preto e branco de Walter Carvalho (de CENTRAL DO BRASIL e co-diretor de CAZUZA - O TEMPO NÃO PÁRA) e montagem discreta de Eduardo Escorel (de CABRA MARCADO PARA MORRER e DOIS PERDIDOS NUMA NOITE SUJA), SANTIAGO é o ponto mais alto da carreira de João Moreira Salles enquanto realizador cinematográfico. Moço bem educado de família rica, ele consegue se distanciar de suas origens para se transmutar num espectador da decadência social e artística, oferecendo um infinitude de opções para serem discutidas durante este processo de descoberta. Há aqui uma lição de vida a ser aprendida e estudada, mas mais do que isso está em questão um assunto de extrema relevância: a nossa própria revelação enquanto espectadores do mundo, e como tudo que está a nossa volta pode adquirir múltiplos significados, bastando para isso a definição da sintonia que estes fatos, pessoas e objetos estabelecem com nosso acervo pessoal e histórico. SANTIAGO é vida, e como tal está em constante mudança. E por isso mesmo que seus méritos são tão evidentes.

Santiago, Brasil, 2007
(nota 9)

EU OS DECLARO MARIDO E... LARRY!

2007-09-21T00:36:00.000-03:00

EU OS DECLARO MARIDO E... LARRY! tinha tudo para ser o filme mais homofóbico e preconceituoso do ano. Afinal, a trama não é das mais "iluminadas". Senão, veja bem: dois bombeiros - uma das profissões que mais "povoam" o imaginário gay - decidem se casar, apesar de serem heterossexuais, apenas para que um deles consiga benefícios do governo. Como são vítimas de suspeita, precisam fingir que são homossexuais apaixonados, abusando de todos os clichês e estereótipos do gênero. Sim, está tudo lá, por mais previsível e bizarro que possa parecer. Mas, mesmo assim, o resultado não é dos piores, e no final o que acaba prevalecendo é a mensagem de tolerância e respeito, uma discussão sempre saudável de ser levantada.

O maior medo nem era o tema em si, mas nas mãos de quem ele estava depositado. Afinal Adam Sandler - assim como Jim Carrey ou Will Farrell, por exemplo - pode até ser um bom ator em projetos "sérios" (como no surpreendente EMBRIAGADO DE AMOR), mas o humor que emprega nas comédias é, via de regra, escrachado, pastelão e ofensivo. Este mesmo tom também se faz presente aqui, mas de modo muito mais leve, e ainda assim dentro de um propósito, visando a transformação dos protagonistas.

Sandler faz o machão conquistador que teve sua vida salva em trabalho pelo colega e por isso acaba aceitando o pedido maluco. Kevin James (HITCH - CONSELHEIRO AMOROSO) é viúvo e com duas crianças para criar. Como não está conseguindo incluir os filhos no plano de saúde, descobre que a maneira mais fácil para que isso aconteça é se casando novamente - e daí a idéia de chamar o amigo. Já a estonteante Jessica Biel (O ILUSIONISTA) é a advogada chamada para ajudá-los na defesa, ao mesmo tempo que, mesmo sem saber, estará atrapalhando os planos dos dois, já que vira objeto de desejo do mais assanhado. Aos poucos o falso casal gay vai se envolvendo no mundo gls, e neste processo se vê - e juntamente o espectador - superando as falsas idéias pré-concebidas, descobrindo uma nova realidade e adquirindo uma sensibilidade até então insuspeita.

Se Dennis Dugan provavelmente nunca será um diretor de renome (é responsável por filmes como O PAIZÃO e OS ESQUENTA-BANCOS) e os dois protagonistas não inspiram muito respeito, há três outros nomes que nos fazem repensar qualquer opinião apressada sobre EU OS DECLARO MARIDO E... LARRY!. Primeiro é o do roteirista Alexander Payne, vencedor do Oscar por SIDEWAYS - ENTRE UMAS E OUTRAS e diretor de obras elogiadas como AS CONFISSÕES DE SCHMIDT e ELEIÇÃO. Ele é o principal crédito por trás do enredo do filme, tendo escrito a maioria dos diálogos e o argumento inicial. Isso indica a natureza da trama, que mesmo coberta por piadas rápidas e visuais, é dotada de uma profundidade razoável. E por fim tem-se a dupla Richard Chamberlain (ator de PÁSSAROS FERIDOS) e Lance Bass (cantor do grupo N'Sync), duas celebridades que há pouco se assumiram como homossexuais e atualmente são ativistas gls. Suas participações são pequenas, mas elas certamente não teriam se envolvido neste projeto caso considerassem ofensivo e contrário a uma causa que tanto defendem.

E, acima de tudo, é importante ter algo em mente: EU OS DECLARO MARIDO E... LARRY! é uma comédia feita para grandes públicos. Assim sendo, é até louvável perceber como consegue escapar da superficialidade que impera neste gênero, mesmo que atingindo suas intenções originais. Tanto que somou mais de US$ 117 milhões somente nas bilheterias norte-americanas. E se o sucesso popular estiver acompanhado de uma lampejo de mensagem contra a discriminação e a favor das diferenças, já é ótimo. Mesmo que seja com a cara do Adam Sandler à frente do elenco!

I Now Pronounce You Chuck and Larry, EUA, 2007
(nota 6)

O ULTIMATO BOURNE

2007-09-20T00:27:00.000-03:00

Matt Damon é um dos mais improváveis astros do cinema hollywoodiano. O cara penou anos como coadjuvante em comédias bobinhas até emagrecer muito quilos e ser notado numa pequena participação em CORAGEM SOB FOGO (1996). Depois vieram trabalhos com diretores conceituados, como Francis Ford Coppola (O HOMEM QUE FAZIA CHOVER, 1997) e Steven Spielberg (O RESGATE DO SOLDADO RYAN, 1998), até a consagração em GÊNIO INDOMÁVEL (1997), de Gus Van Sant, pelo qual concorreu ao Oscar de Melhor Ator e levou a estatueta dourada na categoria de Melhor Roteiro Original. Desde então, nesta última década ele vem alternando obras engajadas (SYRIANA, O BOM PASTOR), desempenhos elogiados (OS INFILTRADOS, O TALENTOSO RIPLEY), campeões de bilheteria (a trilogia ONZE HOMENS E UM SEGREDO) e alguns percalços (LIGADO EM VOCÊ, OS IRMÃOS GRIMM). Mas o melhor dele - atuação, carisma, empenho - pode ser encontrado apenas em três filmes: a trilogia BOURNE, composta por este ULTIMATO e pelos anteriores IDENTIDADE (2002) e SUPREMACIA (2004).

Se no primeiro filme fomos apresentados a um espião secreto desmemoriado que buscava salvar sua pele de assassinos profissionais e no segundo presenciamos o início da luta por vingança, agora ele está mais perto do que nunca da sua própria história, relembrando fatos cruciais e prestes a revelar os culpados pelo destino trilhado até este momento. O melhor é que esta é uma série absurdamente concisa. Cada episódio foi feito, pensado e elaborado separadamente um do outro, e em alguns casos não tendo nada além do título como semelhança aos livros originais de Robert Ludlum. E, mesmo assim, tudo faz muito sentido! É um material novo, sintonizado com a modernidade, ágil e muito bem realizado. Doug Liman (SR. E SRA. SMITH) dirigiu o primeiro filme e produziu os dois seguintes, que tiveram como diretor Paul Greengrass, indicado ao Oscar neste ano por VÔO UNITED 93. Os dois delinearam um caminho muito seguro, e tudo segue exatamente de acordo com o proposto, mesmo que nunca previsível ou corriqueiro: inovação e ousadia são palavras-chave na produção, e quem mais ganha é o espectador.

Tramas como agentes secretos são quase um subgênero dentro do cinema norte-americano. Mas poucos são tão sérios e, ainda assim, empolgantes quanto os filmes BOURNE. Tudo que Jason Bourne (Damon, encarnando com precisão o personagem, por mais surpreendente que isto possa parecer) faz, suas atitudes e decisões, são absolutamente naturais e convincentes, como se estivéssemos refletindo cada novo problema ao lado dele. Os traumas que ele enfrenta, os perigos superados e as conquistas almejadas são vivenciadas pela platéia em igual intensidade, tornando cada filme uma jornada única.

O ULTIMATO BOURNE é, sem sombra de dúvida, o melhor blockbuster da temporada de férias nos Estados Unidos. HOMEM-ARANHA 3, PIRATAS DO CARIBE 3, SHREK 3, TREZE HOMENS E UM NOVO SEGREDO, QUARTETO FANTÁSTICO 2, HARRY POTTER 5, DURO DE MATAR 4.0, TRANSFORMERS, OS SIMPSONS, RATATOUILLE... alguns foram mais bem sucedidos do que outros, mas em geral todos acabaram decepcionando em algum ponto. Com exceção deste aqui, perfeito em praticamente todos os quesitos. Com um elenco coadjuvante impressionante (Joan Allen, David Strathairn, Albert Finney, Julia Stiles, Daniel Brühl, Scott Glenn, Paddy Considine), um diretor plenamente consciente de sua história e das possibilidades à disposição e um protagonista em sua melhor forma, este BOURNE 3 consegue combinar entretenimento, lógica, inteligência e diversão como poucos. Um mérito cada vez mais raro, e que merece ser reconhecido.

The Bourne Ultimatum, EUA, 2007
(nota 9)

CIDADE DOS HOMENS

2007-09-18T23:21:00.001-03:00

Uma das maiores - e mais bem-sucedidas - sagas do cinema brasileiro chega ao fim com CIDADE DOS HOMENS. Porém, ao contrário do que muitos possam pensar, este filme não é continuação de CIDADE DE DEUS, e sim o ponto final de um projeto que começou antes ainda, em 2002, com o curta PALACE II. Este projeto apresentou pela primeira vez os personagens Acerola (Douglas Silva) e Laranjinha (Darlan Cunha), dois garotos favelados. As histórias por eles protagonizadas continuaram na série de tv "Cidade dos Homens", que teve quatro temporadas de excelente retorno crítico e de audiência na Rede Globo, e se encerra agora na tela grande. E ao contrário do que se poderia supor, o que temos em cena não é um episódio alongado, mas sim uma trama independente e relevante, que merecia ser contada numa mídia mais específica, concluindo em alto estilo esta epopéia.

Se PALACE II (dirigido por Fernando Meirelles e Kátia Lund e roteirizado por Bráulio Mantovani e Paulo Lins, a mesma equipe por trás de CDD) serviu como um laboratório ao aclamado longa de Meirelles - que somou em sua excepcional carreira quatro indicações ao Oscar, mais de três milhões de espectadores no Brasil e cerca de US$ 27 milhões de dólares de arrecadação mundial nas bilheterias - foi somente com o este desdobramento - o próprio "Cidade dos Homens", seja no cinema, seja na televisão - que algumas questões mais íntimas e urgentes desse microcosmo puderam ser melhor trabalhadas. Proporcionando, deste modo, um olhar mais complacente e, ao mesmo tempo, crítico.

CIDADE DOS HOMENS, o filme, traz ao centro da discussão um dos temas mais caros e recorrentes dentre a população enfocada: a ausência paterna. Enquanto Acerola está aprendendo a ser pai logo aos 18 anos, Laranjinha recebe a maioridade com uma inquietação: quem é - ou foi - seu pai? Os dois, amigos desde a infância, tentaram juntos aprender como responder estas inquietações. O fato de termos acompanhado a evolução dos dois personagens é extremamente gratificante, pois se crescemos ao lado deles, melhor compreendemos as motivações que os guiam. E para isto não se faz necessário ter assistido a tudo já produzido com eles: o uso de flashbacks pelo enredo é muito bem articulado, colocado em momentos cruciais e sem exploração. O excelente arquivo natural é posto à serviço do roteiro, contribuindo positivamente para todos os envolvidos.

Fernando Meirelles, após o sucesso internacional de CDD, tem se envolvido cada vez mais em projetos hollywoodianos, como o elogiado O JARDINEIRO FIEL e o ainda inédito BLINDNESS. Assim, ele assume como produtor, abrindo espaço para o sócio dele na produtora O2, Paulo Morelli (VIVA VOZ), tomar conta da direção de CIDADE DOS HOMENS. A transferência de mão pouco se sente, e o resultado apresentado é muito satisfatório. O que carece em CDH é a ambição, ousadia, originalidade e, acima de tudo, ineditismo presente no filme anterior, que provocou outros olhares, opiniões e reflexões sobre o cinema feito no Brasil. Este novo filme não quer traçar um painel grandioso sobre um problema social - não, a vez agora é de narrar o que acontece a dois moradores daquele universo, propondo uma visão mais íntima e, ainda assim, universal.

CIDADE DOS HOMENS não é o melhor filme do ano. Não é inesquecível ou revolucionário. Mas é um alento dentro de uma temporada de poucas surpresas. E, acima de tudo, é um trabalho honesto e sincero, que cumpre com honra o que se propõe, se posicionando como mais uma peça dentro de um contexto maior e que está firmado no cenário cinematográfico nacional. Sua ascendência é intimidante, mas ninguém aqui ficou aquém do esperado, e o que temos é uma obra singular, competente e digna de méritos próprios.

Cidade dos Homens, Brasil, 2007
(nota 8)

OS SIMPSONS, O FILME

2007-09-18T00:48:00.000-03:00

A idéia de um longa-metragem com Os Simpsons, adaptando para a tela grande os personagens que há quase duas décadas reinam absolutos na telinha como uma das mais inteligentes, populares e sarcásticas animações para adultos e crianças dos 8 aos 80 anos, era, no mínimo, uma aposta arriscada. Afinal, por quê levar para outra mídia algo que já tinha sucesso comprovado num campo específico? Mas, como no mundo do entretenimento global a palavra de ordem é a "interação", as múltiplas associações possíveis para aumentar o potencial de todo produto bem sucedido, essa transposição era quase inevitável. O bom, portanto, é notar que ela foi feita com o menor ruído possível, e o resultado é tão bom quanto um dos melhores episódios da série na televisão.

Aliás, OS SIMPSONS, O FILME nada mais é do que um destes episódios, digamos, "vitaminado" - o que, por sinal, só conta a favor! Assim, os melhores elementos do seriado são potencializados. A trama começa com uma aposta estúpida entre Homer (o pai) e Bart (o filho) que termina com o mais velho adotando um porco como animal de estimação. Apesar dos protestos de Lisa (a filha) e da promessa que fez à Marge (a esposa), ele acaba jogando as sujeiras do bicho no lago municipal, causando um desastre ecológico. Para conter o problema o presidente Arnold Schwarzenegger, por meio de um assessor muito mal intencionado, decide isolar a cidade de Springfield numa redoma de vidro. A família Simpson consegue fugir antes de ser linchada, foge para o Alasca e no final retorna, salvando todos de uma tragédia ainda maior!

Apesar de orçado em US$ 75 milhões, as previsões iniciais dos analistas especializados imaginavam uma arrecadação nos cinemas norte-americanos em torno de US$ 60 milhões (sem contar o mercado de dvd e os demais países). Pois bem, em cerca de dois meses em cartaz OS SIMPSONS, O FILME já arrecadou quase US$ 200 milhões só nos Estados Unidos e cerca de US$ 500 milhões em todo o mundo! Isso dá uma noção de que, mesmo após 18 anos no ar, tem muita gente disposta a pagar ingresso para assistir a algo que "passa todos os dias de graça na tv" (como ironicamente afirma uma das primeiras piadas do filme).

Isso sem falar do excelente retorno da crítica (88% de aprovação no Rotten Tomatoes), que aponta principalmente a fidelidade da adaptação ao espírito original da série. É mais do mesmo? É, sim. Mas qual o problema disso? Se a matéria prima é boa, o conselho é aproveitar ao máximo esta nova aventura, que dá mais espaço a alguns personagens secundários (Flanders, por exemplo), explora melhor as relações familiares entre os Simpsons (o que cada membro pensa sobre o outro nunca havia ficado tão claro) e ainda consegue oferecer novidades e ousadias, como a nudez de Bart e as participações de Tom Hanks e da banda Green Day. OS SIMPSONS, O FILME entrega ao público justamente o que promete - e já tá mais do que bom!

The Simpsons Movie, EUA, 2007
(nota 8,5)

INESQUECÍVEL

2007-09-03T00:36:00.000-03:00

Chega a ser impressionante como tanta coisa pode dar errada em INESQUECÍVEL! Isso porque estamos falando de uma trama aparentemente comum aos cinéfilos e cineastas nacionais - o triângulo amoroso, vide o clássico DONA FLOR E SEUS DOIS MARIDOS ou o recente PRIMO BASÍLIO - e de um elenco minimamente competente, além de outros requisitos técnicos de destaque, como o roteirista e a produtora. Mas, sob o comando de Paulo Sérgio de Almeida, tudo combinado se põe diante o público como um dos maiores desastres da cinematografia brasileira recente, um produto previsível e constrangedor que afunda vergonhosamente em suas próprias ambições.

INESQUECÍVEL é dividido em três atos, cada um com aproximadamente 30 minutos de duração. O primeiro - o mais bem sucedido de todos - se passa em Buenos Aires e mostra o amor fulminante que surge entre o fotógrafo Guilherme (Caco Ciocler, perdido e sem direção) e a estilista e ex-modelo Laura (a esforçada estreante Guilhermina Guinle, incrivelmente a melhor do trio protagonista). Ela vai numa exposição dele, em seguida estão um na cama do outro e quando se percebe ela está num avião de volta para o Brasil e ele, desesperado, partindo em sua busca. Os dois voltam a se reecontrar no Rio de Janeiro, já na segunda etapa da história - quando as coincidências, e absurdos, começam a se proliferar: ela está de casamento marcado com o ator Diego (Murilo Benício, vergonhoso), que é o melhor amigo de Guilherme. Os três estão sempre juntos, e o ciúme do noivo passa a corromper as relações entre eles, até um final trágico. Mas o pior ainda está por vir, numa conclusão que pode ser, na melhor das hipóteses, classificada como risível: um dos vértices do triângulo, mesmo falecido, continua a atormentar a vida dos dois sobreviventes, levando-os praticamente à loucura.

Insano mesmo deve ser o espectador que tentar buscar alguma lógica neste embaralhado de referências ao cinema noir, ao suspense psicológico e ao romance como detonador de desgraças. Tudo é muito falso - os cenários, as atuações, os enquadramentos, os acontecimentos - e nada soa natural e convincente. Paulo Sérgio de Almeida, diretor de obras populares como SONHO DE VERÃO (1990), com as Paquitas, e POPSTAR (2000), XUXA E OS DUENDES (2001) e XUXA E OS DUENDES 2 (2002), todos estrelados pela 'rainha dos baixinhos', parece ter levado à sério demais o universo da apresentadora infantil, acreditando que tudo possa ser resolvido como num conto de fadas - ou, no caso, de terror inconsequente.

Benício, que já foi considerado um dos melhores atores nacionais de sua geração, com desempenhos elogiados em filmes como OS MATADORES (1997), AMORES POSSÍVEIS (2001) e O HOMEM DO ANO (2003), parece estar empenhado em confirmar que SEUS PROBLEMAS ACABARAM (2006), o filme que ele fez com a turma do Casseta & Planeta, talvez não seja uma exceção em sua carreira. Ele está sempre com a mesma expressão dura, fechada e quase cômica - de tão bizarra! Já o habitualmente interessante Caco Ciocler, de OLGA (2004) e QUASE DOIS IRMÃOS (2004), fica o tempo inteiro na procura por um registro, por uma orientação que nunca chega. Mas nada se compara ao roteiro estapafúrdio e esburacado de Marcos Bernstein, que nunca chega aos pés de seus trabalhos mais conhecidos: CENTRAL DO BRASIL (1998) e O OUTRO LADO DA RUA (2004). O enredo, baseado no conto "O Espectro", de Horácio Quiroga, nunca mostra a que veio e o que pretende, perdido entre dilemas inexistentes e em soluções fáceis e clichês. Nem a mão geralmente firme de Mariza Leão, produtora de sucessos como ZUZU ANGEL (2006) e GUERRA DE CANUDOS (1997) parece ter sido capaz de algum efeito positivo.

Com um visual televisivo, nada ousado, que a todo instante revela uma ausência total de criatividade ou planejamento, só nos resta torcer que INESQUECÍVEL cumpra o que o título promete. Dessa forma, talvez sirva de alerta para que outros cineastas nacionais evitem alguns dos desastres aqui muito bem exemplificados.

Inesquecível, Brasil, 2007
(nota 3)

PRIMO BASÍLIO

2007-08-27T01:34:00.000-03:00

É complicado saber por onde começar ao falar dos problemas de PRIMO BASÍLIO, oitavo filme dirigido por Daniel Filho e o quinto feito por ele desde a retomada de sua carreira cinematográfica, no início dos anos 2000. Depois de algumas experiências esparsas nos anos 60, 70 e 80 (até filme dos Trapalhões ele dirigiu) e muito trabalho em televisão, com a virada do século decidiu se dedicar exclusivamente à sétima arte. E desde então vem alternando sucessos de público (SE EU FOSSE VOCÊ, 2006), de crítica (A DONA DA HISTÓRIA, 2004) e até um fracasso (MUITO GELO E DOIS DEDOS D'ÁGUA, 2006). Mas, acima de tudo, eram comédias. E PRIMO BASÍLIO aposta noutro caminho, o drama, e o resultado é bastante problemático.

Poucos são os que desconhecem a trama de "O Primo Basílio". Baseado no romance do escritor português Eça de Queiroz, foi adaptado há 20 anos numa minissérie da Rede Globo, que tinha Tony Ramos, Giulia Gam, Marcos Paulo e Marília Pêra no elenco principal. Na direção, o mesmo Daniel Filho. Pois agora o que parece é que estas duas décadas fizeram mal para ele, que aparenta ter desaprendido como lidar com a dramaticidade da história. Reynaldo Gianecchini, Debora Falabella, Fábio Assunção e Glória Pires substituem os protagonistas, obviamente elas com um desempenho muito superior ao deles. Mas isso pouco importa no final das contas, já que a direção privilegia sempre o desenrolar atabalhoado do enredo, sem tempo para qualquer respiro, seja do personagem ou mesmo do ator por trás deste.

Sai a Lisboa do final do século XIX e no lugar está a São Paulo de 1958. Jorge (Gianecchini) é um engenheiro contratato para trabalhar na construção de Brasília, e por isso precisa viajar, deixando Luísa (Falabella), sua mulher, sozinha. Ela passa a receber a visita do primo Basílio (Assunção), que está de volta à cidade após uma temporada na Europa. Os dois logo se tornam amantes, o que vem a ser descoberto pela empregada Juliana (Pires). Esta, de posse de cartas reveladoras, passa a chantagear a patroa. E a relação que até então existia entre as duas se inverte, dando início ao calvário de uma e da descoberta do paraíso pela outra.

Se em A DONA DA HISTÓRIA ou em A PARTILHA (2001) Daniel Filho conseguiu conciliar um argumento de sucesso comprovado com um elenco que reunia talento e apelo popular, esta mesma fórmula revelou-se parcialmente desnecessária em SE EU FOSSE VOCÊ (que, apesar de abusar dos clichês, se tratava de um roteiro original). MUITO GELO foi um alerta, mostrando os perigos de ser tão autoral. A DONA teve 1,2 milhão de espectadores, PARTILHA mais de 2 milhões e SE EU FOSSE VOCÊ quase 3,5! MUITO GELO não chegou aos 500 mil espectadores, número que PRIMO BASÍLIO deve superar com tranquilidade. Mesmo assim não deve registrar nada muito superior. Gianecchini e Assunção são lindos, assim como Falabella, mas isso não basta, certo? Afinal, quem já não os viu seminus na telinha? E Glorinha, de quem se esperava uma grande atuação, passa o tempo todo limitada pela peruca, maquiagem pesada e figurino apertado.

Com enquadramento muito pouco criativo, edição convencional, cenário pobre e efeitos visuais constrangedores (o que são as cenas da cidade antiga?), PRIMO BASÍLIO abusa ainda do voyerismo (o sexo entre Assunção e Falabella é tão abusivo que perde o sentido inclusive dentro da proposta cinematográfica) e da falta de controle dos atores: Falabella, a melhor em cena, está sempre no limite, carecendo de uma orientação mais precisa. O que resta é uma obra sem fôlego, previsível desde a primeira cena e que tem uma conclusão absurda, inverossímil diante a nossa realidade. Um desastre anunciado, que somente se confirma com pior desdém a cada fotograma.

Primo Basílio, Brasil, 2007
(nota 3,5)

DURO DE MATAR 4.0

2007-08-05T14:13:00.001-03:00

Bruce Willis é um cara legal. Não que alguém tenha alguma dúvida disso. Ele se tornou conhecido através de uma série de televisão ("A Gata e o Rato", que durou de 1985 a 1989) e estourou definitivamente nos cinemas em 1988, com o primeiro DURO DE MATAR. Desde então fez comédias (A MORTE LHE CAI BEM, 1992), romances (A HISTÓRIA DE NÓS DOIS, 1999), suspenses (A COR DA NOITE, 1994), ficções científicas (O QUINTO ELEMENTO, 1997), aventuras (O CHACAL, 1997), superproduções (ARMAGEDDON, 1998), filmes cultuados (PULP FICTION, 1994), campeões de bilheteria (O SEXTO SENTIDO, 1999) e fracassos (HUDSON HAWK, 1991). Já foi protagonista, marcou presença em elencos múltiplos (SIN CITY, 2005), fez pequenas participações em projetos de amigos (AS PANTERAS DETONANDO, 2003, e DOZE HOMENS E UM OUTRO SEGREDO, 2004) e até mostrou seu talento de dublador (OLHA QUEM ESTÁ FALANDO, 1989), além de ter aparecido em outras séries de tv, como "Friends", "That 70's Show" e "Ally McBeal". Na vida familiar, continua amigo da ex-esposa, Demi Moore, depois de uma separação super tranqüila, e sai para férias em família na companhia dela e do novo marido, o ator Ashton Kutcher. Então como não ficar feliz em conferir esse grande cara de volta ao papel que maior sucesso lhe deu? E DURO DE MATAR 4.0 é exatamente isso: Bruce Willis fazendo o que sabe fazer melhor!

Se no primeiro filme o agente John McClane (Willis) precisou impedir o ataque a um edifício, no segundo (de 1990) salvou um aeroporto e no terceiro (de 1995) se virou ao avesso para evitar uma tragédia em toda uma cidade, agora o perigo segue esta linha de aumento progressivo e cresce vertiginosamente. O vilão desta vez é um terrorista virtual, que coloca o país inteiro como refém de um ataque combinado, imobilizando todos os recursos de energia, inteligência e até militar dos Estados Unidos em questão de horas. E como um herói conhecido por resolver as coisas "no braço" irá lidar contra um inimigo tão polivalente?

A solução se chama Matt, um hacker ameaçado de morte que acaba virando protegido de McClane. Ele, por um desencontro do destino, termina por ser o único capaz de enfrentar a ameaça cibernética e salvar a nação. Mas, para isso, precisará contar com a proteção do policial, que tem outro problema pela frente: salvar a própria filha, seqüestrada pelos bandidos. Interpretado por Justin Long, de A HORA DO RANGO e SEPARADOS PELO CASAMENTO, o rapaz tem tudo para, assim como Shia LeBeouf (TRANSFORMERS), se tornar num dos grandes astros de Hollywood nos próximos anos: tem aparência frágil, porém é engraçado, simpático e bom com as garotas. Ele, ao lado de tiradas impagáveis de Willis, responde pelo lado "leve" do filme, acrescentando bom humor e modernidade a uma trama que pouco tem de original, mas que conquista justamente pela nostalgia e exageros.

Se o trailer de DURO DE MATAR 4.0 lhe atraiu, o que posso dizer é que ali estão cenas apenas das primeira meia-hora de filme. Ou seja, tem muito mais pela frente. Assim, logo no início o protagonista consegue derrubar um helicóptero com um automóvel, desviar de dezenas e carros desgovernados no meio de um túnel escuro e salvar sua pele e a do garoto de vários assassinos que estão atirando à queima roupa. Agora, imagine o que ainda está por vir. Ele vai atravessar alguns estados, enfrentar o caos generalizado e lutar com capangas dos mais diversos tipos, gêneros e sexos até ficar frente a frente com o responsável por todo o perigo. E não será uma jornada fácil, pode apostar.

São tantos os absurdos e clichês no decorrer da trama que chega um ponto que esquecemos da verossimilhança e queremos apenas alimentar os sentidos. Não é um longa sério, que estimula o pensamento e a reflexão. É mais um pipoca arrasa-quarteirão, feito para grandes massas e de consumo imediato. Mas serve também para mostrar o quão marcante a década de 80 foi para o universo pop. Depois deste retorno e de Sylvester Stallone em ROCKY BALBOA no início do ano, em 2008 nos reencontraremos ainda com o mesmo Stallone, porém em JOHN RAMBO, e com um sessentão Harrison Ford em INDIANA JONES 4. E se o público continua aceitando com alegria este velhos ícones, qual o problema nisso? Bruce Willis fez bem sua parte, mostrando que tem muito fôlego para novos desafios. E daqui pra frente é só aguardar para ver!

Live Free or Die Hard, EUA, 2007
(nota 7)

A VIDA SECRETA DAS PALAVRAS

2007-07-29T23:55:00.001-03:00

O que é preciso para descobrir o verdadeiro "eu" de uma pessoa? Até que ponto nos fechamos tão dentro de nós mesmos que acabamos nos afastando não somente dos outros, mas de tudo mais, inclusive das próprias emoções? Incomunicabilidade, repressão, traumas do passado e a descoberta do amor no mais improvável dos lugares são alguns dos temas tratados no sensível e comovente A VIDA SECRETA DAS PALAVRAS, segundo longa-metragem internacional dirigido pela impressionante cineasta espanhola Isabel Coixet (o anterior foi o igualmente emocionante MINHA VIDA SEM MIM).

Uma mulher solitária vive num universo tão particular que esquece até mesmo de reinvindicar suas férias. Obrigada pelo chefe a um mês de descanso, acaba indo parar numa vila afastada e pouco povoada. Lá descobre uma oportunidade de reavivar uma antiga ocupação: enfermagem. Estão precisando de alguém para cuidar de um operário numa plataforma petrolífera no meio do oceano. Ele está cego, vítima de severas queimaduras sofridas durante um acidente. Ao chegar neste lugar ainda mais inóspito, nossa protagonista irá de se deparar com pessoas tão isoladas da vida quando ela mesma. As relações entre os presentes é tão escassa quanto se faz necessária. São como zumbis, abandonados numa terra de ninguém, individualmente ocupados com suas responsabilidades e esquecidos pelo resto da humanidade. Mas o contato está prestes a ganhar um novo valor, alterando toda a ordem até então estabelecida.

Se a princípio a convivência entre paciente e atendente revela-se truncada, os códigos de comunicação aos poucos vão se estabelecendo. Ele não consegue vê-la, ela parece estar pouco interessada, mas um jogo vai surgindo e envolvendo-os. Não tardará para a relação evoluir para uma estranha história de amor que, apesar do diferencial que possui, não deixa de possuir elementos em comum a qualquer outro romance: entrega, cobrança, confiança, insegurança, dor e sinceridade. E neste ponto o filme surpreende o espectador pelos novos rumos tomados, em que gestos até então exóticos adquirem novos significados e todo o entendimento do que estava acontecendo fica não só mais claro, mas também dotado de uma intensidade até então insuspeita.

Muito do bom resultado atingido por A VIDA SECRETA DAS PALAVRAS está na sua dupla central de atores, a fenomenal Sarah Polley (que já havia trabalhado com a diretora em MINHA VIDA...) e o oscarizado Tim Robbins (SOBRE MENINOS E LOBOS). Os dois fogem do registro óbvio e estereotipado, atuando com o olhar, com pequenos cuidados e tendo completo domínio dos personagens e das emoções que carregam consigo. Você esquece que por trás estão pessoas com outras vidas e histórias: fica-se diante apenas dos protagonistas da trama, como se estivéssemos literalmente dentro do enredo, naquela realidade. Outros bons destaques são alguns coadjuvantes, como o sempre ótimo Javier Cámara (FALE COM ELA, MÁ EDUCAÇÃO, DA CAMA PARA A FAMA), ciente da urgência de um alívio cômico, porém longe do clichê mais fácil, e da igualmente vencedora do Oscar Julie Christie (DARLING, A QUE AMOU DEMAIS, de 1965, vista recentemente em sucessos como EM BUSCA DA TERRA DO NUNCA, TRÓIA e HARRY POTTER E O PRISIONEIRO DE AZKABAN), numa participação carinhosa e fundamental.

Isabel Coixet é uma súdita exemplar do mestre Pedro Almodóvar, produtor executivo de A VIDA SECRETA DAS PALAVRAS, longa que foi o grande vencedor dos Prêmios Goya no ano passado. Sem incorrer no exagero, ela consegue falar muito dizendo pouco. As expressões, as atitudes, cada ação em todo momento são de relevâncias singulares, fazendo a maior diferença possível. Pelo que vemos nestes seus dois últimos trabalhos, estes são filmes para serem vistos com atenção e carinho, pois transmitem mais do que um única experiência possa se encarregar. É preciso reflexão, análise e uma compreensão maior do que somos e buscamos. Seja através das palavras, das ações ou mesmo do que não é feito. Pois aqui até o que não está tem importância. E esta lição é o maior mérito da obra como um todo.

La Vida Secreta de Las Palabras, Espanha, 2005
(nota 8,5)

SANEAMENTO BÁSICO, O FILME

2007-07-22T19:13:00.000-03:00

Jorge Furtado é um cineasta bastante singular dentro do cenário cinematográfico brasileiro. Seus filmes conseguem combinar argumentos pertinentes, crítica social, bom humor e entretenimento, em doses bem equilibradas. SANEAMENTO BÁSICO, O FILME, seu quarto longa, repete o bom resultado. Não chega a ser tão interessante quanto O HOMEM QUE COPIAVA, seu mais bem sucedido projeto, mas ainda assim representa um grande progresso em relação ao simpático HOUVE UMA VEZ DOIS VERÕES ou ao curioso MEU TIO MATOU UM CARA. O importante, entretanto, é perceber que o próprio realizador se deu conta que estava começando a se repetir, e ao invés de se acomodar e seguir com o que estava dando certo, resolveu inovar e mudar as regras do próprio jogo. Desta forma, não há mais um narrador em off dividindo com o espectador os acontecimentos e um único protagonista em busca da garota amada. Só por esta inquietute, Furtado já sai ganhando!
Inspirado no arquétipo clássico da commedia dell'arte, SANEAMENTO BÁSICO, O FILME conta com oito personagens principais, todos envolvidos na construção de uma fossa pública na fictícia comunidade de Linha Cristal, no interior do Rio Grande do Sul. O problema é que cada um encara o projeto com um ponto de vista singular, buscando diferentes resultados. E nem sempre estes objetivos serão concordantes com os dos demais.
Marina (Fernanda Torres, repetindo a "Vani", de OS NORMAIS) quer a melhoria do saneamento na cidade para que o marido se cure de uma insistente micose. Joaquim (Wagner Moura, discreto) é o marido que deseja se curar e trazer sua vida sexual de volta à normalidade. Os dois vão à prefeitura solicitar dinheiro para a obra, e lá descobrem que a única verba disponível é para a realização de um vídeo de ficção, uma iniciativa do governo federal. Marcela (Janaína Kremer, do inédito AINDA ORANGOTANGOS), a funcionária, tem uma idéia: que tal usar esta grana para solucionar o problema da vila? Para isso, basta gravar uma história, com um roteiro que tenha o mínimo de sentido! O importante, segundo ela, "é não devolver o que já foi liberado!"
Silene (Camila Pitanga, ótima), irmã de Marina, topa ser a estrela do filme, e chama o namorado, Fabrício (Bruno Garcia, divertido), para emprestar sua câmera. Ele aceita participar, pois vê uma oportunidade de incrementar o turismo por ali - ele é dono do único hotel da cidade! O envolvimento de todos nas filmagens vai ficando cada vez maior e, com novas responsabilidades, decidem buscar alguém profissional! E encontram Zico (Lázaro Ramos, roubando cada cena em que aparece), um videomaker que vê nesta história sua chance de alcançar sonhos maiores. Paralelo a tudo isso estão os dois velhos, Otaviano (Paulo José, comovente), pai das meninas, e Antonio (Tonico Pereira, repetitivo), o amigo/inimigo ideal. Ambos, com suas rabugices, acabam contribuindo para o sucesso da empreitada.
Se há um defeito em SANEAMENTO BÁSICO, O FILME, é a impressão de ter sido feito um tanto às pressas. Há problemas de continuidade (na cena em que Zico e Marina conversam numa lancheria, em cada corte o pastel está num lugar diferente) e de estrutura (a longa seqüência da motocicleta parece estar descontextualizada, além de demasiadamente longa). Isso, no entanto, não chega a afetar no resultado final, que é muito positivo. Repleto de diálogos divertidíssimos, é quase impossível não se envolver com estes "inocentes" que acabam sendo levados pela atração da arte criativa. O problema imediato bate forte nos calcanhares de todos, mas como deixar de lado a imaginação e a fantasia quando esta começa a se fazer presente com uma força até então impensável?
A paixão pelo cinema, a política pública de investimentos culturais, a atenção dada pelas autoridades às necessidades básicas e urgentes e a lógica às vezes invertida estabelecida entre corpo (a higiene) e mente (a arte) são alguns dos pontos levantados com inteligência pelo realizador - Furtado é também roteirista. Com um bom desempenho do conjunto do elenco (apesar de seus altos e baixos) e uma trama enxuta, que surpreende pelo inusitado e convence pela simplicidade, é uma produção que tem tudo para conquistar um público fiel e entusiasmado. E, por que não, fazer deste um dos longas nacionais referenciais de 2007!

Saneamento Básico, o Filme, Brasil, 2007
(nota 7,5)

TRANSFORMERS

2007-07-17T21:17:00.000-03:00

Antes de mais nada, é bom deixar algo bastante claro: eu odeio Michael Bay! Este é, para mim, um dos piores diretores da Hollywood atual, que representa com exatidão tudo o que há de pior por lá: exageros desnecessários, enredos vazios e histórias tolas e previsíveis. Por isso, quando soube que ele dirigiria a versão para a tela grande do popular brinquedo dos anos 80, TRANSFORMERS, minhas expectativas foram lá embaixo. Após conferir o trailer, o que temia se confirmou: muitas explosões, robôs tecnicamente perfeitos, porém nada atrativos, e uma história aparentemente repleta de clichês. Só que eu estava esquecendo de uma coisa: quem está sentado na cadeira de produtor executivo é ninguém menos do que Steven Spielberg. E, acreditem: isso faz MUITA diferença!
TRANSFORMERS é o filme que Spielberg dirigiria caso houvesse tecnologia disponível 20 ou 30 anos atrás. Já que não foi possível, ele aguardou e, como acredita estar numa idade mais "madura" para este tipo de passatempo, deixou a bola para o jovem Bay. Mas não se enganem: a mão do realizador de E.T., OS CAÇADORES DA ARCA PERDIDA e JURASSIC PARK está por todo o longa. A esperança, agora, é de que o responsável pelos irritantes OS BAD BOYS e A ROCHA tenha ao menos aprendido a lição de como combinar diversão de primeira com bom humor em uma trama que não desrespeite a inteligência do espectador.
Não que a história narrada em TRANSFORMERS seja muito mirabolante. Pelo contrário, pode ser resumida em uma frase: duas raças de robôs extraterrestres - os "Autobots", do 'bem', e os "Decepticons", do 'mal' - fazem da Terra campo de batalha na busca por um Cubo milenar que pode decidir o futuro do Universo. Pronto, é isso, direto e simples. Alguns humanos acabam no meio da briga - um adolescente que só quer pegar a garota mais gostosa do colégio, um grupo de militares, cientistas e o próprio governo norte-americano. Uma conspiração no estilo "Arquivo X" chega a se desenhar, porém sem muito impacto. Ou seja, não há distração - vai-se logo ao que o público quer, gigantescos alienígenas robóticos destruindo meio mundo enquanto assistimos, confortavelmente, digerindo muita pipoca e refrigerante.
Alguns cuidados foram essenciais para o bom resultado do projeto: os roteiristas Alex Kurtzman e Roberto Orci (A LENDA DO ZORRO, MISSÃO IMPOSSÍVEL III) simplificaram a narrativa, porém sem torná-la banal. Conseguimos nos identificar com os personagens de carne e osso, perdidos no meio de um duelo de gigantes. Toda a fotografia do filme é feita sob o ponto de vista humano, o que contribui no nosso sentimento de estarmos, literalmente, dentro do filme - em alguns momentos vemos apenas as pernas dos robôs, em outros a explosão já em andamento! Os efeitos especiais são de primeiríssima linha - cortesia da Industrial Light & Magic, de George Lucas - e, na grande maioria, a ação transcorre em céu aberto, muito bem iluminada e perfeitamente visível. E, acima de tudo, há muito bom humor, ironia e auto-crítica durante todo o desenrolar dos acontecimentos - nenhuma piada é perdida, mantendo alto o astral.
Outro elemento que dá muito certo é a aposta dos realizadores no novato Shia LaBeouf (visto em CONSTANTINE e no ainda inédito por aqui PARANÓIA). O rapaz foge do padrão consagrado de protagonista deste tipo de filme: não é particulamente bonito, nem musculoso ou descerebrado! Mas é, sim, muito simpático, engraçado e bom ator, conseguindo equilibrar a missão que acaba lhe sobrando com as tarefas de conquistar a mocinha e ainda livrar nosso planeta do extermínio. Simples, não? E o que se vê na tela é tão positivo que o próprio Spielberg já o escalou para o próximo projeto dele como diretor: LaBeouf será o filho de Harrison Ford em INDIANA JONES 4!
TRANSFORMERS é muito mais espetacular do que ARMAGEDDON, muito mais romântico do que PEARL HARBOR e muito mais futurista do que A ILHA, para ficarmos em termos de comparação apenas com as frustrações anteriores de Michael Bay. Divertido, empolgante e extremamente competente de acordo com o que se propõe, é um dos mais completos projetos do verão 2007, obtendo bons resultados tanto junto à crítica quanto com o público (mais de US$ 230 milhões nas bilheterias norte-americanas em menos de 10 dias!). Frases feitas, clichês inevitáveis, muito barulho e pouco conteúdo? Sim, tem tudo isso, mas também apresenta entretenimento extremamente bem realizado. E de vez em quando isso já tá mais do que bom, certo?

Transformers, EUA, 2007
(nota 8)

PARIS, TE AMO

2007-07-15T21:52:00.001-03:00

Todo longa composto pela a união de diversos curtas é, por definição, irregular. PARIS, TE AMO não foge desta sina, porém, felizmente, de modo muito positivo. A grande maioria dos curtas - são 18 no total - são excelentes! Claro, tem também alguns muito bons, outros somente bons, e uns dois ou três razoáveis. De fato, apenas um me decepcionou. Isso dá uma média excepcional, não?
Iniciativa da dupla de cineastas Tristan Carné e Emmanuel Benbihy (este responsável pela direção dos trechos de transição entre uma trama e outra), PARIS, TE AMO é o primeiro resultado de um projeto chamado "Cidades do Amor" - os próximos deverão ser sobre New York e Shanghai. E eles conseguiram recrutar, para esta "estréia", 21 cineastas das mais diversas nacionalidades, culturas, idades, tradições e gêneros. E o que temos é uma obra absurdamente envolvente, carismática, reveladora e instigante.
Em comum, os 18 enredos de PARIS, TE AMO têm o fato de se passarem cada um num bairro diferente da capital francesa e serem, todos, histórias de amor. O romance estará presente sob as mais distintas motivações: paixão, fraternidade, humanismo, nostalgia, carinho, saudade e até sobrenatural. Com um elenco impressionante e cineastas realmente empolgados com a proposta, tem-se um dos filmes mais encantadores dos últimos tempos, uma experiência inesquecível para todos aqueles que já se apaixonaram - por Paris ou não!

01. Montmartre
Dirigido, escrito e protagonizado pelo realizador grego Bruno Podalydès, mostra um homem que quer estacionar seu carro enquanto reflete sobre suas atitudes e sobre a própria vida. Um início tímido, que não faz jus a tudo que está por vir.

02. Quais de Seine
A diretora de origem indiana Gurinder Chadha (DRIBLANDO O DESTINO / "Bend it Like Beckham") fala da atração que surge entre um garoto francês e uma moça muçulmana. Estranhamento, compreensão e sinceridade caminham juntos neste simpático libelo de paz. A emoção começa a aflorar!

03. Le Marais
O norte-americano - e gay assumido - Gus Van Sant (GÊNIO INDOMÁVEL, ELEFANTE) é responsável pelo único episódio de tonalidade homossexual. Mas a trama vai além do óbvio desejo que surge entre dois rapazes. Espiritualidade, destino e à procura por uma alma gêmea, independente do corpo e sexo em que ela se apresenta, eleva a discussão. Um dos protagonistas é interpretado por Gaspard Ulliel, de ETERNO AMOR e HANNIBAL - A ORIGEM, e há também uma participação especial da cantora Marianne Faithfull (vista há pouco em MARIA ANTONIETA).

04. Tuileries
Os irmãos Joel e Ethan Coen (FARGO, O HOMEM QUE NÃO ESTAVA LÁ) criam o mais cômico dos segmentos. Steve Buscemi (CÃES DE ALUGUEL) é um turista que acapa no meio da pegação de um casal de namorados, numa estação de metrô. Despreocupado em querer passar grandes mensagens, diverte e entretêm.

05. Loin du 16e
Os brasileiros Walter Salles e Daniela Thomas, que juntos dirigiram TERRA ESTRANGEIRA e O PRIMEIRO DIA, contam em LONGE DO 16º DISTRITO com a colombiana indicada ao Oscar Catalina Sandino-Moreno (MARIA CHEIA DE GRAÇAS), neste que é um dos pontos altos do longa. Emocionante, simples e bastante direto, comove com palavras escassas e olhares de muitos significados. De cortar o coração.

06. Porte de Choisy
O australiano Christopher Doyle, diretor de fotografia de filmes como A DAMA DA ÁGUA e O AMERICANO TRANQUILO, responde pelo mais frustrante de todos os segmentos. Cabelereiras orientais, surrealismo, falta de nexo e a presença do diretor Barbet Schroeder (MULHER SOLTEIRA PROCURA) como ator contribuem para o fracasso da empreitada. Definitvamente o único evidente percalço do conjunto.

07. Bastille
A espanhola Isabel Coixet, dos tocantes MINHA VIDA SEM MIM e A VIDA SECRETA DAS PALAVRAS, fala da tentativa de um casal em crise de salvar a relação após descobrirem que a mulher está com câncer. As ótimas atuações de Miranda Richardson (PERDAS E DANOS), irreconhecível, e de Sergio Castellitto (SIMPLESMENTE MARTHA), por si só, já valem a conferida.

08. Place des Victories
O diretor japonês Nobuhiro Suwa joga nos ombros da sempre excelente Juliette Binoche (O PACIENTE INGLÊS) a responsabilidade de nos conduzir pela dor e sofrimento de uma mãe que sofre pela morte recente do filho. Tudo é tão sensível, delicado e bem exposto que nem um Willem Dafoe (HOMEM-ARANHA) como cowboy consegue estragar!

09. Torre Eiffel
Sylvain Chomet, da adorável animação AS BICICLETAS DE BELLEVILLE, nos mostra a história de amor que surge entre dois mímicos. Divertida, terna e muito bem humorada, traz um pouco de luz após o baque dramático do episódio anterior.

10. Parc Monceau
O mexicano Alfonso Cuarón (E SUA MÃE TAMBÉM) continua explorando as possiblidades de um plano-seqüência, muito bem exemplificadas no seu último filme, FILHOS DA ESPERANÇA, neste encontro de um pai (Nick Nolte, de HULK) com sua filha adolescente (Ludivine Sagnier, de 8 MULHERES). Curioso.

11. Quartier des Enfants Rouges
O diretor francês Oliver Assayas (CLEAN, ALICE & MARTIN) esfria as emoções nesta análise distante sobre o relacionamento que poderá surgir (ou não) entre uma atriz norte-americana (Maggie Gyllenhaal, de SECRETÁRIA) e o rapaz que lhe irá conseguir a droga que está buscando.

12. Place des Fêtes
O sul-africano Oliver Schmitz, apesar de até então só ter trabalhado em televisão, entrega o mais emocionante e triste de todos os episódios. Impossível não se comover com o amor que surge entre uma paramédica e um emigrante esfaqueado em praça pública. Nem sempre a pessoa pela qual esperamos toda uma vida chega à tempo para podermos desfrutar da companhia dela, mas ao menos estes dois protagonistas conseguiram cruzar seus olhares, nem que por meros segundos. Extremamente romântico, chocante e muito bem construído, traz esperança e desespero na mesma medida. Uma obra-prima!

13. Pigalle
Assim como "Bastille", esse aqui também vale de antemão já pelos protagonistas, a fabulosa Fanny Ardant (CALLAS FOREVER) e o divertido Bob Hoskins (MONA LISA). Com direção do norte-americano Richard Lagravenese (FREEDOM WRITERS), é uma interessante abordagem sobre a redescoberta do amor durante a maturidade, tendo à frente um casal que inventa um jogo particular para manter acesa a paixão entre eles no bairro mais sexual de Paris. Provoca a curiosidade do espectador ao mesmo tempo que brinca com a nossa própria inteligência. Muito bom!

14. Quartier de la Madeleine
O diretor e roteirista Vincenzo Natali não esconde seu passado de diretor de arte no mais visualmente interessante de todos os episódios, nesta trama de vampiros e turistas desavisados que atrai mais pela aparência do que pelo conteúdo. Mesmo assim, é uma brincadeira curiosa. Como protagonista, Elijah Wood (O SENHOR DOS ANÉIS).

15. Père-Lachaise
O diretor Wes Craven (A HORA DO PESADELO, PÂNICO) deixa de lado seu passado de monstros e assassinos para mostrar os humores que conduzem um casal (Rufus Sewell, de O ILUSIONISTA, e Emily Mortimer, de MATCH POINT) pelos corredores do popular cemitério do título. O roteiro muito bem elaborado, os diálogos marcantes e uma aparição do cineasta Alexander Payne como o escritor Oscar Wilde fazem deste, surpreendemente, um dos melhores do conjunto. Um feito e tanto!

16. Fauborg Saint-Denis
O alemão Tom Tykwer (CORRA, LOLA, CORRA e O PERFUME) tem a ótima Natalie Portman (CLOSER - PERTO DEMAIS) como protagonista de um amor que surge entre uma atriz iniciante e um jovem cego. A montagem instigante e o desenrolar da ação garantem o interesse do espectador, nesta trama que combina juventude, surpresas e uma ótima conclusão.

17. Quartier Latin
O astro francês Gerard Depardieu faz uma das suas raras aparições como diretor (ele também interpreta um personagem codjuvante), ao lado do colega Frédéric Auburtin. Os dois mostram como é difícil apagar a chama da paixão mesmo após anos de relação, de sofrimentos mútuos e outros constrangimentos. Os veteranos Ben Gazarra (DOGVILLE) e Gena Rowlands (DIÁRIO DE UMA PAIXÃO) conduzem um diálogo ferino, que esconde feridas não cicatrizadas e um carinho que transcende aparências. Muito bonito.

18. 14º Arrondissement
PARIS, TE AMO encerra com chave de ouro com a paixão que faltava: a pela própria cidade! Alexander Payne (SIDEWAYS, AS CONFISSÕES DE SCHMIDT) mostra uma turista norte-americana narrando seus passeios solitários pela capital francesa. É triste e comovente, tocante e melancólico, mas ainda assim muito bem-humorado e sensível. O roteiro é genial, e a interpretação de Margo Martindale (MENINA DE OURO) impressiona pela simplicidade. Fantástico!

Apesar de propositalmente fragmentado, como uma colcha de retalhos construída em momentos, intenções e situações específicas e distintas entre si, PARIS, TE AMO comprova que a multiplicidade desta criação coletiva consegue ser superior à soma de suas partes separadas. Uma visão global de uma das cidades mais lindas do mundo, que tem o mérito de fugir das obviedades - não vá esperando um passeio turístico pelas ruas e pontos turísticos parisienses - apostando em sentimentos universais e facilmente identificáveis. Simplesmente genial!

Paris, Je T'Aime, França/Alemanha/Suíça/Lichtenstein, 2006
(nota 10)

HARRY POTTER E A ORDEM DA FÊNIX

2007-07-11T01:35:00.000-03:00

Quando O PRISIONEIRO DE AZKABAN estreou, em 2004, a crítica foi unânime em afirmar que a saída do diretor Chris Columbus, que havia comandado os dois primeiros filmes da série (A PEDRA FILOSOFAL, de 2001, e A CÂMARA SECRETA, de 2002) tinha sido positiva, pois finalmente um "autor" assumiria as transposições dos romances da autora J.K.Rowling para a tela grande - no caso, o mexicano Alfonso Cuarón, recém saído do premiado E SUA MÃE TAMBÉM e que recentemente esteve de volta com o subestimado FILHOS DA ESPERANÇA. E o comentário geral sobre o terceiro filme era que haviam acabado as aventuras infantis e que a trama finalmente assumia um aspecto mais sério, dramático e perturbador. Mas essa não é uma característica específica deste filme ou dos seguintes: é, sim, da própria trama básica e de seus personagens. Afinal, o protagonista é um menino que sobreviveu a um ataque mortal contra os próprios pais e que traz marcado na testa esta tragédia. E, desde o princípio, ficou claro que este vilão estaria voltando, se recuperando, e que os acontecimentos futuros ficariam cada vez mais soturnos e assustadores. E se O CÁLICE DE FOGO, de 2005, intensificou este sentimento, o novo A ORDEM DA FÊNIX elimina de vez qualquer dúvida, comprovando porque HARRY POTTER é uma das sagas cinematográficas mais elaboradas, bem cuidadas e interessantes do atual cinema hollywoodiano.
O cenário apresentado logo no início deste quinto filme não é nem um pouco motivador: após a morte de Cedrigo Diggory no final do longa anterior, a notícia de que o perigoso Lord Voldemort estaria de volta foi espalhada por Harry e Dumbledore, diretor da Escola Hogwarts. Mas o Ministro da Magia duvida da informação, por razões políticas, e faz de tudo para desacreditá-los publicamente. O que acontece é que ninguém no mundo mágico se prepara para os tempos nebulosos que estão por vir, e tudo piora quando as aulas recomeçam. O Ministério envia a subsecretária Dolores Umbridge para assumir como professora e voz do governo dentro da instituição. A interferência dela será gradativamente maior, a ponto de destituir outros mestres e até mesmo Dumbledore. Além de se preocuparem com seus futuros pessoais, Potter a amigos terão que lidar com uma situação completamente adversa num lugar que até então lhes era um porto seguro.
David Yates, o diretor, estréia com este projeto na tela grande - até então havia trabalhado apenas na televisão. E, assim como Columbus, é um competente executor de ordens, mas está longe de apresentar uma visão original e inventiva a respeito da trama que se dispõe a narrar. O que vemos, portanto, é uma apressada sucessão de eventos, muitos deles desconexos entre si, que fazem mais sentido para aqueles já familiarizados com o contexto literário. Aliás, A ORDEM DA FÊNIX é o maior e todos os livros (cerca de 700 páginas), e o mais curto dos filmes (enxutos 138 minutos). Resultado? Muita coisa ficou de fora, mantendo apenas o essencial do enredo principal. Claro que o trabalho de adaptação é primordial, e a grande maioria dos fatos é bastante compreensível, mas é quase impossível deixar de lamentar a falta de passagens muito interessantes apresentadas na obra literária. Se ao menos servir para aumentar a curiosidade sobre o livro, já terá valido a pena!
Diferente de outros blockbusters deste ano, como os terceiros episódios de HOMEM-ARANHA, PIRATAS DO CARIBE e SHREK, HARRY POTTER chega agora ao quinto filme ainda trazendo consigo novidades e comovendo tanto fãs quanto curiosos. Se até a metade tudo se desenvolve com uma certa pressa, mais para o término o longa finalmente revela seus méritos, em uma conclusão absolutamente fantástica, envolvente e dramaticamente precisa. O espectador fica na ponta da cadeira, torcendo por cada nova reviravolta ou acontecimento. É, sem sombra de dúvidas, o melhor dos "filmes de verão 2007", destes fenômenos de público da temporada. Mesmo não sendo superior às duas aventuras anteriores, mantém em alta a série.
Os parabéns se devem principalmente aos produtores, que conduzem cada novo episódio com um olhar bem direcionado a respeito do que buscam e do que esperam conseguir, e dos atores, todos em ótima forma, desde o trio juvenil Daniel Radcliffe - Emma Watson - Rupert Grint (Harry, Hermione e Rony) até o elenco adulto, em destaque para a novata neste universo Imelda Staunton (O SEGREDO DE VERA DRAKE) e para o cada vez melhor Michael Gambon, além, é claro, das ótimas participações de Ralph Fiennes, Emma Thompson, Maggie Smith, Alan Rickman, Helena Bonham-Carter, Gary Oldman, David Thewlis, Jason Isaacs, Robbie Coltrane, Fiona Shaw e Julie Walters (ufa!). A cada instante uma nova surpresa, um novo deslumbre, mais um encanto. HARRY POTTER E A ORDEM DA FÊNIX é perfeito em praticamente todos os propósitos a que se dedica, mesmo sendo nitidamente um produto calculado para dar certo em todos estes mesmos quesitos. É entretenimento básico, honesto e competente. Sorte nossa que ainda restam dois livros!

Harry Potter and the Order of the Phoenix, EUA/Reino Unido, 2007
(nota 8,5)

RATATOUILLE

2007-07-10T00:56:00.000-03:00

Em uma entrevista recente, o diretor Brad Bird relatou as idéias que surgiram em uma das primeiras reuniões que tiveram no início da Pixar Animation, num brainstorm para futuros projetos de longas-metragens: bonecos que ganhavam vida quando o dono os deixavam sozinhos, o mundo fantásticos dos insetos, monstros da imaginação infantil e... um ratinho que sonhava em ser chef de cozinha! Se os primeiros deram certo e geraram ótimos filmes - TOY STORY, VIDA DE INSETO, MONSTROS S.A. - por quê o último não funcionaria também? O resultado vemos agora: RATATOUILLE é igualmente um sucesso de público e de crítica, mas evidencia além da técnica os motivos que causaram tanta hesitação entre seus criadores.
A trama de RATATOUILLE é muito simples: um ratinho, cinza, feio e peludo, está cansado de viver no lixo e sonha em ir para Paris e descobrir todos os sabores existentes no lugar com a melhor culinária do mundo! Bem ou mal ele acaba chegando lá, formando por acaso parceria com um aprendiz de cozinha desastrado. Tudo o que o rato sabe, o garoto desconhece. Juntos, porém, acabam fazendo fama e devolvendo o restaurante em que atuam a antiga popularidade. Outros elementos, como a saudade e lealdade perante à família (o pai, o irmão e os demais amigos acabam ficando para trás quando o protagonista decide virar cozinheiro), honestidade (quem é o verdadeiro dono do negócio?) e até crítica (culinária e, por quê não afirmar, artística em geral) são debatidos em cena. Ganha, com esta diversidade, o espectador adulto. Por outro lado, os mais baixinhos talvez se cansem um pouco.
Essa nova produção da Pixar ao lado dos Estúdios Disney é menos movimentada que os filmes anteriores da casa, principalmente do que o primeiro longa do diretor - OS INCRÍVEIS, de 2004. Por outro lado, o desenvolvimento intelectual da história é mais fundamentado, deixando de lado reviravoltas previsíveis e personagens unidimensionais em favor de uma estrutura mais orgânica, dinâmica e consciente. As motivações são todas muito bem exploradas, nada é raso, e até o mais cego dos vilões tem suas razões justificadas. Neste meio tempo, sobra um olhar mais ácido em relação àqueles que deturpam à arte em nome de um "bem maior" e neste processo acabam esquecendo dos seus objetivos primordiais: entreter, educar e gerar prazer.
Entretanto, nem tudo é "ouro" em RATATOUILLE. Se os méritos da obra são diversos, há também alguns problemas estruturais difíceis de ignorar. E o mais básico de todos é evidente: como deixar de lado o fato de que se está falando de um rato invadindo a cozinha e tratando com alimentos? Mesmo atento a detalhes como "as mãos devem estar sempre limpas", é particularmente complicado quando presenciamos um exército de roedores preparando um banquete. As mensagens de que todo sonho é possível se acreditarmos o suficiente, de que unidos vamos mais longe e de que os valores éticos e morais se trazem de casa são muito bonitas, necessárias e pertinentes no contexto global em que vivemos, mas bem que aqueles que aqui a ilustram - e isso não é uma apologia ao politicamente correto, por favor! - poderiam ser mais, digamos, palatáveis!

Ratatouille, EUA, 2007
(nota 8)

QUARTETO FANTÁSTICO E O SURFISTA PRATEADO

2007-07-09T01:42:00.000-03:00

As adaptações cinematográficas dos heróis em quadrinhos da Marvel, até pouco tempo, estavam dividadas entre as produções do primeiro time (HOMEM-ARANHA, X-MEN) e as do segundo escalão (BLADE, ELEKTRA). Foi há pouco tempo que se descobriu uma via intermediária, que combinasse um investimento considerável no orçamento para efeitos especiais e outros cuidados técnicos, ao mesmo tempo que se cuidasse razoavelmente do roteiro e do elenco, formado não por estrelas, mas por atores minimamente competentes. O primeiro a ir por esta linha foi DEMOLIDOR, de 2003. Mas a produção que provou que ela poderia dar certo veio dois anos depois: QUARTETO FANTÁSTICO, que custou US$ 100 milhões e arrecadou no mundo todo mais do que três vezes este valor. Natural, portanto, que viesse logo em seguida uma continuação, e ela chega agora, atendendo pelo nome de QUARTETO FANTÁSTICO E O SURFISTA PRATEADO.
Sim, porque este novo filme é mais do que um "episódio 2". Dá, sim, seqüência aos eventos narrados no longa anterior com os quatro personagens que, após um acidente solar, desenvolvem exóticos poderes: um é elástico (Reed Richards, o Sr. Fantástico), um pode inflamar o próprio corpo (Johnny Storm, o Tocha Humana), um tem a pele de pedra (Ben Grimm, O Coisa) e, por fim, ela, que fica transparente e emite campos de força (Susan Storm, a Mulher Invisível). E, além de estarem unidos nesta nova condição, tem em comum o fato de formarem uma família: Ben é o melhor amigo de Reed, namorado de Susan, irmã de Johnny! O diferencial está na inclusão de um novo, e enigmático, visitante: o Surfista Prateado!
Herói ou vilão? Está é a dúvida que ronda os protagonistas em relação ao extra-terrestre que chegou ao nosso planeta montado numa prancha de surf cósmica. Assim como nas hq's, ele não é nem um, nem outro: está apenas sondando nosso planeta, condenado a servir ao monstruoso Galactus, um ser que se alimenta da energia de planetas inteiros. O que o Quarteto precisará fazer será convencer o Surfista e levar Galactus a um outro lugar, ao mesmo tempo que tentarão livrá-lo desta maléfica influência. Isso sem falar dos problemas gerados pelo sempre inconveniente Dr. Destino, o inimigo visto na aventura anterior e que volta disposto a conquistar os misteriosos poderes do alienígena.
QUARTETO FANTÁSTICO E O SURFISTA PRATEADO ganha pontos em relação ao primeiro filme em vários quesitos: a trama é mais séria, o humor é mais contido, e os efeitos especiais estão melhor dispostos durante a trama. Continua, sim, sendo uma aventura para toda a família, mas os perigos estão numa nova escala, mais assustadora. Desta vez o mundo inteiro está em perigo, e as conseqüências e responsabilidades dos heróis serão postas à prova com mais intensidade e realismo. O filme deixa de ser tão "colorida" (em todos os sentidos), para se aproximar de uma reflexão sobre os destinos da humanidade e pelo que vale, mesmo, a pena lutar em busca da preservação.
O diretor Tim Story continua sendo dotado de poucas luzes, porém não chega a atrapalhar. Cumpre bem o que lhe é destinado, sem originalidade, mas também sem comprometer. No elenco principal, se Ioan Gruffudd (REI ARTHUR) é inexpressivo e Michael Chiklis (da série "The Shield") fica praticamente o tempo todo escondido atrás da maquiagem, as esperanças recaem numa confusa Jessica Alba (SIN CITY), indecisa entre ser uma cientista concentrada ou uma loira falsa e gostosa, e um Chris Evans (do recente SUNSHINE - ALERTA SOLAR), evidentemente o mais confortável no papel. No final das contas, acabam todos na média, sem nenhum destaque, mas dentro das expectativas. Afinal este não é um filme de grandes interpretações ou arroubos criativos. Não é ainda aquela trama que uma turma como o Quarteto Fantástico - ainda mais ao lado do filosófico Surfista Prateado - merecia, mas mesmo assim é um passo adiante. Quem sabe no próximo, talvez enfrentando uma realeza como Namor, o Príncipe Submarino, as coisas não esquentem de vez? O que nos resta é torcer e esperar, e neste meio tempo, se divertir um pouco. Afinal, cinema também é para isso, não?

Fantastic Four: Rise of the Silver Surfer, EUA, 2007
(nota 8)

TREZE HOMENS E UM NOVO SEGREDO

2007-06-21T01:15:00.000-03:00

Finalmente a "Temporada dos Três" mostrou a que veio. Sim, porque não há quem não negue que os terceiros HOMEM-ARANHA e PIRATAS DO CARIBE foram enormes decepções, enquanto que SHREK TERCEIRO até divertiu, mas que ainda assim foi o mais fraco da trilogia. Felizmente isso não se repetiu na franquia comandada por Steven Soderbergh (diretor oscarizado por TRAFFIC, 2000) e estrelada por um dos mais impressionantes elencos já reunidos em Hollywood: George Clooney, Brad Pitt, Matt Damon, Andy Garcia, Don Cheadle (indicado ao Oscar por HOTEL RWANDA), Bernie Mac (AS PANTERAS DETONANDO), Elliott Gould (o pai de Monica e Ross no seriado "Friends"), Casey Affleck (irmão de Ben Affleck), Scott Caan (filho de James Caan) e Carl Reiner (famoso diretor de televisão, vencedor de 5 Emmys), entre outros tantos. TREZE HOMENS E UM NOVO SEGREDO não só é muito superior ao anterior, DOZE HOMENS E UM OUTRO SEGREDO (que até tinha seus momentos divertidos, mas decepcionava numa avaliação geral), como se sai bem até em comparação ao primeiro da série, ONZE HOMENS E UM SEGREDO, que já tinha ido muito bem tanto em relação à crítica quanto junto ao público (quase US$ 200 milhões nas bilheterias só nos EUA)!
E não é pouca coisa ser apontado com o melhor dos três, ainda mais depois de tantos terem se apressado em declarar o fim da série após o tímido desempenho do segundo filme. O melhor de TREZE HOMENS é que ele vai além de um retorno às origens: é humilde o suficiente em se satisfazer apenas com o mais simples, com o básico, e dentro do que propõe se apresenta como uma obra impecável de entretenimento.
A trama de TREZE HOMENS E UM NOVO SEGREDO é sobre um roubo de um cassino. Fica para trás as aventuras européis rocambolescas de DOZE HOMENS e as trapalhadas amorosas de ONZE HOMENS: o que interessa, agora, é a pura e imediata vingança, o golpe bem dado e todos os elementos do plano funcionando à contento. E quem ganha com isso é o espectador, que fica atento a cada movimento ou nova situação.
Um dos "onze" homens de Danny Ocean (Clooney), Reuben (Gould), é passado para trás por um outro negociante, Willy Bank (o grande adendo do elenco, um Al Pacino em ótima forma, que parece estar se divertindo tanto quanto os outros). Isto ocorrido, os demais se unem para vingar o amigo. Pronto, e é exatamente o que acontece, sem mais, nem menos, sem surpresas de última hora (claro que estas existem, mas para acrescentar dentro de um contexto, e não para distrair originando algo novo e diverso) ou reviravoltas forjadas.
Um ponto importante, presente com ainda mais força, é o bom humor. Piadas internas (Clooney recomendando que Pitt deveria se casar e ter filhos, referência ao casamento do ator com Angelina Jolie e aos vários filhos que os dois têm, adotados ou não), reencontros marcantes (Pacino e Ellen Barkin novamente juntos, dezoito anos depois de VÍTIMAS DE UMA PAIXÃO), comentários de outros filmes (Pitt recomendando que Clooney perca a barriga, a que o ator teria ganho para fazer SYRIANA, o nariz falso de Damon que deveria ter aparecido em OS IRMÃOS GRIMM) e até mesmo a ausência das estrelas Julia Roberts e Catherine Zeta-Jones contribuem para termos um filme mais enxuto, conciso em sua proposta e mais bem sucedido dramaticamente. E se você não der boas risadas nem mesmo com a participação de Oprah Winfrey, então é porque não entende nada de cultura pop!
TREZE HOMENS E UM NOVO SEGREDO não chega a ser um blockbuster, mas está indo bem de público e crítica. Ficou em primeiro lugar nas bilheterias norte-americanas quando estreou, com quase US$ 40 milhões arrecadados no final de semana. Um bom resultado, que certamente irá ajudar a melhorar a imagem da saga entre os que duvidam da força do projeto. E que venha QUATORZE HOMENS E UM SEGREDO AINDA MELHOR o quanto antes!

Ocean's Thirteen, EUA, 2007
(nota 9)

SHREK TERCEIRO

2007-06-19T00:45:00.000-03:00

O primeiro, "Shrek", de 2001, ganhou o primeiro Oscar entregue na até então inédita categoria de Melhor Longa de Animação. O segundo, "Shrek 2", de 2004, não só foi também indicado como acabou ganhando a estatueta dourada de Melhor Trilha Sonora. Isso sem falar que é o desenho animado de maior bilheteria da história, tendo arrecadado só nos Estados Unidos mais de 436 milhões de dólares! Dados difíceis de serem superados, não? Pois bem, "Shrek Terceiro" provavelmente não alcançará as mesmas marcas, mas tem qualidades suficientes para garantir uma colocação especial em nossas memórias.
Sem a inovação do primeiro ou o sarcasmo do segundo, este "Terceiro" consegue escapar de ser "mais do mesmo" pela sábia decisão dos roteiristas em apostar nas novidades. Ou seja, todo mundo já tinha em mente o que esperar o ogro Shrek, do Burro ou do Gato de Botas (que parecem até serem coadjuvantes do próprio filme!). Então, optou-se por mais espaço para aqueles que sempre tiveram uma participação discreta - as demais princesas dos contos-de-fada (Branca De Neve, Rapunzel, Bela Adormecida e Cinderella) e os temidos vilões (Capitão Gancho, Bruxa Malvada e, claro, o hilariante Príncipe Encantado). Isso garante a diversão do filme, porém sem aquele olhar das aventuras anteriores, que enfatizava a crítica e o deboche.
A trama de "Shrek Terceiro" é bastante simples. O pai de Fiona, o rei de Tão, Tão Distante, morre, deixando o trono vago. O primeiro na linha de sucessão seria Shrek, que recusa a tarefa. Mas para se livrar, tem que encontrar outro que assuma o posto. E o próximo da lista é um primo distante, Artie - ou, como viria a ser conhecido, Artur. Enquanto Shrek, Burro e Gato de Botas estão ausentes, envolvidos na missão de encontrar o rapaz, o Príncipe Encantado arma um plano para tomar posse do Reino, com a ajuda de todos os vilões dos contos-de-fada. Fiona e as demais princesas é que terão que se unir para defender a paz local.
Outro viés interessante que o enredo propõe é como os protagonistas enfrentam a maturidade . O Burro já é pai, com vários filhotes, enquanto que Shrek tem que lidar com a possibilidade de um novo emprego (ser ou não rei) e a futura paternidade. Família, trabalho, segurança. Temas adultos demais para um longa aparentemente destinado ao público infantil. E que no final acabam pesando decisivamente: sim, os pequenos irão se divertir, mas a reflexão provocada nos mais velhos dessa vez entra em conflito com a diversão despreocupada. O que, se por um lado é bom, já que fornece material para análise e discussão, por outro ofusca o entretenimento por si só.
"Shrek Terceiro" marca a estréia na direção de Chris Miller, roteirista dos dois primeiros filmes e que trabalhou como animador em "Madagascar". Ele pode não ser tão original quanto Andrew Adamson (diretor de "Shrek 1" e "2", que agora aparece somente como produtor executivo, enquanto assume a série de fantasia "As Crônicas de Nárnia"), mas é um bom executor, dando continuidade com competência a este mundo tão divertido e encantador. E no time de vozes originais, Antonio Banderas (Gato de Botas) e Eddie Murphy (Burro) continuam proporcionando um show à parte, enquanto que Mike Myers (Shrek), Cameron Diaz (Fiona), Rupert Everett (Príncipe Encantado) e Julie Andrews (Rainha) seguem a mesma linha já conhecida. A novidade ficou por conta da inclusão do astro pop Justin Timberlake (Artur), cada vez mais investindo na carreira cinematográfica. Porém, o desempenho vocal é um "mimo" oferecido somente aos mais antenados. Outra prova de que, em seu terceiro capítulo, "Shrek" se confirma, definitivamente, como o mais bem sucedido exemplo de animação adulta. Uma explosão de exageros que guarda, no final das contas, seus mais raros e preciosos presentes no menores, e muitas vezes desapercebidos, detalhes.

Shrek The Third, EUA, 2007
(nota 7,5)

CONFIDENCIAL

2007-06-06T14:28:00.000-03:00

Talvez você tenha a seguinte sensação ao assistir CONFIDENCIAL: "já vi isso antes...". Bem, este sentimento não será totalmente despropositado, afinal a trama é exatamente a mesma de CAPOTE, longa de 2005 que deu o Oscar de Melhor Ator para Phillip Seymor Hoffman. Mas isso não significa que este novo filme não mereça ser visto - na verdade, é mais um estímulo, no sentido de compará-los para descobrir que, no fundo, ambos possuem méritos próprios que os justifiquem independente um do outro.
Na pele do escritor Truman Capote, autor de "Bonequinha de Luxo", dessa vez está o praticamente desconhecido Toby Jones (que havia aparecido em pequenos papéis em SENHORA HENDERSON APRESENTA e EM BUSCA DA TERRA DO NUNCA, além de ter sido a voz do elfo Dobby em HARRY POTTER E A CÃMARA SECRETA). A pouca familiaridade que temos com ele colabora na personificação do famoso escritor: por alguns instantes, nos indagamos se não estamos diante de uma reencarnação de Capote, tamanha a perfeição da interpretação. O que a difere da atuação de Phillip são os detalhes: enquanto este procurava algo minimalista e casual, Jones investe na afetação e nos trejeitos mais exagerados, marcando de vez sua visão do personagem. E esta orientação se reflete em todo o filme: se em CAPOTE tudo era mais sóbrio e reflexivo, CONFIDENCIAL aposta nas emoções e, principalmente, nas reações dos envolvidos em ambos os lados da tela.
A estrutura da trama é praticamente a mesma: o processo de investigação de Truman Capote sobre o assassinato de toda uma família no interior do Texas. Este material acabou rendendo o livro mais marcante dele, "À Sangue Frio". Truman e sua amiga Harper Lee (uma composição surpreendente de Sandra Bullock, no melhor desempenho de toda a carreira dela) saem do mundo cosmopolita de Nova York e decidem se aprofundar naquele universo tão distante e, ao mesmo tempo, tão curioso e específico. Dirigido por Douglas McGrath, o mesmo de EMMA (1996) e NICHOLAS NICKLEBY (2002), o filme deixa bem claro duas facetas do protagonista: se por um lado era um profissional genial e obstinado, por outro era também uma pessoa ligada nos pequenos defeitos da alma humana, como fofocas, invejas, intrigas e dissimulações. Poucos gostariam de ser como ele, mas por outro lado é quase impossível não se interessar por uma personalidade tão intrigante e hipnótica.
Outro ponto que desperta atenção em CONFIDENCIAL é a impressionante quantidade de participações especiais que o filme apresenta. Gwyneth Paltrow, Sigourney Weaver, Hope Davis, Juliet Stevenson, Isabella Rosselini, Peter Bogdanovich e Jeff Daniels fazem rápidas aparições, porém enriquecendo a obra inestimavelmente. O único de todo o elenco, no entanto, à altura do protagonista é Daniel Craig (007 - CASSINO ROYALE), como um dos assassinos. Ele emprega uma verossimilhança e uma determinação que estabelecem um confronto que chega a mexer com os nervos do público. A relação entre Craig e Jones é um dos pontos altos do filme.
Talvez CONFIDENCIAL não seja tão elegante e inteligente quanto CAPOTE, por exemplo. Mas é uma produção que envolve o espectador e incita a curiosidade em relação ao que é narrado. Melhor ou pior, é difícil dizer. O mais certo, mesmo, é que é diferente na medida certa e tão competente quanto, considerando-se que ambos possuem diretrizes distintas. O problema deste segundo é que, como veio depois, infelizmente estará destinado a ficar na sombra do anterior. Um destino certamente imerecido.

Infamous, EUA, 2006
(nota 8,5)

OS 12 TRABALHOS

2007-05-30T14:03:00.001-03:00

Conheci Ricardo Elias durante o Festival de Cinema de Gramado de 2003. Eu estava trabalhando na cobertura do evento, e Elias participava com o primeiro filme dele, DE PASSAGEM. Era o típico concorrente azarão, que ninguém conhecia nem tinha ouvido falar. Uma história simples - dois amigos atravessando a cidade de São Paulo durante um dia, numa espécie de road movie urbano - e com atores praticamente desconhecidos. Pois de "mais um" ele virou "O" vencedor, levando 5 kikitos: Melhor Filme, Diretor, Ator Coadjuvante (Fábio Nepô), Roteiro e Prêmio da Crítica. Consagração total. Por isso a expectativa ter sido tão grande em relação ao trabalho seguinte dele. E, felizmente, posso afirmar: OS 12 TRABALHOS é superior à DE PASSAGEM!
O cineasta mais uma vez foca seu olhar num grande centro urbano - São Paulo, claro - e da mesma forma, prestando atenção àqueles que vivem às margens dos acontecimentos: desta vez, são os motoboys. Parcela da classe trabalhadora freqüentemente desprezada, seja por um preconceito arraigado - são todos malandros, bandidos ou coisa pior - mas, ao mesmo tempo, muito solicitada - como fazer negócios hoje em dia sem o auxílio desses imprescindíveis "leva-e-traz"? Tendo como base o mito grego dos 12 trabalhos de Hércules, o filme tem como protagonista Herácles (o novato Sidney Santiago, premiado no Festival do Rio 2006 e no CinePE 2007 como Melhor Ator), um jovem recém saído da FEBEM que deve provar, em um dia, ser capaz do emprego num serviço de entregas, enquanto vai se esquivando dos problemas deste cotidiano, como clientes irresponsvéis, colegas de trabalho pouco confiáveis e seus próprios anseios profissionais.
O melhor de OS 12 TRABALHOS é sua história, bastante simples e direta. Ao mesmo tempo, os personagens são reais, verossímeis, com dramas pessoais e ricos em detalhes, contribuinido para a identificação do público com os dilemas por eles enfrentados - quem nunca lutou por um novo trabalho, para ser reconhecido por seus esforços e para vencer adversidades inesperadas com criatividade e um pouco de sorte? Ricardo Elias conduz sua história sem se intrometer no caminho, de forma discreta e sábia. Ele abre espaço, e o enredo e os atores se encarregam do resto, numa sintonia exemplar.
Com participações interessantes de Lucinha Lins, Vanessa Giácomo, Vera Mancini, Cacá Amaral e Cynthia Falabella, OS 12 TRABALHOS conta também com uma boa atuação do gaúcho Flávio Bauraqui (MADAME SATÃ), premiado como Melhor Ator Coadjuvante no último Festival de Recife, o CinePE. Este longa foi premiado também nos festivais de cinema de San Sebástian (Espanha) e de Havana (Cuba). Um competente exemplo do que se está produzindo hoje no Brasil, um filme preocupado socialmente e ainda assim interessante como entretenimento inteligente. Se continuar neste ritmo, Elias tem tudo para ser um dos nomes mais fortes dessa nova geração de cineastas nacionais que está se formando. Que venha mais, e logo!

Os 12 Trabalhos, Brasil, 2006
(nota 7,5)

BAIXIO DAS BESTAS

2007-05-28T00:44:00.000-03:00

O segundo longa-metragem do diretor pernambucano Cláudio Assis exponencia tantos os méritos quanto os defeitos do filme anterior, AMARELO MANGA (2002). Se em sua primeira experiência cinematográfica de desenvolvimento mais elaborado ele conseguiu um resultado muito equilibrado, sem deixar de ser contundente e provocativo, em BAIXIO DAS BESTAS parece ter cedido a um instinto mais inquisidor, revelador e inquieto, deixando a forma do discurso num segundo plano. O que parece verdadeiramente importar são as imagens fortes e as reações provocadas nos espectadores. "Estou aqui para incomodar", afirmou Assis quando lhe perguntei a respeito do que esperava conseguir com este novo trabalho. "Quero que o filme faça as pessoas se mexerem, e que ele fique nas memórias delas. Talvez não mude o modo delas agirem, mas que vai provocar uma reflexão, ah isso vai", completou.
Quando BAIXIO DAS BESTAS foi anunciado como o Melhor Filme do 39º Festival de Cinema de Brasília, no final de 2006, metade da platéia recebeu a notícia com fortes palmas - enquanto os demais também reagiram, registrando uma contrariedade sob enfáticas vaias. Cláudio Assis perdeu o Candango para Helvécio Ratton e seu BATISMO DE SANGUE, mas BAIXIO levou ainda outros5 prêmios: Atriz (Mariah Teixeira), Ator Coadjuvante (Irandhir Santos), Atriz Coadjuvante (Dira Paes), Trilha Sonora e Prêmio da Crítica. Um resultado bastante significativo, que no mínimo indica que, se o filme tem provocado reações diversas no público, junto à crítica especializada - e ao júri oficial do festival - o efeito foi bem intenso. E bastante positivo.
Mas, acima de tudo, esta não é uma obra que busca unanimidade. Afinal de contas, as temáticas abordadas no enredo são, no mínimo, propensas às mais diversas polêmicas. E o modo como são tratadas na tela não facilitam nenhuma possível controvérsia. A trama se divide em várias histórias, compondo um cruel painel da vida no agreste, tendo como foco os que vivem da prostituição - as meninas e seus agenciadores - e os mais assíduos clientes destes, principalmente aqueles chamados de "agroboys", filhinhos de papai endinheirados que estudam nas capitais e que, quando em folga, voltam para as fazendas para barbarizar, sem respeito nem atenção, a comunidade pobre que subsiste ao redor.
Caio Blat, que anda numa fase voltada ao cinema, com este e os ainda inéditos por aqui PROIBIDO PROIBIR e o já citado BATISMO DE SANGUE, é um dos protagonistas, um rapaz irresponsável que pouca atenção dá aos estudos e que só quer saber de torrar a grana dos pais em festas e emoções baratas. Ele acaba se apaixonando por uma garota, quase uma menina, que é prostituída pelo avô, que a cria. E por mais fortes que sejam os sentimentos que ele começa a nutrir por ela, a relação de poder que existe entre os dois falará mais alto. No puteiro do local trabalham mulheres mais descoladas, interpretadas por atrizes como as sempre ótimas Dira Paes e Marcélia Cartaxo (MADAME SATÃ), além de Hermila Guedes, revelada em O CÉU DE SUELY. Um dos líderes dos arruaceiros é Matheus Nachtergaele, que compõe um personagem visceral e inconsequente de assustadora perfeição.
Se o elenco nos apresenta atuações inquestionáveis, está na forma como o diretor conduz sua história que cria as maiores divergências em relação ao filme. Com cenas de gratuita violência e sexualmente explorativas, ele se distancia do objetivo inicial - refletir e questionar - para causar, acima de tudo, repulsa e desprezo. Só que este deveria ser dirigido às ações mostradas, e não ao produto artístico em si. Desse modo, BAIXIO DAS BESTAS permanece longe da audiência, não cumprindo sua função primordial: denunciar e contribuir com uma análise séria e precisa sobre um problema tão freqüente a uma parcela cada vez mais expressiva da nossa sociedade. Claro que um filme não deve ser um tratado social, mas quando ele próprio assume este posicionamento, ao menos que desempenhe corretamente este papel.

Baixio das Bestas, Brasil, 2006
(nota 6,5)

PIRATAS DO CARIBE - NO FIM DO MUNDO

2007-05-25T01:47:00.001-03:00

Este ano de 2007 promete ser marcado pelos excessos. Isso ao menos em relação à temporada mais concorrida cinematograficamente falando, o verão norte-americano, quando se concentram todos os principais blockbusters da temporada. Ainda temos pela frente os novos filmes das franquias "Harry Potter", "13 Homens e um Novo Segredo", "Shrek", "Quarteto Fantástico", "Ultimato Bourne", "A Volta do Todo Poderoso", "Duro de Matar" e "A Hora do Rush", fora as novas promessas "Transformers", "Stardust", "Os Simpsons", "A Bússola Dourada", o musical "Hairspray", "Ratatouille"... ou seja, muita ação, emoções ilimitadas, romance, alegria, diversão e, acima de tudo, entretenimento! Ou será que não? Afinal, as duas primeiras grandes apostas resultaram em imensas frustrações: o irregular HOMEM-ARANHA 3, repleto de altos e baixos, e o simplesmente interminável, chato e cansativo PIRATAS DO CARIBE - NO FIM DO MUNDO.
Eu já não tinha gostado muito do primeiro, o A MALDIÇÃO DO PÉROLA NEGRA, de 2004. Por isso, fui sem a menor expectativa conferir O BAÚ DA MORTE, no ano passado. O que acabou sendo algo bom, porque acabei adorando. Divertido, absurdo, emocionante, ágil, histriônico, hilário, emocionante. Tudo, aliás, que NO FIM DO MUNDO não é. Os realizadores afirmam que os dois filmes, os episódios 2 e 3, foram filmados ao mesmo tempo, em 2005. Pois bem, tudo de bom captado entrou no lançado em 2006, sobrando muita enrolação para o de agora. São inúmeras pontas para serem amarradas, tantas subtramas se desenvolvendo ao mesmo tempo, uma quantidade enorme de personagens com pouco tempo suficiente em cena para despertarem empatia no espectador, que no final das contas o que sobra é um tédio generalizado.
A começar pelo próprio enredo: qual é a história de NO FIM DO MUNDO? Alguns dirão que é a reunião dos antigos heróis para tentar salvar o Capitão Jack Sparrow (Johnny Depp) da morte. Outros, que se trata do encontro dos principais piratas do mundo contra o extermínio desta atividade. Claro que tem também aqueles que apontarão o romance entre Will (Orlando Bloom) e Elizabeth (Keira Knightley) como foco principal. E todos estarão certos, e também incompletos, uma vez que o filme é tudo isso, um pouco mais, e devendo ser bem menos. Com quase três horas de duração, o roteiro dá tantas voltas que lá pelas tantas estamos nos perguntando: "mas o que eles estão fazendo mesmo? o que querem? para onde vão? o que estão procurando? quem precisa ser salvo?" São tantos os exageros que ficamos anestesiados, amortizados, e nem prestamos mais atenção, inertes com as reviravoltas e distanciados, justamente quando o contrário é que deveria estar acontecendo.
Outro problema está nos protagonistas. Afinal, será que ainda não se deram conta de que o personagem principal da série é o Cap. Sparrow? Então por quê Johnny Depp tem menos tempo em cena do que os aborrecidos Orlando Bloom e Keira Knightley? E onde estão os momentos só dele, tão bem explorados em O BAÚ DA MORTE? Desta vez não há nada remotamente similar à fuga dos canibais ou à luta no moinho desgovernado que tanto nos divertiram no episódio anterior. Todo o deslocamento do personagem, as tiradas irônicas, o humor absurdo, as frases de efeitos e demais características que fizeram deste um tipo único parecem ter ficado no passado - agora, quando surgem, estão deslocadas, sem propósito, como linhas decoradas, e não falas interpretadas. E se Depp está inadequado, imagina os demais. Geoffrey Rush, o assustador Capitão Barbossa, virou um mero coadjuvante, quase sem propósito - todo o alvoroço provocado com a aparição dele no final do segundo filme se esvai no ar. O mesmo acontece com o terrível Davy Jones de Bill Nighy, que tanto medo e repulsa causou anteriormente, mas que agora mais lembra um marionete atormentado. Mas ruim mesmo são as duas grandes adições ao elenco: Chow Yun-Fat (O TIGRE E O DRAGÃO), tão alardeado como o pirata mais perigoso do oriente, morre antes da metade do filme, enquanto que a aguardada e comentada participação do roqueiro Keith Richards (integrante da banda Rolling Stones), como pai de Sparrow, além de ser insignificante, leva mais de duas horas para acontecer. Ou seja, assim como quase tudo por aqui, novamente foi muito barulho por nada!
PIRATAS DO CARIBE - NO FIM DO MUNDO não é o fim de uma trilogia. É só o terceiro episódio de uma série que pelo jeito ainda vai longe - o final do filme é quase o início do capítulo 4! A direção desajeitada de Gore Verbinski (que já havia deslizado feio em A MEXICANA) estraga com toda a expectativa criada com o bom desempenho de O BAÚ DA MORTE (um dos únicos 3 filmes da história a faturar mais de um bilhão de dólares das bilheterias mundias). Sem ritmo, com timing desajustado e indeciso entre comédia ou aventura, acaba se mostrando uma profusão vazia de efeitos especiais sem sentido, como se ali estivessem apenas para justificar os 200 milhões de dólares gastos no orçamento. Tão interessante quando um pastel de vento, a primeira saga dos PIRATAS DO CARIBE termina da mesma forma como deve ser participar do próprio brinquedo dos Estúdios Disney que serviu de inspiração para os três longas: começa com um certo arrepio e desconforto, diverte imensamente durante o processo mas termina com um gosto amargo, indeciso entre o "quero mais" e o "ainda bem que acabou".

Pirates of Caribbean - At World's End, EUA, 2007
(nota 5)

BATISMO DE SANGUE

2007-05-12T14:32:00.000-03:00

Filmes que abordam grandes tragédias sociais sempre são bem vindos. Só pela coragem, já partem com alguns créditos no bolso. Porém, justamente por tratarem de temas bastante conhecidos, precisam ter cuidado e originalidade na abordagem, para não parecerem explorativos e/ou repetitivos. BATISMO DE SANGUE, de Helvécio Ratton, escorrega nestes dois quesitos. Mas veja bem: "escorrega", ou seja, passa desajeitadamente por estes limites. Em alguns momentos se sai muito bem. Em outros, deixa muito a desejar.
O filme se passa em São Paulo, fim dos anos 60, quando a repressão militar da ditadura estava cada vez mais forte. Ao invés do agito estudantil (1972), de movimentos organizados (O QUE É ISSO, COMPANHEIRO?) ou de reflexos no mundo civil (ZUZU ANGEL), a parcela da sociedade aqui afetada é um convento de frades dominicanos, que caminhava para se tornar uma trincheira de resistência aos atos do governo. Movidos por ideais cristãos, alguns frades decidem apoiar o grupo guerrilheiro Ação Libertadora Nacional, comandado por Carlos Maringhella. Ao chamar a atenção da polícia, começam a ser vigiados e, conseqüentemente, em seguida são presos. É quando sofrem as mais terríveis torturas, gerando destinos bastante diferentes para cada um dos envolvidos.
Apesar de ser baseado num livro autobiográfico do Frei Betto, não é ele o protagonista de BATISMO DE SANGUE. Tendo como intérprete um dedicado Daniel de Oliveira (CAZUZA - O TEMPO NÃO PÁRA), Betto aqui é quase um espectador, apesar de suas andanças serem também relevantes (como o tempo que passou refugiado no interior do Rio Grande do Sul). No centro da ação, entretanto, está o Frei Tito (Caio Blat, presente também no recente O ANO EM QUE MEUS PAIS SAÍRAM DE FÉRIAS, que abordava o mesmo período histórico, numa interpretação visceral). Ele é o que mais sofre nas mãos dos militares, é o que mais se empenhou para tentar fazer diferença numa época tão complicada para a sociedade brasileira. Foi igualmente o que mais saiu abalado após sua libertação. Exilado na França, acabou se suicidando em 1974.
Premiado no último Festival de Brasília com os candangos de Melhor Direção e Melhor Fotografia, para Lauro Escorel (BYE BYE BRASIL, CORAÇÃO ILUMINADO, VINÍCIUS), BATISMO DE SANGUE é o resultados de dois pesos, duas medidas. Se por um lado o discurso é contundente, com interpretações acima da média (Cássio Gabus Mendes, como um dos torturadores, está impressionante, bem distante do tom cômico por ele empregado em sucessos de público como CAIXA DOIS e TRAIR E COÇAR É SÓ COMEÇAR), por outro o roteiro força muito na intenção de chocar, assumindo um tom panfletário em momentos que o melhor seria ser sutil e contundente com pouco esforço. A mão pesada de Ratton (UMA ONDA NO AR, AMOR & CIA.) também não ajuda muito. A impressão que passa é que o público enfocado é o internacional, ou pior, aquele espectador completamente ignorante do que está se tratando, como se fosse necessário explorar cada imagem violenta, cada gesto revoltante, cada frase de efeito. E, ao invés do menos significar mais, temos o oposto: um grande filme que se perde em exageros e descuidos. Infelizmente.

Batismo de Sangue, Brasil, 2006
(nota 6)

UM CRIME DE MESTRE

2007-05-10T19:01:00.000-03:00

Um é ótimo, e poucos questionam isso. O outro, após um início meio "duvidoso", cada vez mais se confirma como promessa. E há ainda um terceiro, pouco badalado, mas que após uma rápida análise do histórico revela ser mais do que um competente artesão. E é justamente pela união do veterano Anthony Hopkins e do intrigante Ryan Gosling com o quase sempre surpreendente Gregory Hoblit que assistir a UM CRIME DE MESTRE é uma tarefa que no final das contas acaba valendo a pena. Mesmo com tantas variáveis contra.
A "tagline", ou slogan, é uma das piores dos últimos tempos: "matei minha esposa, agora prove!" Pra começo de conversa, a tradução está errada. O original é "I shot my wife, now prove it", ou "eu atirei na minha esposa, agora prove". E isso porque, na verdade, a mulher não está morta. Depois vem o próprio gênero em que o filme se encaixa, um dos mais desgastados do cinemão hollywoodiano, o suspense de tribunal. E por fim está a estrutura do enredo, que abusa de clichês e reviradas previsíveis e bem posicionadas durante o desenvolvimento da trama, propícios para manter a atenção do espectador menos exigente. O roteiro de Daniel Pyne (o mesmo de A SOMA DE TODOS OS MEDOS, UM DOMINGO QUALQUER e SOB O DOMÍNIO DO MAL) apresenta poucas inovações, mantendo-se fiéis aos preceitos mais básicos, sem prejudicar, mas também sem oferecer melhor aproveitamento da interessante idéia inicial.
E qual é o argumento de UM CRIME DE MESTRE? Um homem, ao descobrir que sua esposa - bem mais nova - está lhe traindo, a confronta. A discussão acaba com ele atirando nela à queima roupa. A polícia chega logo em seguida, o desarma e o leva preso, após sua confissão de tentativa de assassinato. Ao ser levado à julgamento, porém, muda o discurso e se declara inocente. Uma investigação revela que a arma do crime desapareceu do local, e o pior: o detetive encarregado do caso era amante da vítima. Caberá a um jovem advogado em plena ascensão desvendar os acontecimentos e provar a culpa do acusado.
Hopkins, vencedor do Oscar pelo emblemático canibal de O SILÊNCIO DOS INOCENTES, parece ter sucumbido ao personagem, apesar de sua presença sempre ser acima da média. Sem muita motivação para novos trabalhos, vem repetindo a mesma performance em diversos longas, como REVELAÇÕES (2003) e EM MÁ COMPANHIA (2002). O mesmo se sucede aqui. Ryan Gosling chamou atenção do público pela primeira vez ao seduzir Sandra Bullock no thriller CÁLCULO MORTAL (2002). Ele, que já foi membro do Clube do Mickey ao lado de Justin Timberlake, na infância, apareceu recentemente em projetos mais interessantes, como TOLERÃNCIA ZERO (2001) e DIÁRIO DE UMA PAIXÃO (2004), além do ainda inédito por aqui HALF NELSON (2006), que lhe valeu uma indicação ao Oscar de Melhor Ator neste ano. Todo o prazer que Hopkins parece ter perdido pela arte da atuação está presente no desempenho de Gosling, um ator que certamente ainda dará muito o que falar. Já Gregoy Hoblit é um diretor que, acredito, vem sendo subestimado. Depois da boa estréia em AS DUAS FACES DE UM CRIME (1996), outro drama de tribunal que revelou o até então novato Edward Norton, seguiu com projetos que, se não estouraram nas bilheterias, ao menos cumpriram à contento seus objetivos, como POSSUÍDOS (1998), ALTA FREQÜÊNCIA (2000) e A GUERRA DE HART (2002). Hoblit está se habituando a tratar temas aparentemente desgastados - suspense sobrenatural, aventura de guerra - com um olhar mais curioso, oferecendo ao seu público uma experiência mais relevante e prazerosa. E, ao lado dos talentos dos seus protagonistas aqui presentes, o bom resultado é quase inevitável. Mesmo com tantos "poréns" durante o caminho.

Fracture, EUA, 2007
(nota 7,5)

HÉRCULES 56

2007-05-08T23:19:00.000-03:00

Silvio Da-Rin é um profissional bastante reconhecido no meio cinematográfico nacional. Apesar de ter dirigido o documentário em média-metragem A IGREJA DA LIBERTAÇÃO, sobre o trabalho do Frei Leonardo Boff, em 1985, é muito mais conhecido pelo trabalho que desenvolve no departamento de som, tendo aparecido nos créditos de importantes produções, como MAUÁ - O IMPERADOR E O REI (1999), AMORES POSSÍVEIS (2001), SEPARAÇÕES (2002) e QUASE DOIS IRMÃOS (2004), entre tantos outros. Estava, portanto, mais do que na hora de colocar, novamente, o seu próprio ponto de vista em uma narrativa. Por isso, foi com entusiasmo que os cinéfilos brasileiros receberam a estréia de Da-Rin em longas com HÉRCULES 56, que também segue a veia documental explorada anteriormente em suas manifestações mais autorais.
O episódio aqui enfocado não é estranho àqueles acostumados a apreciar o cinema feito no Brasil. Quem lembra de O QUE É ISSO, COMPANHEIRO? (1997) deve estar familiarizado com a história do seqüestro do embaixador norte-americano Charles Elbrick, no Rio de Janeiro, em 1969, por um grupo de manifestantes contrários à ditadura militar. HÉRCULES 56 é a versão em documentário deste mesmo episódio. Sem suspense ou fantasias históricas, temos de um lado os organizadores deste ato de terrorismo e manifestação social e, do outro, os diretamente beneficiados pela ação. Ou seja: os ex-presos políticos que foram soltos em troca da libertação do embaixador. E entre estes dois momentos isolados, uma impressionante pesquisa de imagens e arquivos da época.
Da-Rin constrói seu filme de um modo absurdamente simples: reuniu numa mesma mesa todos os sequestradores e os colocou a discutir o assunto. Sem interferências, deixaram o verbo correr e assim revelam fatos surpreendentes, assim como curiosidades ou pequenos detalhes que até tornam pitoresco um fato de dimensão muito mais séria do que a tranquilidade dos envolvidos poderia sugerir. Esta é a metade mais forte, digamos assim. Da outra destaca-se o árduo trabalho de campo executado em busca dos sobreviventes e na reconstituição dos passos destes após terem sido postos em liberdade: embarcaram no avião da Força Aérea Brasileira Hércules 56 e foram extraditados para o México. Dali, seguiram caminhos diferentes, entre os que permaneceram na militância e os que seguiram trilhas mais pessoais. Aqui o foco fica um pouco distorcido, mais preocupado com a veracidade dos fatos do que com a reflexão que poderiam oferecer.
HÉRCULES 56 é uma obra de grande importância no cenário cultural e político nacional. Com depoimentos de Franklin Martins, Flávio Tavares, Vladimir Palmeira e até do ex-chefe da Casa Civil José Dirceu, traça um painel bastante completo de uma jogada relativamente inocente, mas que obteve proporções muito maiores à medida em que se desenvolvia, adquirindo um relevância até hoje marcante. A se lamentar apenas a falta de uma maior profundidade teórica nos discursos. Nada, no entanto, que vá afugentar o espectador verdadeiramente interessado. Tanto que o filme foi premiado pelo júri popular no Festival de Cinema de Campo Grande e, notoriamente, foi escolhido para ser exibido, fora de competição e sob fortes aplausos, no encerramento do último Festival de Brasília.

Hércules 56, Brasil, 2006
(nota 7)

CÃO SEM DONO

2007-05-08T00:13:00.000-03:00

O Daniel Galera foi meu colega de faculdade. Ele sempre foi um cara mais na dele, quieto, porém muito simpático e de amigos fiéis. Mas a característica mais marcante dele estava no olhar: algo que revelava uma insatisfação com as opções mais óbvias do mercado de trabalho e uma necessidade de trilhar outros caminhos, explorar possibilidades além daquelas que estavam sendo apresentadas. Criativo e inteligente, usou um dom natural - a habilidade em escrever - para se firmar como um nome forte na literatura nacional atual. E depois de um volume de contos ("Dentes Guardados", Ed. Livros do Mal), partiu para a narrativa longa com o elogiado "Até o Dia em que o Cão Morreu" (que está sendo relançado agora pela Cia. das Letras). CÃO SEM DONO, que está chegando aos cinemas, é a versão cinematográfica, assim como o personagem principal seria uma possibilidade do próprio Galera. Não tive oportunidade de ler o livro ainda. Mas o filme já assisti. E afirmo: é bom. Aliás, muito bom.
Ciro (Júlio Andrade, de O HOMEM QUE COPIAVA, totalmente entregue ao personagem, numa atuação minimalista e intensa) é um jovem recém formado em letras que ganha a vida como tradutor de russo enquanto não decide o que realmente quer fazer. O longa começa no dia seguinte a uma balada, com ele na cama com Marcela (a estreante Tainá Müller, namorada do Galera e muito convincente em suas angústias e dilemas), uma garota que conheceu provavelmente naquela mesma noite. Ele está perdido, ela quer ser famosa. Ele não vê porque sair da cama, ela quer viajar e conhecer o mundo. Estranhos um ao outro, aos poucos vão se conhecendo, se entregando, se revelando. E o distanciamento afetivo diminui progressivamente, até o momento em que fica em sintonia com o físico. Mas a paixão que surge não será convencional - afinal, o mundo não é fácil. E a questão é: conseguirão eles encontrarem a si próprios para, quem sabe juntos, construírem uma história única?
Como testemunha ocular desta relação está o cachorro Churras. Vira-lara, um dia resolveu seguir o rapaz até o apartamento em que este vivia e por ali ficou, sem pedir nem exigir nada em troca. Apenas um pouco de atenção e alimento. Questionado sobre o suposto "comportamento" que o dono de um animal de estimação deve seguir, Ciro afirma sem hesitar: "não sou 'dono' dele. sou amigo!" Nesta sentença está a chave da trama: ninguém é de alguém, ninguém pertence a um outro. Somos sozinhos, e podemos - ou não - estar acompanhados. Mas assim como ali está, a companhia pode se ir num estalar de dedos. Cabe ao destino, e, acima de tudo, ao desejo dos envolvidos, fazer de dois um par.
Beto Brant chega com CÃO SEM DONO ao seu quinto filme, após os comentados OS MATADORES (1997), AÇÃO ENTRE AMIGOS (1998), O INVASOR (2002) e CRIME DELICADO (2005). Este, porém, é o primeiro em que divide os créditos de diretor com seu parceiro Renato Ciasca. Os dois foram colegas no curso superior de cinema, e trabalharam juntos pela primeira vez no curta AURORA (1987), premiado nos festivais de Brasília e Gramado. Apesar de sempre terem colaborado um com o outro, só agora Ciasca assume essa posição. E o resultado é um longa menos pretensioso estilisticamente, mas com grande impacto emocional. A insatisfação do protagonista se reflete na tela, porém sem entediar o espectador, que acompanha a evolucão dos acontecimentos não distanciado, mas envolvido nos pequenos dramas destes cotidianos, tão simples e universais quanto os que nós mesmos enfrentamos seguidamente.
Grande vencedor do último Cine PE - Festival do Audiovisual, em Pernambuco, CÃO SEM DONO levou os calungas de Melhor Filme segundo o júri oficial e de acordo com a crítica, além do de Melhor Atriz, para Müller. Não sei se foi um resultado justo - não assisti todos os demais concorrentes - mas não há quem possa afirmar que não seja merecido.
Co-produzido entre São Paulo e Rio Grande do Sul, filmado inteiramente em Porto Alegre com equipe e elenco gaúcho, é um bom exemplo do quão positiva pode ser a parceria entre pólos criativos aparentemente distantes, mas poucas vezes antes tão próximos cinematograficamente falando. Com diálogos geniais - talvez a maior das qualidades do filme - e atuações muitos convincentes, seja pela verossimilhança das situações ou pela naturalidade dos personagens, CÃO SEM DONO não quer mudar o mundo nem transmitir uma grande mensagem: apenas mostra uma verdade constante e presente, sem panfletagem ou didatismo. Algo tão simples, mas que faz um mundo de diferença.

Cão Sem Dono, Brasil, 2007
(nota 8)

HOMEM-ARANHA 3

2007-05-04T11:59:00.000-03:00

Quando um filme chega aos cinemas com tanta expectativa, como é o caso de HOMEM-ARANHA 3, é muito mais fácil prestarmos atenção aos seus supostos "defeitos" do que às virtudes apresentadas. Claro, porque já entramos na sala escura considerando-o o "melhor de todos, espetacular, insuperável". Porém, cada "percalço" soma direto na decepção, no desânimo e na frustração.
Dito isso, é importante ter algo em mente: HOMEM-ARANHA 3 é bom. É muito bom. Mas é inferior aos capítulos anteriores da trilogia e a outros filmes de heróis dos quadrinhos recentes, como X-MEN 3, X-MEN 2 e BATMAN BEGINS, por exemplo. Tendo esclarecido esta questão, vamos adiante.
Cada aventura cinematográfica de Peter Parker é como uma história independente de gibi, com início, meio e fim. No primeiro ele adquiriu seus poderes, enfrentou o Duende Verde (o pai do melhor amigo, um cientista que enlouquece após uma experiência mal-sucedida) e presenciou uma tragédia familiar: a morte do tio que o criara. No segundo, assume sua condição de herói para a mulher que ama e declara seu amor, tem sua identidade secreta revelada e ganha um novo inimigo: o Doutor Octopus, outro cientista enlouquecido. Agora, neste terceiro episódio, a situação é ligeiramente diferente: Homem-Aranha(Tobey Maguire, com a mesma cara de "nada" de sempre), após salvar a cidade em duas ocasiões, é admirado e reconhecido por toda a população. Esse excesso de segurança vai interferir nas suas relações pessoais, como com a namorada (Kirsten Dunst, visualmente desmotivada) e ao lidar com novos inimigos: a aparião do novo Duende (James Franco, que visualmente funciona, apesar das limitações interpretativas que possui), o Homem-Areia (Thomas Haden Church, de SIDEWAYS, convincente) e um rival no trabalho, Eddie Brock (Topher Grace, da série "That 70's Show", o mais empolgado), que posteriormente irá se transformar no assustador Venom.
HOMEM-ARANHA 3 persiste no molde desenhado nos filmes anteriores: o grande personagem é mesmo o homem por trás da máscara. O que importa, portanto, são as motivações deste, como chegou a ser o que é hoje e como lida com as desilusões e conquistas do caminho. Esta nada mais é do que uma história de pessoas carentes, em busca de orientação e auxílio. Parker sente a falta do tio, Mary-Jane (a namorada) quer um amor verdadeiro, Harry (o melhor amigo) procura um culpado pela morte do pai, Flint Marko (Homem-Areia) quer ajudar a filha doente, Eddie Brock busca reconhecimento pessoal e profissional. Com tantos necessitanto de atenção, será quase impossível para o diretor Sam Raimi (o mesmo nos três filmes) e para o público espectador se dividir de forma equilibrada.
Cenas de ação espetaculares, efeitos especiais de última geração, atores que entendem e defendem seus personagens com amor e dedicação: tudo está presente! Quais são, então, os defeitos? Bem, eles existem, e são muitos. O principal, que talvez englobaria todos os demais, é, no entanto, um só: o excesso. Assim como aconteceu no final da franquia anterior de Batman (BATMAN & ROBIN, 1997), há gente demais em cena. Tá certo que o novo Duende deveria aparecer, afinal o arco dele é o único que começou no primeiro filme e que merecia um encerramento. Mas Homem-Areia (um dos vilões clássicos, ainda da década de 60 nas hq's) e Venom (uma bobagem surgida nos anos 90), juntos? Toda a verossimilhança perseguida nos filmes anteriores vai por água abaixo com estes dois. Afinal, um aparece ao tropeçar num buraco e ser atingido por uns raios (onde estava a segurança do lugar? seria possível uma experiência dessas ser tão mal cuidada?) e o outro simplesmente cai dos céus, como um alienígena enraivecido. O legal seria apenas o primeiro, que até aparece na trama após uma tentativa de justificar seus motivos, mas melhor desenvolvido, com mais tempo em cena. Do outro, o único acréscimo interessante que oferece é idéia do lado negro do herói (já explorado com muito mais sucesso em outra saga, STAR WARS), mas este é um argumento que, infelizmente, é muito mal desenhado.
Outro sinal do exagero é o acréscimo da família Stacy: o capitão de polícia (James Cromwell, de A RAINHA, inexpressivo), e sua filha, Gwen (Bryce Dallas Howard, de A DAMA NA ÁGUA, perdida). Muito importantes nos gibis, os dois têm presenças pálidas no filme. Gwen, por exemplo, deveria servir para realmente abalar a relação Peter/Mary-Jane: ou se oferecendo para o protagonista, ou despertando o interesse romântico do herói. Mas o que vemos não é nem uma coisa, nem outra. E, sem função maior, sua existência acaba se revelando um constrangimento para os fãs e um desperdício para os curiosos.
E, por fim, temos a falta de ritmo do roteiro. Desenvolvido pelos irmãos Sam e Ivan Raimi, com o auxílio do vencedor do Oscar Alvin Sargent, o enredo se perde entre as diversas opções apresentadas. Há o momento "sou o favorito da cidade", para depois seguir com o "emo-herói abandonado em busca de vingança" e terminando com o "bom moço que salva todo mundo e ainda conquista a mocinha". Os vilões não são "maus" o suficiente, e nenhuma ameaça chega verdadeiramente a assustar. A principal antítese, Venom, é um ser amorfo e desprovido de maiores características, tornando quase impossível se criar qualquer relação - antipatia ou simpatia - com ele. E, quando surge a indiferença, o erro é quase irrecuperável.
HOMEM-ARANHA 3 é, apesar de tudo, um grande filme, e abre bem a temporada de blockbusters norte-americanos. Mas, aquele que deveria ser o prato principal, dificilmente será mais do que um aperitivo (diante dos novos PIRATAS DO CARIBE, HARRY POTTER e SHREK, por exemplo). O boca-a-boca não deverá ser tão positivo, e somente os mais fanáticos irão conferir na sala escura este longa mais de uma vez. Não que encerrará a carreira cinematográfica do personagem, mas que ao mesmo sirva como alerta para os próximos filmes: assim como na vida real, no cinema também, em muitos casos, "menos" significa "mais"!

Spider-Man 3, EUA, 2007
(nota 7,5)

A VIDA É UM SOPRO

2007-04-30T22:41:00.000-03:00

"É possível contar a história de um povo através da sua arquitetura?" Com essa premissa bastante ambiciosa começa o material de divulgação do filme A VIDA É UM SOPRO, trabalho de estréia na direção do gaúcho Fabiano Maciel, há anos radicado no centro do país. E tendo essa intenção em mente, o realizador não poderia ter sido mais feliz na escolha do personagem enfocado: Oscar Niemeyer, um dos maiores arquitetos da História e um dos grandes gênios já nascidos no Brasil, reconhecido internacionalmente pela contribuição que sua obra gerou à arte e ao desenvolvimento arquitetônico mundial.
O melhor, como não poderia ser diferente, foi a sábia decisão de Maciel em deixar o próprio Niemeyer como protagonista. Ou seja, apesar de um belo trabalho de pesquisa, o longa não se apóia em imagens antigas, depoimentos de outros e descobertas garimpadas a muito custo. Esse tipo de material e recurso até existe, mas está presente apenas como ilustração, e não como alicerce. Quem oferece esta base é, claro, Niemeyer, que está vivo e bastante lúcido aos 99 anos de idade (ele completa um século de vida no dia 15 de dezembro de 2007). O diretor afirma ter feito várias entrevistas, durante alguns encontros em pouco menos de uma semana, com um total de aproximadamente 400 perguntas. Niemeyer respondeu apenas as que lhe interessava. E, com estas respostas, estava recolhida a matéria-prima para um dos mais interessantes e curiosos documentários nacionais recentes.
Nestes 99 anos, Niemeyer calcula ter feito algo em torno de 1000 projetos, sendo que 600 destes chegaram a ser executados. Todos os mais importantes, que fizeram do seu nome referência mundial, estão presentes: Pampulha, em Minas Gerais, Brasília, a sede das Nações Unidas, em Nova Iorque, a sede do Partido Comunista, em Paris, a Universidade de Argel, na Argélia, o Museu de Arte Moderna de Niterói, no Rio de Janeiro. Ainda assim, poucos exemplos de uma carreira que quebrou barreiras e gerou novos conceitos, dentro e fora do seu campo de atuação. O espectador interessado neste ponto de vista sairá mais do que satisfeito, pois o filme oferece um amplo painel de quem foi e o que representou o arquiteto. Mas o discurso empregado não se contenta só com isso; há mais, muito mais. E assim temos a chance de nos depararmos com um Niemeyer falível, crítico, por vezes desiludido, desbocado, audacioso, consciente de sua importância e dos feitos que protagonizou.
A VIDA É UM SOPRO é uma aula de história, de cultura, de sociedade e desenvolvimento, mas, acima de tudo, de vida. E além do clichê mais comum do gênero. Não porque iremos nos inspirar nos caminhos percorridos pelo mestre retratado. Afinal, alguém como ele não nasce todos os dias. Mas, sim, por nos mostrar que mesmo os mais sábios são passiveis de erros e de pequenas falhas, como desprezo e orgulho. E, tornando-o humano, Fabiano Maciel conseguiu fazer do Oscar Niemeyer que escolheu ainda mais universal. Uma decisão no mínimo inteligente. E, quem ganha, além dos realizadores e do público, é o filme em si, que adquire uma dimensão ainda mais imprescindível.

Oscar Niemeyer - A Vida é um Sopro, Brasil, 2007
(nota 8)

MINHA MÃE QUER QUE EU CASE

2007-04-28T16:31:00.000-03:00

O que falar de MINHA MÃE QUER QUE EU CASE, título nacional patético, porém totalmente adequado para um desastre como este? Tudo, absolutamente tudo aqui é muito ruim. A começar pelo gênero, uma comédia romântica sem a menor inspiração, que se limita a repetir os mais comuns clichês, sem qualquer preocupação em reciclá-los. Está tudo lá: as trapalhadas inverossímeis, as personagens sem a menor função além de ocupar espaço na tela, o bichinho de estimação engraçadinho... até torta na cara tem! Enquanto isso, a trama vai se desenvolvendo aos trancos e barrancos, da maneira mais previsível possível.
E qual é o enredo? Bem, o nome do filme entrega tudo, já de bandeja. Diane Keaton, péssima em cena, exagerada, repetindo à exaustão todos os seus trejeitos mais irritantes, é uma senhora que criou sozinha as três filhas. As duas mais velhas não passam de estereótipos - a única, com um pouquinho mais de destaque, é interpretada por Lauren Graham, do seriado "Gilmore Girls". Ela é uma psicóloga, e tenta, vez que outra, entender as loucuras da família. A do meio, vivida pela bela Piper Perabo, de DOZE É DEMAIS, praticamente não tem falas, aparecendo apenas para desfilar a bela figura. Já a caçula ganha corpo e voz da também cantora Mandy Moore, aqui investindo na carreira de atriz. Depois de pequenas participações em bobagens inofensivas como TUDO POR UM SONHO (2006), A GALERA DO MAL (2004) e UM AMOR PARA RECORDAR (2002), ela finalmente ganha um papel de protagonista. Melhor seria continuar como coadjuvante.
O problema da mamãe (viúva? separada? desquitada? solteira? não se sabe...) é que, apesar das duas filhas mais velhas estarem bem casadas e encaminhadas na vida, ela não se conforma com os fracassos românticos da menor. E por isso resolve se intrometer, colocando um anúncio na internet para encontrar o par ideal para a pequena. O selecionado é um jovem arquiteto, muito rico, chique, refinado e chato. Um pastel de vento. Neste meio tempo surge outro rapaz no caminho da moça, um músico que cria sozinho o filho. Ele a encanta com seu jeito natural e sincero. Por qual dos dois a garota irá se decidir?
Michael Lehmann, diretor do também chatinho, porém um pouco mais interessante, 40 DIAS E 40 NOITES, com Josh Hartnett, coordena este novo fracasso. Ao invés de tentar se bastar no carisma das atrizes, ele força por demais a barra, abusando da comédia visual e desproporcional, com piadas que constrangem o espectador. Uma atriz como Keaton, vencedora do Oscar por NOIVO NEUTÓTICO, NOIVA NERVOSA (1977), de Woody Allen, e presente em títulos como O PODEROSO CHEFÃO (1972), REDS (1981) e ALGUÉM VAI TER QUE CEDER (2003), não precisaria dessa cataástrofe no currículo (apesar dela ter também uma boa quantia de bombas no passado). Vergonhoso!
MINHA MÃE QUER QUE EU CASE, ou "Because I Said So", é embaraçoso. Sem ritmo, dirigido por descuido com um cineasta amador e defendido por um elenco completamente perdido em suas intenções, se salva apenas pelo interessante Gabriel Macht (UMA CANÇÃO DE AMOR PARA BOBBY LONG), um ator que merece ser descoberto. No mais, a trilha sonora óbvia, o roteiro linear e o figurino assustador terminam por afugentar até o mais bem intencionado da platéia. Evite com todas as forças!

Minha Mãe Quer Que Eu Case, EUA, 2007
(nota 2)

HOLLYWOODLAND

2007-04-26T23:44:00.000-03:00

Até que ponto confundimos verdade com ficção? HOLLYWOODLAND - BASTIDORES DA FAMA, trabalho de estréia no cinema do veterano da televisão norte-americana Allen Coulter (de séries como "Roma", "Six Feet Under", "Os Sopranos", "Sex and the City", "Arquivo X" e "Wonder Years"), trabalha basicamente com este conceito, abordando temas como fama e fracasso a partir de um fato real: o suposto suicídio do ator George Reeves, famoso na Era de Ouro de Hollywood por ser o primeiro intérprete do Homem de Aço da série televisiva "As Aventuras de Superman".
Após a morte, a mãe dele decide contratar um investigador particular, pois acredita que o filho foi assassinado. Duas tramas passam a se desenvolver paralelamente, a do detetive que julga estar envolvido no grande caso de sua carreira e a do intérprete em busca de uma chance de verdade na sétima arte. Nenhum dos dois encontra, realmente, o que espera, mas não sem antes passarem por diversas provações e descobertas.
Reeves era um cara bonito, que começou numa ponta em E O VENTO LEVOU e que teria tudo para ser um astro caso não tivesse virado amante da esposa de um dos maiores chefões da MGM. Ele acaba atingindo o estrelato, mas não da forma de esperava - com um seriado infantil, numa época em que a televisão era vista como a "irmã pobre" do cinema. A frustração - romântica e profissional - se agrava quando encontra uma garota mais interessada no que ele tem a oferecer ao invés do que os dois poderiam construir juntos. Ou seja, motivos para acabar com a própria vida ele teria muitos. Tantos quanto o número de pessoas que o desejavam morto: a namorada, que temia ser abandonada; a ex-amante, que buscava vingança; o marido traído, que queria sua honra.
Por outro lado, o que acontece no passado é só pano de fundo neste filme de várias camadas. HOLLYWOODLAND é, sim, sobre sonhos perdidos e desejos não realizados. E o exemplo em foco é o do verdadeiro protagonista, o encarregado da investigação. Louis Simo não tem um emprego fixo, perdeu a esposa e o filho para outro homem e é traído pela namorada. Mas tem esperança num futuro melhor, numa possibilidade de mudança. E irá se agarrar com todas as forças em qualquer vislumbre deste destino. Assim como a vítima do caso. A diferença é que um está morto, enquanto que o outro - ainda - não.
Se está na direção o ponto mais fraco de HOLLYWOODLAND - Coulter não consegue dotar sua narrativa de um ritmo mais forte, estendendo desnecessariamente o desenvolvimendo do enredo, com explicações óbvias e soluções pouco convincentes - o melhor é a ambientação, noir, muito mais simpática e efetiva que a vista, por exemplo, no recente e pretencioso DÁLIA NEGRA. Outro fator positivo é o ótimo elenco reunido, um conjunto de nomes entregues ao projeto, todos em performances muito acima do habitual. Adrien Brody (vencedor do Oscar por O PIANISTA) é o obstinado perfeito, e cada tombo do personagem é levado até as últimas conseqüências, de modo dedicado e muito competente. É daqueles atores que mostram tudo num olhar, com muita eficácia. Ben Affleck (premiado como Melhor Ator no Festival de Veneza e indicado ao Globo de Ouro como Melhor Ator Coadjuvante por este desempenho) aparece na melhor atuação de sua carreira, em que o visual canastrão que lhe é tão característico se encaixa perfeitamente, conseguindo aprofundar as decepções e tristezas enfrentadas sem exageros ou recursos externos. Já a bela Diane Lane (indicada ao Oscar por INFIDELIDADE) deixa o visual "mulher comum" e se assume como uma femme fatale provocadora e carente, dona de suas ambições e no controle de uma invejada posição. Ela e Affleck funcionam muito bem em cena, enquanto que Brody oferece doses exatas de fragilidade e perseverança no mais obstinado dos retratados.
HOLLYWOODLAND teve uma recepção mista da crítica especializada, além de ter tido um péssimo desempenho junto ao público, tendo sido lançado em poucas salas nos Estados Unidos e faturado menos de dois milhões de dólares nas bilheterias. Performance bastante modesta para um filme que traz nomes de tanto destaque e, principalmente, por ser envolto numa 'embalagem' tão atraente e interessante. Uma tragédia inspirada num fato real, estrelas de Hollywood, um homem em busca da verdade, mulheres fatais e seres desesperançados: como ser mais atraente? Porém, apesar de todos estes dados, esta não é uma obra de suspense ou um longa de mistério barato. Ao invés disso, se coloca mais como uma reflexão sobre o comportamento humano. E o que percebemos é que, quanto mais perto das estrelas, mais difícil é discernirmos a luz da escuridão.

Hollywoodland, EUA, 2006
(nota 7)

O MUNDO EM DUAS VOLTAS

2007-04-25T12:07:00.000-03:00

O documentário nacional tem se revelado, nos últimos tempos, como um campo fértil para as mais diversas experimentações. Há os tratados históricos ("Cartola"), políticos ("Pro Dia Nascer Feliz"), entrevistas ("Oscar Niemeyer - A Vida é um Sopro"), esportivos ("Inacreditável - A Batalha dos Aflitos") e reveladores ("Estamira"). Faltava apenas os turísticos, de descobertas transformadoras. Isso, claro, até o lançamento de "O Mundo em Duas Voltas", o relato da aventura da Família Schürmann, que no final da década de 90 repetiu os passos do navegador português Fernão de Magalhães na primeira volta ao mundo, no início do séc. XVI.
Eles saíram do Brasil, contornaram a Patagônia, entraram Oceano Pacífico adiante, foram até a Ilha da Páscoa, costearam várias ilhas da Oceania, passaram pela África, subiram até Portugal e Espanha, para somente aí, quase três anos depois, retornarem à nação verde-e-amarela. Uma travessia bastante singular, que trouxe consigo diversas revelações e novidades.
A realização de "O Mundo em Duas Voltas" tomou um período de 10 anos, entre concepção da idéia, execução do percurso e pós-produção. Durante a viagem o veleiro Aysso percorreu mais de 30 países, quatro continentes e três oceanos. Foram cerca de 60 mil quilômetros em 891 dias de viagem. E quem coordenou as filmagens foi um dos filhos do casal Schürmann, David. Ele, que já havia vivido no mar dos 10 aos 15 anos ao lado dos pais Vilfredo e Heloísa, estudou cinema e televisão na Nova Zelândia e estréia como diretor neste projeto. Ele apresenta um resultado bastante positivo, principalmente visando o lado cultural e curioso, deixando o cinematográfico num segundo plano, aproximando-se mais de uma grande reportagem ou de um vídeo familiar.
O documentário pode ser acompanhado como uma história de ficção. O espectador é colocado ao lado dos navegadores na estranheza do frio do sul, deslumbra-se com as belezas naturais do oriente e encanta-se com cada nova descoberta, assim como se espanta com os costumes exóticos e com os perigos enfrentados. Desse modo, o filme basta-se satisfatoriamente. Enquanto cinema, por outro lado, não apresenta nada de novo ou extraordinário. Como disse o próprio produtor Fabiano Gullane, durante o lançamento do filme em Porto Alegre, "este longa foi feito para o público, e não para a crítica".
Sendo assim, espera-se que aquele que se aventurar pelos mares de "O Mundo em Duas Voltas" fique tão envolvido pelo que vai sendo vislumbrando nesta fantástica jornada quanto a própria Família Schürmann. Narrado na primeira pessoa pelos próprios protagonistas, o filme ganha com o paralelo traçado à viagem de Magalhães, através das belas ilustrações de Laurent Cardon e pelo competente, principalmente por ser bastante simples e direto, roteiro de Luis Bolognesi ("Bicho de Sete Cabeças"). Sem muitos rodeios, nós próprios somos levados nesta aventura. O que se faz aqui é, sim, uma volta ao mundo cultural, turística, histórica e reveladora. Não é muito cinema, mas quem foi que disse que isso chega a ser um pecado?

O Mundo em Duas Voltas, Brasil, 2007
(nota 7,5)

Ó PAÍ, Ó

2007-04-23T12:36:00.000-03:00

Monique Gardenberg é uma diretora bastante singular dentro do cenário cinematográfico nacional. Ela começou junto com a chamada retomada, em 1995, com o internacional JENIPAPO (que trazia como protagonistas o belga Patrick Bauchau, de O QUARTO DO PÂNICO, e o canadense Henry Czerny, de MISSÃO: IMPOSSÍVEL). Após o resultado bastante irregular da estréia, se aventurou, oito ano depois, em 2003, em adaptar o badalado romance de Chico Buarque, BENJAMIM, revelando ao mundo o talento da filha do ex-casal Glória Pires e Fábio Jr., Cléo Pires. Se o primeiro filme era uma intrincada trama de suspense e intriga, o seguinte apostava mais no instinto e na sensibilidade dos personagens principais. Ninguém arriscaria dizer, então, que ela seria a pessoa certa para traçar um painel popularesco de Salvador em Ó PAÍ, Ó, versão para a tela grande da peça musical homônima levada aos palcos em 1992 pelo Bando de Teatro Olodum. Mas não é que ela dá conta do recado?
Ó PAÍ, Ó é uma gíria baiana que significa "olhe para aí, olhe!", e que é usada na conversação mais ou menos como os gaúchos empregam o "bah". Ou seja, a qualquer momento e por qualquer motivo. O filme assumidamente não tem um roteiro único e fixo, uma trama fechada. Ao invés disso, procura imaginar um cenário representativo da cultura baiana. Roque (Lázaro Ramos, muito à vontade) é um jovem trabalhador preocupado em conquistar uma nova namorada e com o desfile do bloco do Araketu durante o Carnaval. Seu Jerônimo (Stênio Garcia, com uma dentadura incompreensível, numa pequena participação) é o comerciante que quer incentivar o fluxo de turistas em sua loja de antiguidades. Boca (Wagner Moura, exagerado, fora do tom) é um pretenso playboy racista e preconceituoso. A função dele é mais representar um segmento da sociedade dedicado a explorar o lado mais fraco, sem respeito por este. Dona Joana (Luciana Souza, a melhor do elenco e grande revelação) é a beata dona do cortiço que hospeda a maior parte dos personagens, como a mãe-de-santo, o travesti, o taxista e a mulher especializada em abortos. Passa o dia rezando, mas não pensa duas vezes em cortar a água quando os inquilinos atrasam o pagamento. Sua missão é criar os dois filhos pequenos enquanto espera pela volta do marido, que há anos a abandonou. Há ainda Psilene (Dira Paes, sempre competente), que esconde o verdadeiro motivo que a fez abandonar o namorado europeu. Como se pode ver por estas rápidas definições, são todos quase estereótipos, porém apresentados dentro de um contexto definido e com funções específicas, livrando-os de uma superficialidade desajeitada e indesejada.
Montado de forma ágil e inteligente por Giba Assis Brasil (O HOMEM QUE COPIAVA) e produzido com esmero por Sara Silveira (CINEMA, ASPIRINAS E URUBUS), ambos gaúchos, Ó PAÍ, Ó é um belo exemplo da produção nacional, ligado com as tendências que ilustram nossa cinematografia. É um longa alto astral, que só desvia desse caminho no final trágico e anti-climático, que, se necessário para o discurso, parece desafinar do tom empregado até aquele momento. Muito colorido, com boas seqüências musicais e envolvente. é um filme que alegra o espírito, sem deixar de provocar reflexão e análise. Monique cumpre bem a missão de fazer do seu um cinema verde-e-amarelo, conectado com o que aqui se faz e prolifera. Pode, após tanto impacto, parecer meio vazio, mas o mérito está justamente aí: unir conteúdo a algo esfuziante e belo.

Ó Paí, Ó, Brasil, 2007
(nota 8)

UM BEIJO A MAIS

2007-04-01T19:22:00.000-03:00

Apesar do título original ser o mesmo, THE LAST KISS, versão norte-americana do italiano L'ULTIMO BACIO (2001), chega ao Brasil rebatizado como UM BEIJO A MAIS. Até melhor, para que o público não o confunda com o infinitamente superior O ÚLTIMO BEIJO, de Gabrielle Muccino, produtor desta nova versão e que, posteriormente, estreou em Hollywood dirigindo o meloso À PROCURA DA FELICIDADE, com Will Smith. A impressão que passa é que Muccino pensou: "querem me pagar uma grana para estragar um filme que já está bom? Ok, aceito, fico com o dinheiro!" Isso, sem se preocupar com o dano na imagem do filme original que esta refilmagem poderia causar. Porém, com o fracasso de público e de crítica da obra de Tony Goldwin (ALGUÉM COMO VOCÊ), é pouco provável que tal coisa venha a acontecer.
Se Goldwin é mais conhecido pelo seu trabalho como ator em GHOST, outros nomes chamam atenção em UM BEIJO A MAIS. A começar pelo protagonista, Zach Braff, estrela da divertida série SCRUBS e que recentemente estreou na direção com o ótimo HORA DE VOLTAR (2004). Apesar do bom currículo, ele transforma a desorientação do personagem em apatia, fazendo da missão de ser atraente ao espectador uma tarefa inglória. Mas triste mesmo é ver o roteirista Paul Haggins, de MENINA DE OURO e A CONQUISTA DA HONRA e também diretor do oscarizado CRASH - NO LIMITE, envolvido num material que resultou em algo tão pobre e simplório. O texto dele fez de uma trama tão interessante e com diferentes níveis de leitura em algo linear, desinteressante e bastante convencional.
Michael (Braff) é um cara que fez 30 anos há pouco. Ele acredita estar numa encruzilhada na vida, num ponto de decisão. Tem um bom emprego, namora uma boa garota. Mas não pode mais adiar decisões, compromissos. Já é adulto, e como tal deve começar a agir. E onde está a coragem para isso? A noiva está grávida e quer casar, os amigos já têm filhos, estão todos se assumindo, com casas e futuros sendo construídos. Indeciso entre seguir em frente e, ao mesmo tempo, sem poder voltar atrás, encontra uma porta alternativa quando passa a ser assediado por uma menina desconhecida. Jovem, universitária ainda. De forma bastante imatura, resolve aceitar um convite para sair com ela. "Uma última noite de loucuras", pensa. Mas nem tudo será tão simples assim, pois cada decisão que tomamos implica em várias conseqüências, nas vidas de todos aqueles ao nosso redor.
Enquanto que O ÚLTIMO BEIJO se propunha ser um estudo sobre a identidade masculina e as dificuldades que os homens enfrentam no processo de maturidade, de encarar uma postura perante a família e outra com os amigos, fidelidade e relacionamentos amoroso, UM BEIJO A MAIS quer somente ser uma comédia romântica vazia e despretenciosa. Nem a presença de atores tarimbados, como Blythe Danner (ENTRANDO NUMA FRIA) e Tom Wilkinson (ENTRE QUATRO PAREDES) se salva neste desastre anunciado. Sem graça, previsível e nada inspirado, o filme se perde no meio da mediocridade característica da indústria hollywoodiana, desprovido de maiores interesses e/ou méritos. Melhor ignorar.

The Last Kiss, EUA, 2006
(nota: 5)

300

2007-03-29T01:04:00.000-03:00

Um dos filmes mais aguardados desse início de temporada, "300" é um espetáculo visual. Apesar de ter sido concebido para ser apreciado através dos olhos, o cérebro não deve ser deixado de lado durante as duas horas de projeção. O segundo longa do diretor Zack Snyder ("Madrugada dos Mortos", 2004) é esteticamente perfeito, um deslumbre visual, com a vantagem de ter massa cerebral anexada. Sim, porque apesar de ser baseado numa história em quadrinhos, essa por sua vez é inspirada num fato histórico, a Batalha de Termópilas, narrada pelo grego Herótodo e que teria acontecido por volta de 480 a.C. Ou seja, "300" combina a aparência quadrinhesca de "Sin City" com a cuidado de "Tróia" e o apuro técnico de "Gladiador", mas sem aquele veracidade aborrecida de um "Cartas de Iwo Jima", por exemplo. Tá bom, ou quer mais?
Claro que não é o melhor filme do ano, ainda mais chegando aos cinemas logo após termos sido bombardeados pelos concorrentes ao Oscar - uma época particularmente disputada. Mas, talvez por isso mesmo, funcione tão perfeitamente. É divertido, vertiginoso, com tomadas alucinantes e muita ação. Além disso, é lógico, compreensível, e todo o qualquer absurdo apresentado - e preparem-se, há muitos deles - fazem sentido dentro do contexto proposto. Snyder não poupou esforços para fazer do seu filme uma versão visual da hq "Os 300 de Esparta", de Lynn Varley e Frank Miller (este, por sua vez, o mesmo de "Sin City" e do clássico "O Cavaleiro das Trevas"). Cada enquadramento, figurino e diálogo parece ter saído direto das páginas escritas e desenhadas pela dupla de quadrinhistas, resultando numa obra extremamente fiel, porém cinematograficamente emocionante, indicada tanto para fãs quanto para meros curiosos.
Primeiro grande lançamento de 2007, "300" abriu com impacto um ano que promete muitos blockbusters: foram mais de US$ 70 milhões só no seu primeiro final de semana em cartaz nos Estados Unidos (enquanto que o mais entusiasmado dos analistas de mercado esperava, no máximo, um valor em torno de US$ 40 milhões). Se levarmos em conta que o orçamento total do projeto foi de US$ 60 milhões, e que em menos de um mês em cartaz o filme arrecadou por lá mais de US$ 160 milhões nas bilheterias, o efeito é ainda mais positivo. Por outro lado, a crítica, geralmente receosa diante produções do gênero, foi bastante generosa, elogiando os esforços da adaptação, o bom desempenho do elenco e a competência em geral dos realizadores em entregarem ao público um assumido cine-pipoca, mas que não menospreza a inteligência do espectador, superando as melhores expectativa.
A escolha dos atores foi outra aposta acertada. Sem nenhum grande astro para atrapalhar com problemas de ego, o diretor pôde fazer o que bem quis com seus atores. Assim, os colocou para malhar incessantemente, com o propósito de ficarem iguais aos musculosos heróis do universo dos gibis. Com pouquíssimos panos - apenas uma tanga de couro e uma larga capa vermelha - eles desfilam como guerreiros imbatíveis. Gerard Butler ("O Fantasma da Ópera") é o Rei Leônidas, de Esparta, na Grécia, que decide não se curvar ao superior poderio do Deus-Rei Xerxes, da Pérsia, e para se defender reúne seus trezentos melhores homens. Juntos, partem numa missão suicida, com um único objetivo: mostrar que, quando está em jogo a liberdade de um povo, nenhum preço é alto demais a ser pago.
Butler está excelente como o comandante que nunca esmorece. Ao seu lado estão exímios lutadores no combate corpo-a-corpo, e o nome de maior destaque é o de David Wenham ("O Senhor dos Anéis - O Retorno do Rei"). Curioso é perceber o brasileiro Rodrigo Santoro, que depois de pequenas participações em "As Panteras Detonando" e "Simplesmente Amor", ganha finalmente um papel de destaque numa superprodução hollywoodiana. Ele é Xerxes, o vilão conquistador, uma figura mítica e quase sobre-humana. Para ressaltar estas características sobrenaturais, trucagens deixaram-no com três metros de altura e com uma voz gutural irreconhecível. Como leva mais de uma hora para entrar em cena, e depois de um momento de enfrentamento entre os dois combatentes possui só mais uma ou duas aparições, muitos seguirão minimizando as conquistas e os feitos dele. Porém, o pouco que mostra aqui já é mais do que qualquer ator ou atriz nacional realizou além das nossas fronteiras. Santoro ainda não é, lá fora, tão importante e popular como é aqui, mas tenha certeza: ele está no caminho certo, e "300" só vem a confirmar esta percepção.
Diferente do que se lê nos quadrinhos há apenas uma trama menor, desenvolvida para aumentar a participação feminina no filme. A rainha Gorgo, interpretada por Lena Headey ("Os Irmãos Grimm"), ganha mais destaque, mostrando seus esforços em Esparta, quando os homens se ausentam para a luta, em convencer o Senado a apoiar a empreitada do Rei e enviar auxílio ao combate. Contra ela está um conspirador, Theron (Dominic West, de "O Sorriso da Mona Lisa"), este um personagem criado especialmente para o filme. As participações deles, se no gibis corriam o risco de soar estranhas, cinematograficamente causam um bom efeito, alternando a sangreira do campo de batalha por uma outra luta obstinada, mas feita de artimanhas e estratégia. Casam-se, na tela, em perfeita harmonia, colaborando para o bom resultado da empreitada.
"300" é cinema feito para as massas, e disso não há a menor dúvida. Porém é um produto acabado, com muito esmero e cuidado, evidentemente superior à mediocridade instaurada em Hollywood. Quase um filme de autor, só não totalmente devido às proporções milionárias que assumiu. Mesmo assim, funciona tanto para aqueles atrás de diversão despreocupada quanto para os em busca de algo mais trabalhado e intelectualmente intrigante. Não vai mudar a vida de ninguém nem o modo de se ver ou fazer cinema, mas certamente serve como um bom entretenimento para quem estiver neste processo.

300, EUA, 2007
(Nota: 8)

It's Raining "300" Men!!!!!

2007-03-27T21:35:00.000-03:00

É o filme mais aguardado da... semana! Bom, já é alguma coisa. Confiram este teaser, que é muuuuuuuuiiiiiiiito engraçado! Pena que o Rodrigo Santoro não está com o modelito "Carandiru", mas mesmo assim tá muito bom. Confiram!
Ah, e amanhã já publicarei por aqui a crítica do filme. Aguarde!

Madonna x New Order

2007-03-23T11:22:00.000-03:00

Depois do sucesso do casamento de Madonna com Depeche Mode, agora temos Madge com New Order. Não ficou tão bom quanto o anterior, mas ainda assim é imperdível...

Estréia da Semana!

2007-03-23T01:44:00.000-03:00

ARTHUR E OS MINIMOYS

Primeiro longa-metragem dirigido pelo francês Luc Besson desde 1999, quando fez "Joana D'Arc". Fracasso de público e de crítica, custou uma fortuna e, mesmo assim, já tem duas seqüências programadas. É baseado numa série de livros escritos pelo próprio cineasta. À frente do elenco estão Freddie Highmore ("A Fantástica Fábrica de Chocolate", "Um Bom Ano", "Em Busca da Terra do Nunca") e Mia Farrow ("A Profecia", "A Rosa Púrpura do Cairo", "O Bebê de Rosemary"). A primeira meia hora de filme é em real action, depois vira animação. Entre os dubladores originais estão David Bowie, Snoop Dogg e... MADONNA!!!! Entendeu agora o porquê do fracasso (hehe... brincadeira!)? Como no Brasil só será lançado em versão dublada em português (maldição!), a solução vai ser esperar até sair a edição em dvd...

Madonna e Depeche Mode: Casal Perfeito!

2007-03-23T01:36:00.000-03:00

GUARANI 2007 - OS VENCEDORES

2007-03-04T18:02:00.000-03:00

Os grandes vencedores da décima segunda edição do prêmio Guarani são os seguintes:

Filme: O CÉU DE SUELY, de Karim Ainouz

Documentário: ESTAMIRA, de Marcos Prado

Ator: Antonio Calloni, ANJOS DO SOL

Atriz: Hermila Guedes, O CÉU DE SUELY

Ator Coadjuvante: Paulo Autran, A MÁQUINA

Atriz Coadjuvante: Léa Garcia, O MAIOR AMOR DO MUNDO

Direção: Cao Hamburger, O ANO EM QUE MEUS PAIS SAÍRAM DE FÉRIAS

Filme Estrangeiro: MATCH POINT, de Woody Allen

Roteiro Original: O ANO EM QUE MEUS PAIS SAÍRAM DE FÉRIAS

Roteiro Adaptado: A MÁQUINA

Edição: A CONCEPÇÃO

Fotografia: ÁRIDO MOVIE

Revelação: Hermila Guedes, O CÉU DE SUELY

Trilha Sonora: A MÁQUINA

Som: A MÁQUINA

Figurino: ZUZU ANGEL

Direção de Arte: A MÁQUINA

Maquiagem: IRMA VAP - O RETORNO

Efeitos Visuais: A MÁQUINA

Filme - Júri Popular: O ANO EM QUE MEUS PAIS SAÍRAM DE FÉRIAS

E a divisão por filme ficou:

A MÁQUINA (6 guaranis)
O CÉU DE SUELY
O ANO EM QUE MEUS PAIS SAÍRAM DE FÉRIAS (3 guaranis)
ESTAMIRA
ANJOS DO SOL
O MAIOR AMOR DO MUNDO
A CONCEPÇÃO
ÁRIDO MOVIE
ZUZU ANGEL
IRMA VAP - O RETORNO (1 guarani)

O júri votante do Guarani 2007 foi o seguinte:
Robledo Milani (Programa de Cinema), Augusto Paulo Gonçalves (Adorocinema.com), Pablo Villaça (Cinemaemcena.com.br), Ticiano Osório (Zero Hora/RS), Glênio Póvoas (roteirista e professor de cinema), Mariana Laviaguerre (jornalista), Francisco Russo (Adorocinema.com), Liandro Lindner (jornalista), Paulo Neto (Dropsmagazine.com.br), Adriana Androvandi (Correio do Povo/RS), Daniel Garcez (cinéfilo), Lucas Gonzaga (Argumento.net), Camila Vieira (O Povo/CE), Tarcísio Puiati (cineasta), Ana Luiza Engel (Programa de Cinema), Camila Saccomori (Zero Hora/RS), Aurora Miranda Leão (Cinemacomrapadura.com.br), Matheus Bonez (jornalista), Paulo Kralik Angelini (Argumento.net), Daniel Bacchieri (jornalista), Roberto Sadovski (SET) e Ricardo Matsumoto (SET).

NOTAS SOBRE UM ESCÂNDALO

2007-03-04T15:29:00.000-03:00

Cate Blanchett e Judi Dench são duas das maiores atrizes da atualidade, e disso ninguém tem dúvida. Portanto, quando surgiu a notícia de que elas estariam juntos num mesmo filme, como não deixar as expectativas subiram nas alturas? E NOTAS SOBRE UM ESCÂNDALO, o resultado deste encontro, é uma grata surpresa, porém é inevitável que não provoque algum tipo de decepção. E, mesmo por menor que seja, justifica qualquer lamentação. Mas nunca a ponto de marcar negativamente o trabalho impecável das duas - ambas, felizmente, indicadas ao Oscar.
Primeiro, fui ler o livro. Best seller de Zöe Heller, foi lançado no Brasil com o título ANOTAÇÕES SOBRE UM ESCÂNDALO, pela Editora Record. Aliás, este é um hábito que tenho, sempre procuro pautar minhas leituras em futuros lançamentos cinematográficos. E o livro é... MUITO BOM! Muito bom, mesmo! Conta, com riqueza de detalhes, a história de uma professora que entra numa escola inglesa com a missão de ensinar artes. Ela tem pouca experiência, e acaba criando uma amizade com uma das mais antigas professoras do lugar, uma solteirona que se encanta com a atenção recebida e passa a desenvolver um interesse "especial" pela nova colega. Atração que se transforma em revolta quando descobre o tal "escândalo" do título: a novata está tendo um caso com um dos alunos, um garoto de 15 anos. Na posse deste segredo, passa a manipular a 'amiga' para obter dela tudo que deseja: carinho, dedicação, companheirismo. Porém, num passo em falso, coloca tudo a perder numa tentative fútil de vingança. E, com tudo revelado, terá que agir com cuidado para manter o que havia "conquistado" até então.
A adaptação de Patrick Marber (autor de CLOSER-PERTO DEMAIS), num roteiro indicado ao Oscar, e a direção de Richard Eyre (dos ótimos A BELA DO PALCO e ÍRIS), respeitam rigidamente a estrutura do romance, porém preferem centrar a atenção nos desempenhos irrepreensíveis das atrizes do que na ação discorrida. Ou seja, esta é a maior falha da versão cinematográfica: sua pouca duração (são apenas 90 minutos) para um drama que discorre por quase 400 páginas literárias. Os eventos inevitavelmente terminam por se atropelarem, e o espectador, ainda mais aquele que desconhece a trama previamente, deve ficar com algumas questões mal resolvidas em mente - dados que estão no livro, e não na tela.
Mas, ao assistir a um filme, devemos pensar nele enquanto obra cultural independente, e não ligada a uma outra fonte, seja ela uma peça teatral, um fato real, uma música, uma notícia de jornal ou, claro, um livro. E, enquanto produto cinematográfico, NOTAS SOBRE UM ESCÂNDALO é, sim, acima da média. Só pela trilha sonora de Philip Glass (KUNDUM), também indicada ao Oscar, já valeria o ingresso. Mas o maior mérito é mesmo conferir Dench e Blanchett, no auge de suas formas, dando vida a duas personagens complexas, interessantíssimas e bastante singulares. Cada meio olhar, cada movimento no cabelo, cada roçar de dedos... tudo tem relevância na atuação delas. Na festa do Oscar, Judi enfrentou um peso-pesado (a fabulosa Helen Mirren, por A RAINHA), mas ver Blanchett perder sua estatueta para a impactante, porém melhor cantora do que atriz, Jennifer Hudson (DREAMGIRLS), me remete a quando Catherine Zeta-Jones (CHICAGO) ganhou o Oscar que deveria ter sido de Meryl Streep (ADAPTAÇÃO). São estrelas da vez, que acabam por obscurecer trabalhos superiores, porém tratados de forma mais "convencional". Mas injustiças acontecem, e na história do maior prêmio da indústria cinematográfica mundial elas se repetem com uma freqüência muito maior do que gostaríamos. E não há nada a ser feito a respeito, além de alertas como este.
NOTAS SOBRE UM ESCÂNDALO pode ser um pouco apressado, deixando alguns elementos no ar, mas é um impactante estudo sobre a solidão humana, e como tal deve ser percebido. Com duas fantásticas atrizes à frente do elenco, é daqueles filmes que merecem ser vistos com carinho e muita delicadeza. Pode não ter ganho nenhum dos quatro Oscars a que concorria, mas certamente irá ganhar um espaço importante entre outros iguais, como O QUE TERÁ ACONTECIDO A BABY JANE? e o recente AS HORAS.

Notes on a Scandal, Reino Unido, 2006
(nota 8,5)

LETRA E MÚSICA

2007-03-03T02:14:00.000-03:00

LETRA E MÚSICA é uma comédia romântica - e se você está minimamente acostumado a ler minhas críticas, sabe o quanto desprezo este gênero cinematográfico. Sim, todos os filmes são iguais, apenas mostrando os dois atores do cartaz se apaixonando - brigando - se separando - voltando a ficar juntos. E LETRA E MÚSICA não é diferente. Ao menos não totalmente. Porque o interessante aqui não é a relação que surge entre o quase cinqüentão Hugh Grant e a recém trintona Drew Barrymore - é, sim, o que está além disso, os motivos que levaram os dois a se encontrarem, as elaboradas personalidades dos personagens e os percalços que ambos enfrentam juntos. Por vezes até esquecemos estarmos diante de mais uma famigerada "romcom". E isso, acredite, não poderia ser mais positivo.
LETRA E MÚSICA ganha o espectador já nos créditos de abertura, durante a exibição do videoclipe falso da ótima canção "Pop Goes My Heart", da falsa banda PoP, falso sucesso dos anos 80 composta pela falsa dupla composta por Grant e um amigo de faculdade. Ali, de imediato, entramos no clima oitentista que permeia toda a trama. Grant é um artista em decadência que vive do passado. Ele recebe uma nova chance ao ser chamado por uma ídolo adolescente, Cora (a novata Haley Bennet), um híbrido de Christina Aguilera e Shakira que é fã dele e quer que ele componha um hit para ambos cantarem juntos. O problema é que ele até sabe compor, porém é péssimo letrista. Mas a ajuda virá do lugar mais inesperado: a tresloucada moça que cuida das plantas dele, uma alegrinha Barrymore, que imediatamente após cantarolar alguns versos inspirados é chamada para formar dupla com ele neste futuro sucesso.
Apesar a diferença de idade, Grant e Barrymore formam um casal adorável na tela - logo esquecemos que ele poderia ser pai dela! A química é quase visível, e o bom entrosamento deles acrescenta muito ao resultado final. Claro que colabora o fato de ambos não serem estranhos no gênero, e estarem quase reprisando antigos papéis. Grant, mais no automático, lembra muito o milionário aborrecido de UM GRANDE GAROTO, assim como Barrymore aparece tão entusiasmada e 'old fashion' quanto no divertido AFINADO NO AMOR. E com ambos bem à vontade em cena, a descontração não poderia ser maior.
A trama de LETRA E MÚSICA não é nada original. Com alguns desvios desnecessários, como o envolvimento de Drew com um antigo tutor (Campbell Scott, pouco aproveitado), o filme ganha mesmo quando os protagonistas estão envolvidos na missão de recuperar o espírito de duas décadas atrás e remodelá-lo sob um contexto e uma visão atual, porém não menos saudosista. A falta de vergonha em se assumirem ultrapassados e exagerados só tende a conquistar o espectador, imerso nesta viagem do tempo iluminada e hilariante. Outro ponto difícil de esquecer são as pequenas participações da fantástica Kristen Johnston (do antigo seriado 3RD ROCK FROM THE SUN), escassas demais diante do enorme talento da comediante. Cada vez que ela entra em cena, no papel da irmã de Drew, a situação muda completamente, acrescentando um dinamisco único.
Simples, com poucas reviravoltas e bastante previsível, LETRA E MÚSICA não foi um sucesso de bilheteria, e, apesar das boas críticas recebidas, não irá mudar a vida de ninguém. Mesmo assim, é uma pequena preciosidade, daquelas que merecem ser degustadas com deleite. Com direção e roteiro de Marc Lawrence, que antes fizera o irrelevante AMOR à SEGUNDA VISTA (também com Grant, ao lado de Sandra Bullock), tem tudo para se tornar um clássico da "Sessão da Tarde" daqui há alguns anos. Somente pela trilha sonora já valeria a pena. Agora, quando vemos dois astros inteiramente entregues a uma bobagem tão divertida quanto esta, o prazer é inegável.

Music and Lyrics, EUA, 2007
(nota 8)

CANDY

2007-03-01T18:23:00.000-03:00

Após ter sido indicado ao Oscar e de ter ganho diversos prêmios (como ter sido escolhido Melhor Ator segundo os Críticos de Nova Iorque e de São Francisco) pelo polêmico BROKEBACK MOUNTAIN, o australiano Heath Ledger seguiu um caminho inverso, não aceitando grandes produções. Em vez disso, marcou presença neste pequeno filme independente ao lado da quase desconhecida Abbie Cornish (vista há pouco em UM BOM ANO). A decisão, se não a mais óbvia, também não foi igualmente sábia. Não que CANDY não funcione no sentido dele explorar ainda mais suas capacidades dramáticas; sim, e ele revela nuances frágeis e intensas. Mas por outro lado não acrescenta muito ao currículo do rapaz, que já esteve melhor em outros projetos menores, como A ÚLTIMA CEIA e REIS DE DOGTOWN.
Dirigido pelo pouco conhecido Neil Armfield e baseado no romance de Luke Davis, esta é a história de um casal que vive à margem da sociedade: tudo o que querem é se drogar e esquecer de qualquer responsabilidade da vida adulta. Ela, vinda de um lar infeliz, parece estar neste caminho apenas para machucar o pais, alheios ao sofrimento da garota. Ele, por outro lado, não tem seu passado desvendado, e pouco ficamos sabendo das causas que o levaram até aquele ponto. O que fica claro é que ambos estão perdidamente apaixonados um pelo outro, mas, acima de tudo, se encontram em estado de completa dependência da droga. Ambos são capazes de tudo - roubar, prostituição, mendigar - para manter o vício, cada dia mais óbvio para todos aqueles que convivem ao redor dos dois.
CANDY é o nome da protagonista, mas o filme na verdade tem o ponto de vista dele. Ele é louco por ela, ele que realmente se esforça para desistir do hábito quando ela engravida, ele que é mandado embora numa briga mais forte. Acompanhamos muito mais as desgraças dele do que as dela. Nesta indecisão entre um e outro, o filme parece perder o foco, deixando a chance de se tornar relevante dentro da temática simplesmente passar em branco. Os dois são drogados, mas poderia ser qualquer outro problema a lhes afilngir. Não é feito um estudo mais demorado dos motivos e das conseqüências. E quem perde, mais do que o espectador, que permanece distante, sem se envolver, são os realizadores, ao desperdiçarem em mais uma história de amor desajustada uma oportunidade de se discutir uma questão tão pertinente quanto a aqui abordada, porém de modo equivocado, sem o empenho que merecia.
Ledger é um bom ator, e Cornish pode vir a surpreender num futuro próximo. Geoffrey Rush, como o velho amigo gay e patrono dos exageros deles, serve mais como um alívio cômico à tragédia anunciada, sem encontrar meios de se desenvolver profundamente enquanto figura relevante dentro do roteiro. Entre tantas opções interessantes, CANDY não chega a ser um desperdício total pelo esforço dos atores envolvidos. Mas, ao contrário de outros dramas similares, como RUSH (1991) e NARC (2002), este prefere deixar de tomar uma posição mais política, abandonando discussões e centrando seu olhar no relacionamento afetivo entre duas pessoas em situações limites. Ainda curioso, mas definitivamente menos do que se poderia ter atingido.

Candy, Australia, 2006
(nota 6)

BREAKING AND ENTERING

2007-02-28T20:35:00.000-03:00

Tem um ditado que diz: "um passo para trás, às vezes, não significa necessariamente um retrocesso; pode ser, sim, o movimento preciso no sentido de criar impulso para seguirmos em frente". E este pensamento parece se aplicar perfeitamente ao novo trabalho do premiado diretor Anthony Minghella, BREAKING AND ENTERING (que provavelmente se chamará no Brasil "Invasão de Domicílio", enquanto que em Portugal foi batizado mais apropriadamente como "Assalto e Intromissão"). Apesar de ser bem menos ambicioso que os últimos longas dele, tem resultados artísticos superiores. Um elenco excelente, uma direção cuidadosa e nunca intrometida e uma boa história são mais do que suficientes para entregar ao público uma obra que merece ser descoberta.
Ao contrário dos épicos O PACIENTE INGLÊS (que lhe valeu o Oscar) e COLD MOUNTAIN, em BREAKING AND ENTERING Minghella procura um caminho mais ousado e perverso, com protagonistas de personalidades difusas e com subtramas nada fáceis ao espectador preguiçoso, que espera que tudo seja disposto na tela de mão beijada. Aqui se exige esforço, dividindo com a audiência a tarefa de entender e analisar as ações, sem porém a necessidade de um julgamento moral. O que vemos são pessoas comuns, com seus problemas e angústias, envolvidas em situações igualmente ordinárias, mas que quando vistas com cuidado revelam mais do que as conclusões óbvias podem oferecer.
Assim como em O TALENTOSO RIPLEY (ainda o melhor filme do cineasta na minha opinião), este novo longa se baseia basicamente na força dos atores e na precisão certeira do enredo em atingir a visão proposta. Para não ter margem de erro, Minghella chamou dois antigos colaboradores, Jude Law (visto tanto em RIPLEY quanto em MOUNTAIN, e indicado ao Oscar pelas duas atuações) e Juliette Binoche (premiada com o Oscar por O PACIENTE INGLÊS). Os dois, em desempenhos impecáveis, aparecem ao lado de uma intensa Robin Wright Penn (FORREST GUMP), formando um trio acima de qualquer suspeita.
Law e Penn são um casal em crise. Ele é um arquiteto bem sucedido, que recém abriu sua firma. Ela abandonou o trabalho para cuidar da filha, que possui uma estranha e rara doença. A menina, apesar de não ser dele, recebe tanta atenção quanto se fosse sua. Mesmo assim, mãe e filha compõem um mundo muito particular, excluindo-o com uma força crescente. Quando o novo escritório passa a ser arrombado regularmente, ele decide permanecer à noite como vigia, escondido dentro do carro, para ver quem está lhe causando tanto prejuízo. Quem ele encontra é um garoto habituado a escalar prédios. Pego no flagra, o rapaz foge em disparada. Mas a perseguição tem fim em frente ao condomínio onde mora com a mãe (Binoche), uma exilada da Bósnia, que tenta criar sozinha o filho, visto a ausência paterna. O arquiteto decide investigar com calma o que acontece ali, e antes que perceba estará envolvido romanticamente com a mãe do pequeno delinquente. Mas quando ela descobrir as primeiras intenções dele, será capaz de tudo para defender a honra familiar.
Se o modo como os personagens parecem interagir entre si soa um pouco forçado, na tela tudo discorre numa convincente naturalidade. É totalmente compreensível que Law, mesmo apaixonado pela própria mulher e por aquela família em que insiste em fazer parte, acabe se envolvendo com uma outra pessoa, certamente menos atraente a ele tanto intelectual quanto fisicamente, porém capaz de lhe oferecer algo que carece, a oportunidade de ser importante para alguém. Tal relação está fadada ao fracasso desde o início, mas acreditamos na sua veracidade e apostamos no sucesso da empreitada, mesmo sabendo que esta é uma rota sem saída. A conclusão, entretanto, tão dolorida quanto precisa, é um arroubo de realidade que nos joga de volta à sociedade como a conhecemos, com méritos e defeitos, mas acima de tudo feita a partir das decisões que tomamos diariamente.
Anthony Minghella, também autor do roteiro, faz de BREAKING AND ENTERING um curioso, pertinente e sagaz estudo do comportamento humano e das relações que se formam entre vítimas e heróis, privilegiados e carentes. Lançado internacionalmente no final do ano passado, passou injustamente em branco pelas grandes premiações, tendo conseguido apenas três indicações ao British Independent Film Awards (Atriz, para Binoche e Penn, e Revelação, para Rafi Gavron, que interpreta o filho de Binoche). Isso, somado ao desempenho ínfimo nas bilheterias (menos de um milhão de libras na Inglaterra e pouco mais de 300 mil dólares nos Estados Unidos), fará com que esta pequena preciosidade saia de circulação muito antes de ter tido uma chance de o público descobri-la. Com sorte, entrará em cartaz no Brasil. E mais felizardo será aquele que for atrás com o intento de desfrutá-la em todo o seu potencial. Qualquer esforço será mais do que compensado, pode apostar.

Breaking and Entering, Reino Unido/EUA, 2006
(nota 9)

MOTOQUEIRO FANTASMA

2007-02-28T00:55:00.000-03:00

Apesar de ser leitor assíduo de histórias em quadrinhos, acho que nunca li uma do Ghost Rider (ou, como é chamado no Brasil, Motoqueiro Fantasma). Sei apenas que é um personagem obscuro do segundo (ou terceiro...) escalão da Marvel, muito longe da popularidade de um Homem-Aranha ou dos X-Men. É mais ou menos como Blade, com poucos fãs, porém fiéis. E foi baseado no bom resultado da adaptação do caça-vampiros interpretado por Wesley Snipes que decidiu-se levar para a tela grande o "Espírito da Vingança". Entretanto, com um roteiro confuso, um astro em visível decadência, efeitos especiais canhestros e um diretor pouco criativo, o resultado não tinha como ser mais constrangedor. Provavelmente era para ser uma aventura com altas doses de adrenalina, mas o que se vê é uma comédia involuntária pouco inspirada.
Faz um bom tempo que Nicolas Cage não emplaca um grande sucesso. O último foi A LENDA DO TESOURO PERDIDO, de 2004. Desde então ele tem aparecido em uma bomba atrás da outra: O SENHOR DA GUERRA, O SOL DE CADA MANHÃ, AS TORRES GÊMEAS, O SACRIFÍCIO... E quando tudo apontava para mais uma a caminho, a surpresa: MOTOQUEIRO FANTASMA se confirmou, no primeiro final de semana em cartaz, como a maior bilheteria de estréia de toda a carreira do ator oscarizado por DESPEDIDA EM LAS VEGAS (1995). Foram mais de 44 milhões de dólares arrecadados em apenas 3 dias nos Estados Unidos. Se por um lado parece ter agradado a platéia, com a crítica o resultado não foi o mesmo. No site www.razzies.com (o que elege as Framboesas de Ouro, os piores filmes do ano), Ghost Rider foi eleito o "Worst Movie of the Week", enquanto que no www.rottentomatoes.com (que reúne os principais críticos dos Estados Unidos), a nota média que o filme recebeu foi 2,7. E, entre a crítica e o público, eu definitivamente fico com os primeiros!
Os problemas de MOTOQUEIRO FANTASMA são muitos. O roteiro é pra lá de confuso (até agora não entendi direito os propósitos do protagonista, além da conclusão ser uma das mais absurdas dos últimos tempos... eu entendi bem ou ele preferiu continuar amaldiçoado ao invés de ficar com a mocinha?), os atores estão péssimos (se Cage está se confirmando como um notório canastrão, a até então bela Eva Mendes é que desponta como a maior decepção), os diálogos são amadores e os efeitos especiais são muito fracos. A originalidade passou longe da produção.
Com direção do péssimo Mark Steven Johnson (o mesmo do horrível DEMOLIDOR, com Ben Affleck), o filme fica indeciso entre se levar à sério (algo que nunca consegue, permanecendo na intenção) e em se firmar como um bizarro híbrido de comédia romântica de aventura (até chega a comover e provocar alguns risos da audiência mais despreocupada, mas só arranca irritação do espectador atento). Nem coadjuvantes de algum peso, como Peter Fonda (SEM DESTINO), Wes Bentley (BELEZA AMERICANA) ou Sam Elliott (OBRIGADO POR FUMAR) conseguem atrair uma maior simpatia. O desastre é grande demais, e o melhor é esquecê-lo o quanto antes. MOTOQUEIRO FANTASMA deveria servir como aquecimento para um ano em que os heróis dos quadrinhos prometem, e até atinge esta intenção, porém num sentido inverso: a frustração é tamanha que tudo que consegue é nos fazer desejar com ainda mais ardor a chegada de HOMEM-ARANHA 3 e do QUARTETO FANTÁSTICO 2 nas telas.

Ghost Rider, EUA, 2007
(Nota: 2)

OSCAR 2007 - Comentários

2007-02-26T02:44:00.000-03:00

Bicampeão! Sim, pelo segundo ano consecutivo ganhei o bolão de apostas para o Oscar - tradição de anos entre eu e alguns amigos. Das 24 categorias do Oscar, acertei o vencedor em 13, e em outras 10 o vencedor era a minha segunda opção. OU seja, errei mesmo somente em uma categoria (Melhor Curta de Animação...). Veja abaixo como me saí:

Acertos:
FILME - Os Infiltrados
ATOR - Forest Whitaker (O Último Rei da Escócia)
ATRIZ - Helen Mirren (A Rainha)
ATOR COADJUVANTE - Alan Arkin (Pequena Miss Sunshine)
ATRIZ COADJUVANTE - Jennifer Hudson (Dreamgirls)
DIREÇÃO - Martin Scorsese (Os Infiltrados)
ANIMAÇÃO - Happy Feet
DIREÇÃO DE ARTE - O Labirinto do Fauno
DOCUMENTÁRIO - Uma Verdade Inconveniente
MAQUIAGEM - O Labirinto do Fauno
CURTA-METRAGEM - West Bank Story
SOM - Dreamgirls
EFEITOS VISUAIS - Piratas do Caribe 2
ROTEIRO ADAPTADO - Os Infiltrados

Perceba que acertei todas as principais categorias (Filme, Direção, as 4 de atuação, Animação, Documentário e Roteiro Adaptado), ou seja, os prêmios que verdadeiramente importam! Destes, os mais imprevisíveis eram os de Filme (não havia favorito), Ator Coadjuvante (Eddie Murphy era o mais provável) e Animação (Carros era o mais provável). Os outros eram todos bastante óbvios.

Agora, abaixo as minhas segundas opções que acabaram levando a estatueta dourada:

FOTOGRAFIA - O Labirinto do Fauno (ao invés de Filhos da Esperança)
FIGURINO - Marie Antoinette (ao invés de A Rainha)
DOCUMENTÁRIO CURTA - The Blood of Yingzhou District (ao invés de Two Hands)
MONTAGEM - Os Infiltrados (ao invés de Babel)
FILME ESTRANGEIRO - A Vida dos Outros (ao invés de O Labirinto do Fauno)
TRILHA SONORA - Babel (ao invés de A Rainha)
CANÇÃO - "I Need to Wake Up", de Uma Verdade Inconveniente (ao invés de "Listen", de Dreamgirls)
EDIÇÃO DE SOM - Cartas de Iwo Jima (ao invés de Piratas do Caribe 2)
ROTEIRO ORIGINAL - Pequena Miss Sunshine (ao invés de A Rainha)

Destes, surpresa mesmo foram as vitórias de O Labirinto do Fauno em Fotografia, já que Filhos da Esperança havia ganho o prêmio do Sindicato dos Fotógrafos, Marie Antoinette em Figurino, uma vez que o prêmio do Sindicato dos Figurinistas foi dividido entre Curse of the Golden Flower e A Rainha, A Vida dos Outros, da Alemanha, como Melhor Filme em Língua Estrangeira, quando O Labirinto do Fauno, do México, com seis indicações era o grande favorito, e a canção do documentário Uma Verdade Inconveniente, quando o musical Dreamgirls concorria nesta categoria com três canções! Pequena Miss Sunshine, premiado pelo Sindicato dos Roteiristas, não era improvável, mas como o roteiro de A Rainha era o mais premiado (inclusive com o Globo de Ouro e a Sociedade Nacional dos Críticos de Cinema dos EUA) de TODOS os 10 indicados (entre Adaptados e Originais), tal decisão chega quase a ser uma injustiça.

No final das contas, a 79ª entrega dos prêmios da Academia de Artes e Ciências Cinematográficas de Hollywood, os Oscars, foi bastante previsível - e, por incrível que pareça, muito justa. Todos os cinco principais indicados ganharam no mínimo uma estatueta, e outros trabalhos de destaque receberam o devido reconhecimento - além de injustiças históricas terem sido desfeitas (não, ainda não foi a vez de Peter O'Toole, que recebeu sua oitava indicação sem vitória!). Mas foi um grande ano, de bons filmes e ótimos desempenhos.

Confira a lista completa de premiados, por filme:

OS INFILTRADOS (Filme, Direção, Montagem, Roteiro Adaptado)
O LABIRINTO DO FAUNO (Direção de Arte, Fotografia, Maquiagem)
PEQUENA MISS SUNSHINE (Ator Coadjuvante, Roteiro Original)
DREAMGIRLS (Atriz Coadjuvante, Som)
UMA VERDADE INCONVENIENTE (Documentário, Canção)
O ÚLTIMO REI DA ESCÓCIA (Ator)
A RAINHA (Atriz)
BABEL (Trilha Sonora)
HAPPY FEET (Animação)
CARTAS DE IWO JIMA (Edição de Som)
MARIE ANTOINETTE (Figurino)
PIRATAS DO CARIBE 2 (Efeitos Visuais)
A VIDA DOS OUTROS (Filme Estrangeiro)

E era isso! Em 2008 tem mais!

OSCAR 2007 - Apostas

2007-02-25T04:31:00.000-03:00

Essas são as minhas apostas para o Oscar 2007. Na segunda-feira, dia 26/02, a gente confere quantos acertos eu tive:

FILME
Os Infiltrados
(ou Pequena Miss Sunshine)

ATOR
Forest Whitaker (O Último Rei da Escócia)
(ou nenhum outro, vai ser o Forest mesmo!)

ATOR COADJUVANTE
Alan Arkin (Pequena Miss Sunshine)
(ou Jackie Earle Haley, de Pecados Íntimos)

ATRIZ
Helen Mirren (A Rainha)
(ou nenhuma outra, vai ser Mirren mesmo!)

ATRIZ COADJUVANTE
Jennifer Hudson (Dreamgirls)
(ou Abigail Breslin, de Pequena Miss Sunshine)

ANIMAÇÃO
Happy Feet
(ou Carros)

DIREÇÃO DE ARTE
O Labirinto do Fauno
(ou Dreamgirls)

FOTOGRAFIA
Filhos da Esperança
(ou O Labirinto do Fauno)

FIGURINO
A Rainha
(ou Marie Antoinette)

DIREÇÃO
Martin Scorsese (Os Infiltrados)
(ou Paul Greengrass, por Vôo United 93)

DOCUMENTÁRIO
Uma Verdade Inconveniente, de Davis Guggenheim
(ou Deliver us From Evil, de Amy Berg e Frank Donner)

DOCUMENTÁRIO-CURTA
Two Hands, de Nathaniel Kahn e Susan Rose Behr
(ou The Blood of Yingzhou District, de Ruby Yang e Thomas Lennon)

MONTAGEM
Babel
(ou Os Infiltrados)

FILME EM LÍNGUA ESTRANGEIRA
O Labirinto do Fauno, do México
(ou A Vida dos Outros, da Alemanha)

MAQUIAGEM
O Labirinto do Fauno
(ou Apocalypto)

TRILHA SONORA
A Rainha
(ou Babel)

CANÇÃO
Listen, de Dreamgirls
(ou I Need to Wake Up, de Uma Verdade Inconveniente)

CURTA DE ANIMAÇÃO
The Little Matchgirl, de Roger Allers e Don Hahn
(ou No Time for Nuts, de Chris Renaud e Michael Thurmeier)

CURTA-METRAGEM
West Bank Story
(ou Éramos Pocos)

EDIÇÃO DE SOM
Piratas do Caribe 2
(ou Cartas de Iwo Jima)

SOM
Dreamgirls
(ou Piratas do Caribe 2)

EFEITOS VISUAIS
Piratas do Caribe 2
(ou Superman - o Retorno)

ROTEIRO ADAPTADO
Os Infiltrados
(ou Filhos da Esperança)

ROTEIRO ORIGINAL
A Rainha
(ou Pequena Miss Sunshine)

Era isso. Resta torcer e esperar. A entrega do Oscar é neste domingo, 25/02, a partir das 22h (horário de Brasília). Até!

XII GUARANI - INDICADOS 2007

2007-02-15T09:44:00.000-03:00

Estes são os indicados oficiais ao XII Prêmio Guarani de Cinema Brasileiro, com os melhores da produção cinematográfica nacional em 2006. O resultado final com os vencedores será divulgado em breve:

FILME
A Máquina
Anjos do Sol
O Ano em que meus Pais Saíram de Férias
O Céu de Suely
Zuzu Angel

DOCUMENTÁRIO
Do Luto à Luta
Estamira
O Dia em que o Brasil esteve aqui
O Sol - Caminhando contra o Vento
Soy Cuba - O Mamute Siberiano

ATOR
Antônio Calloni (Anjos do Sol)
Gustavo Falcão (A Máquina)
Lázaro Ramos (Cafundó)
Marco Nanini (Irma Vap - O Retorno)
Matheus Nachtergaele (Tapete Vermelho)

ATRIZ
Fernanda Carvalho (Anjos do Sol)
Hermila Guedes (O Céu de Suely)
Irene Ravache (Depois Daquele Baile)
Mariana Ximenes (A Máquina)
Patícia Pillar (Zuzu Angel)

ATOR COADJUVANTE
José Dumont (Árido Movie)
Marcos Caruso (Depois Daquele Baile)
Otávio Augusto (Anjos do Sol)
Paulo Autran (A Máquina)
Selton Mello (Árido Movie)

ATRIZ COADJUVANTE
Bianca Comparato (Anjos do Sol)
Darlene Glória (Anjos do Sol)
Léa Garcia (O Maior Amor do Mundo)
Leona Cavalli (Cafundó)
Mary Sheila (Anjos do Sol)

DIREÇÃO
Beto Brant (Crime Delicado)
Cao Hamburger (O Ano em que meus Pais Saíram de Férias)
João Falcão (A Máquina)
José Eduardo Belmonte (A Concepção)
Sérgio Rezende (Zuzu Angel)

FILME ESTRANGEIRO
A Criança (Bélgica)
Caché (França)
Match Point (Inglaterra)
O Homem-Urso (EUA)
O Labirinto do Fauno (México)

ROTEIRO ORIGINAL
Anjos do Sol
O Ano em que meus Pais Saíram de Férias
O Céu de Suely
Tapete Vermelho
Zuzu Angel

ROTEIRO ADAPTADO
A Máquina
Achados e Perdidos
Crime Delicado
Depois Daquele Baile
Wood & Stock - Sexo, Orégano & Rock'n'Roll

EDIÇÃO
A Concepção
A Máquina
Árido Movie
O Ano em que meus Pais Saíram de Férias
Zuzu Angel

FOTOGRAFIA
A Máquina
Árido Movie
Cafundó
O Ano em que meus Pais Saíram de Férias
O Veneno da Madrugada

REVELAÇÃO
Fernanda Carvalho (Anjos do Sol)
Gustavo Falcão (A Máquina)
Hermila Guedes (O Céu de Suely)
Lilian Taublib (Crime Delicado)
Michel Joelsas (O Ano em que meus Pais Saíram de Férias)

TRILHA SONORA
A Concepção
A Máquina
O Ano em que meus Pais Saíram de Férias
O Céu de Suely
Zuzu Angel

SOM
A Máquina
Irma Vap - O Retorno
O Ano em que meus Pais Saíram de Férias
O Veneno da Madrugada
Zuzu Angel

FIGURINO
A Máquina
Irma Vap - O Retorno
O Ano em que meus Pais Saíram de Férias
O Maior Amor do Mundo
Zuzu Angel

DIREÇÃO DE ARTE
A Máquina
Irma Vap - O Retorno
O Ano em que meus Pais Saíram de Férias
O Veneno da Madrugada
Zuzu Angel

MAQUIAGEM
A Concepção
A Máquina
Cafundó
Irma Vap - O Retorno
Zuzu Angel

EFEITOS ESPECIAIS
A Ilha do Terrível Rapaterra
A Máquina
Fica Comigo Esta Noite
Irma Vap - O Retorno
Muito Gelo e Dois Dedos D'Água

A MÁQUINA (15 indicações)
O ANO EM QUE MEUS PAIS SAÍRAM DE FÉRIAS; ZUZU ANGEL (10 indicações)
ANJOS DO SOL (9 indicações)
IRMA VAP - O RETORNO (6 indicações)
O CÉU DE SUELY (5 indicações)
CAFUNDÓ; ÁRIDO MOVIE; A CONCEPÇÃO (4 indicações)
DEPOIS DAQUELE BAILE; CRIME DELICADO; O VENENO DA MADRUGADA (3 indicações)
TAPETE VERMELHO; O MAIOR AMOR DO MUNDO (2 indicações)
DO LUTO À LUTA; ESTAMIRA; O DIA EM QUE O BRASIL ESTEVE AQUI; O SOL - CAMINHANDO CONTRA O VENTO; SOY CUBA - O MAMUTE SIBERIANO; ACHADOS & PERDIDOS; WOOD & STOCK - SEXO, ORÉGANO & ROCK'N'ROLL; A ILHA DO TERRÍVEL RAPATERRA; FICA COMIGO ESTA NOITE; MUITO GELO E DOIS DEDOS D'ÁGUA (1 indicação)

Guarani 2007

2007-02-04T23:46:00.000-03:00

Vai começar a votação da décima segunda edição do Prêmio Guarani, que desde 1996 vem escolhendo os melhores do cinema nacional. Os filmes concorrentes devem ter sido exibidos comercialmente em Porto Alegre, RS, entre o dia primeiro de janeiro e o dia trinta e um de dezembro de 2006. E aqueles aptos a indicações são:

1. Achados e Perdidos
2. Anjos do Sol
3. O Ano em que meus pais saíram de férias
4. Araguaya, A Conspiração do Silêncio
5. Árido Movie
6. Boleiros 2 - Vencedores e Vencidos
7. Brasília 18%
8. Cafundó
9. Cavaleiro Didi e a Princesa Lili
10. Cerro do Jarau
11. O Céu de Suely
12. A Concepção
13. Crime Delicado
14. Depois Daquele Baile
15. O Dia em que o Brasil esteve aqui
16. Didi, o Caçador de Tesouros
17. Do Luto à Luta
18. Estamira
19. Eu me Lembro
20. Favela Rising
21. Fica Comigo Esta Noite
22. O Fim e o Princípio
23. Gatão de Meia Idade
24. Ginga
25. O Homem pode Voar
26. A Ilha do Terrível Rapaterra
27. Intervalo Clandestino
28. Irma Vap - O Retorno
29. O Maior Amor do Mundo
30. A Máquina
31. A Mochila do Mascate
32. Muito Gelo e Dois Dedos d'Água
33. Mulheres do Brasil
34. Outra Memória
35. Se eu Fosse Você
36. Seus Problemas Acabaram
37. O Sol - Caminhando Contra o Vento
38. Sonhos e Desejos
39. Soy Cuba - O Mamute Siberiano
40. Tapete Vermelho
41. Trair e Coçar é só Começar
42. Veias e Vinhos
43. O Veneno da Madrugada
44. Wood & Stock - Sexo, Orégano & Rock'n'Roll
45. Xuxas Gêmeas
46. Zuzu Angel

Se fosse assistiu a mais de 30 destes títulos, eu lhe convido a participar a votação do Guarani 2007. Me mande um email, para robledo@argumento.net. As categorias de votação do Prêmio Guarani são:

Filme
Documentário
Ator
Atriz
Ator Coadjuvante
Atriz Coadjuvante
Direção
Filme Estrangeiro
Roteiro Original
Roteiro Adaptado
Edição
Fotografia
Revelação do Ano
Trilha Sonora
Som
Figurino
Direção de Arte
Maquiagem
Efeitos Especiais

Em breve divulgarei, aqui neste mesmo espaço e no site Argumento.net, a lista oficial de indicados em cada categoria!

DREAMGIRLS

2007-02-03T21:56:00.000-03:00

Considerado, desde o início de sua produção, como um dos favoritos ao Oscar 2007, o musical "Dreamgirls" decepcionou quando foram finalmente divulgadas as indicações. Apesar de ter sido lembrado em seis quesitos (sendo que no de Melhor Canção concorre em três vagas), confirmando-se como o recordista de nominações neste ano, o longa ficou de fora das principais categorias, como Melhor Filme, Direção, Roteiro e Montagem. As esperanças, agora, recaíram nas técnicas, como Direção de Arte, Figurino e Som, além das altas apostas nos dois atores coadjuvantes, Eddie Murphy e Jennifer Hudson, premiados no Globo de Ouro, no Sindicato dos Atores e apontados como barbadas na maior festa do cinema mundial. Um resultado justíssimo. Afinal este não é um dos cinco melhores filmes do ano, apesar de possuir méritos inegáveis, basicamente os apontados pela crítica e pela indústria.
Baseado no musical da Broadway, que por sua vez é inspirado na trajetória real das Supremes, grupo musical dos anos 60 e 70 que tinha Diana Ross como vocalista, "Dreamgirls" é uma visão romanceada da realidade - e é importante destacar, não aprovada pelos verdadeiros envolvidos. Ross chegou a ameaçar a produção com um processo, e em qualquer declaração a respeito afirma categoricamente não ter encontrado no enredo da peça e no do filme nada similar ao que viveu. Porém alguns fatos e similaridades são impossíveis de negar, como a presença sufocante do empresário e o desligamento de uma das integrantes do trio por conflitos internos.
Claro que é tentador analisar o que vemos na tela diante uma perspectiva real - 'será que isso aconteceu de verdade?', nos perguntamos a todo instante. Porém esta não é a forma mais correta. Afinal, trata-se de uma obra de ficção, e como tal deve ser percebida. E dentro do contexto cinematográfico, os resultados são bem compensadores. "Dreamgirls" é um musical envolvente, porém irregular. Possui números de arrepiar, como "And I'm Telling You I'm Not Going", ao lado de outros constrangedores, como "Family". A cada ponto positivo, logo surge outro contrário. No final, fica-se no meio termo, nada demais, nem nada de menos.
Premiado também com o Globo de Ouro de Melhor Filme Musical ou Comédia de 2006, bateu fortes concorrentes, como os superiores "The Devil Wears Prada" e "Thank you for Smoking", além do excelente "Little Miss Sunshine", este ainda indicado ao Oscar de Melhor Filme. Mas seria praticamente impossível ignorá-lo numa categoria dedicada ao gênero musical. Na direção está Bill Condon, autor do roteiro de "Chicago" e diretor dos elogiados "Gods and Monsters" e "Kinsey". Condon faz um bom trabalho, ainda que inferior ao que o seu currículo prometia. O desenvolvimento da trama é muito certinho, tudo acontecendo de forma encadeada, sem grandes lances ou reviravoltas. E os números musicais lembram muito os de "Chicago", quase sempre num palco, com cenários luminosos no fundo. São poucos os diálogos que resultam em canções, e estes terminam por parecer forçados e fora de contexto. Por outro lado, o filme ganha durante as performances vocais dos protagonistas, todos muito bem escolhidos segundo este critério.
Se Beyoncé Knowles, Jamie Foxx e Eddie Murphy foram apostas seguras, que equilibram bem o estrelismo necessário a um projeto desta magnitude e o talento vocal e interpretativo digno da trama, a novata Jennifer Hudson é a grande surpresa. É praticamente impossível não sair após o término da sessão somente com ela em mente. A cada nova aparição ela domina totalmente a cena, e quando está ausente o filme parece ressentir de fôlego. Nem mesmo Murphy, ressurgindo com um desempenho digno de nota após anos esquecido, consegue batê-la. Beyoncé é linda, dona de uma bela voz, e nada mais. Foxx, elogiadíssimo em "Ray", é o elo fraco, não conseguindo equilibrar com cuidado as caretas vilanescas e os momentos de fraqueza e sentimentalismo. Hudson, no entanto, é poderosíssima. Ex-integrante do reality show "American Idol", ela já está com uma mão e meia na estatueta dourada mais cobiçada do mundo cinematográfico, e será uma conquista mais do que merecida. Sua personagem, Effie, é uma verdadeira 'Diva', uma cantora de voz hipnotizante e corpo possante, que entra em sai quando quer, e por se recusar a seguir ordens acaba pagando um preço às vezes alto demais. É no seu arco dramático que o espectador está interessado, e é com o que acontece com ela que nos importamos. Ela É o centro de "Dreamgirls", e ninguém mais.
Do início difícil, quando ninguém as conhecia, até o estrelato nacional, passando pelas dificuldades, arrependimentos e vitórias naturais em uma jornada tão rica, este longa acaba se assimilando por demais a outras cinebiografias do gênero, como os recentes "Walk the Line" e mesmo o já citado "Ray". Ray Charles em 2004, Johnny Cash em 2005 e agora as Supremes: será um ídolo da história da música norte-americana por ano? Quem serão os próximos? "Dreamgirls", por seu passado mais fantasioso e magnetizante, merecia mais glamour, charme e magia, e não a sensação de "to be continued" que experimentamos após sua apressada (apesar dos mais de 130 minutos de duração!) conclusão. E música sem emoção até provoca elogios, mas não encontra lugar no coração de ninguém.

Dreamgirls, EUA, 2006
(Nota: 7)

FLUSHED AWAY

2007-02-03T21:01:00.000-03:00

Produzido pela Aardman, a mesma responsável pelos geniais "Chicken Run" e "Wallace & Gromit: The Curse of the Were-Rabbit", "Flushed Away" ("Por Água Abaixo") marca a estréia na direção da dupla David Bowers e Sam Fell (esse também co-autor do roteiro), que ocupam o lugar até então ocupados pelos criadores da companhia, Nick Park e Peter Lord (outro co-autor do roteiro de "Flushed"). Bowers e Fell se saem bem nesta nova responsabilidade, mas não à altura dos seus chefes. O novo filme é bonito, visualmente encantador e bem movimentado, mas desprovido de um humor mais ácido e de um enredo consistente.
Primeira experiência da Aardman no campo da animação digital, "Flushed Away" tenta reproduzir, numa nova tecnologia, o mesmo visual dos filmes anteriores, realizados com massinha de modelar. O resultado é curioso, apesar de ressentir de uma 'autenticidade' artística. Parece ser uma cópia, ao invés de uma inovação.
Se a aparência não chega a ser revolucionária, a trama, por outro lado, também não irá chocar ninguém, quanto mais surpreender. Roddy (voz de Hugh Jackman) é um rato de apartamento - vive sozinho em sua gaiola, numa bela casa londrina - e quando seus donos saem de férias ele acredita estar vivendo num paraíso, cercado de facilidades eletrônicas, brinquedos infantis e outros prazeres. Mas isso tudo acaba quando surge, vindo direto do esgoto da pia da cozinha, um ratão muito malandro e cheio de más intenções. O que acontece em seguida é que o novo inquilino logo toma conta do lugar, com Roddy sendo mandado, literalmente, 'por água abaixo'.
Muitos canos e tombos depois, ele chega a uma cidade subterrânea que é uma réplica da Londres da superfície, porém só habitada por ratos. No desespero para voltar à casa, acaba encontrando Rita (voz de Kate Winslet), e se envolvendo, ao lado dela, numa trama de rubis, sapos mafiosos e um plano mirabolante destes para acabar de vez com o universo dos ratos. E para impedir que isso aconteça, Roddy terá que mostrar seu verdadeiro valor e decidir o que quer para o seu futuro.
"Flushed Away", apesar de algumas boas piadas mais satíricas, deve funcionar muito melhor com o público infantil do que com os adultos. Algumas tiradas são tipicamente inglesas, o que deve limitar ainda mais seu espectro de audiência. Outro fator é a repetição de fórmulas já usadas no gênero, como as lesmas, que apesar de inegavelmente divertidas, são uma nova versão dos pingüins vistos em "Madagascar". Ou seja, a sensação de estarmos diante de um prato requentado é inevitável.
Os fracos resultados junto à crítica (foi indicado apenas ao Bafta, o Oscar inglês, de Melhor Longa de Animação do Ano, tendo sido ignorado nas premiações norte-americanas, como o Oscar e o Globo de Ouro) e nas bilheterias (arrecadou, nos Estados Unidos e na Inglaterra, menos de US$ 90 milhões, apesar de ter custado mais de US$ 140 milhões) comprovam um desempenho bem abaixo do esperado. Pelo jeito, o melhor mesmo seria voltar para as massinhas...

Flushed Away, Reino Unido/Estados Unidos, 2006
(Nota: 7)

HAPPY FEET

2007-02-03T20:13:00.000-03:00

Uma das animações mais adoráveis da última temporada é "Happy Feet" ("Happy Feet - O Pingüim"). E o mais curioso a respeito dela, e provável causa dos seus méritos inovadores, é que esta produção não vem de um estúdio tradicional no gênero, além de ser a estréia de um veterano realizador neste universo "animado". Produzido pela Warner Bros., dirigido por George Miller (de sucessos tão díspares quanto "Mad Max" e "Babe") e com roteiro de John Collee ("Master and Commander: The Far Side of the World"), este filme conseguiu se sair bem tanto junto à crítica quanto com o público, mesmo provido de tão pouca expectativa. Apesar de ter tido um custo relativamente alto, US$ 85 milhões, só nos Estados Unidos arrecadou nas bilheterias quase US$ 200 milhões. Isso sem falar das indicações ao Oscar, ao Bafta, ao Satélite de Ouro e ao Globo de Ouro de Melhor Longa de Animação do Ano e da vitória, também no Globo, de Melhor Canção Original ("The Song of the Heart", do Prince).
"Happy Feet" conta a história de Mumble, um pingüim que nasce com um dom especial - e com isso, um problema. Apesar de não saber cantar, como todos os iguais da sua espécie, ele possui uma incrível habilidade com os pés, tornando-se assim excelente sapateador. O drama que enfrenta é que, para conquistar uma companheira, os pingüins-imperadores fazem uso do canto como arma de sedução. Mumble até tenta uma nova tática - o sapateado - mas o preconceito dos demais acaba por lhe expulsar do grupo. Os anciões acreditam que são mudanças como a que ele propõe que estão causando a falta de alimentos naturais. Mas nosso herói tem outra teoria: não seriam "alienígenas" (os seres-humanos) os responsáveis por esta nova condição? Sozinho, ele parte em busca de uma resposta, numa jornada em que irá se deparar com novos amigos, muitos perigos e descobertas e feitos até então inimagináveis para um pequeno pingüim.
Se os talentos apresentados na dublagem original são um caso à parte - estão, entre as vozes famosas, nomes como Elijah Wood, Hugh Jackman, Nicole Kidman e Brittany Murphy - o destaque, assim como foi em "Aladdin" (1992), da Disney, ou em "Robots" (2005), da Fox, é Robin Williams, que aqui se supera mais uma vez ao se desenrolar em dois personagens: o histriônico Ramón e o mítico Lovelace. Ele consegue construir duas personalidades distintas, e ambas igualmente envolventes. E como "Happy Feet" é um 'semi-musical', Williams consegue ainda demonstrar seus dotes vocais, tendo como ponto alto a versão latina de "My Way", do Frank Sinatra. Murphy, em "Somebody to Love", do Queen, e o dueto entre Jackman e Kidman em "Kiss", do Prince, também são bem marcantes.
Outro ponto bastante positivo é o engenhoso roteiro, que apesar de um pouco longo e repleto de reviravoltas, consegue transmitir uma poderosa mensagem através de muito bom humor e aventuras vertiginosas, sem nunca chegar a cansar, ou pior, aborrecer o espectador. Ficamos grudados na tela a cada instante, e toda nova situações proposta pelo enredo aumenta a tensão e o consequente prazer em sua resolução. Visualmente impecável, com uma perfeição digital assustadora, possui ainda ação ininterrupta, de tirar o fôlego de qualquer um. "Happy Feet" parece ser mais um produto bem embalado para o público infantil, mas é muito mais do que isso: é uma grande lição de humanidade e consciência ecológica, numa história de amor encantadora.

Happy Feet, Australia/EUA, 2006
(Nota: 9)

FLAGS OF OUR FATHERS

2007-02-02T21:10:00.000-03:00

Se há alguém em Hollywood que podemos considerar incansável é - além, obviamente, de Meryl Streep, que tem NOVE filmes em produção para este ano e para 2008 - Clint Eastwood. Ator, diretor, compositor, produtor: o homem simplesmente não pára! Depois da consagração de "Million Dollar Baby" ("Menina de Ouro"), que em 2005 ganhou 4 Oscars, inclusive os de Filme e Direção, ele voltou à tona em 2006 com dois novos trabalhos, visões distintas sobre a batalha de Iwo Jima, uma das mais sangrentas da Segunda Guerra Mundial. O primeiro filme, "Flags of our Fathers", ou "Bandeiras dos Nossos Pais", finalmente entrou em cartaz nos cinemas brasileiros com o equivocado título "A Conquista de Honra". Esta é a versão norte-americana do episódio. O olhar dos inimigos, os japoneses, é exposto em "Letters from Iwo Jima", lançado quase simultaneamente nos Estados Unidos e muito melhor recebido pela crítica: falado todo em japonês, recebeu o Globo de Ouro de Melhor Filme em Língua Estrangeira, além de somar quatro indicações ao Oscar: Filme, Direção, Edição de Som e Roteiro Original.
Não que "Flags" seja ruim. Não. Só não é grande coisa. Além de ser mais um filme de guerra, como tantos outros já vistos anteriormente, sem nenhum destaque. As cenas de batalha são absurdamente bem filmadas, mas nada diferentes do que já foi visto em "Saving Private Ryan", lá no distante 1998. E a trama, a princípio interessante, termina por se revelar numa sucessão de clichês sentimentais e não relevantes, ali colocados justamente para tentar arrancar alguma emoção barata de um espectador em busca de atos heróicos pouco significativos, porém visualmente belos - algo, aliás, discutido no próprio enredo.
A foto do cartaz do filme, bastante conhecida, é o ponto de partida de "Flags". Lá num distante 1945, com o povo norteamericano já cansado da guerra e exausto financeiramente, ver aquela imagem de soldados esforçados em levantar a bandeira pátria numa nova conquista funcionou como um catalizador de esperanças e ânimos. Três dos envolvidos naquela imagem - os que ainda restavam vivos - são chamados de volta ao lar para servirem como 'heróis da ocasião', ou seja, para despertar a atenção do público no sentido de levantar fundos para a manutenção da guerra - que, ironicamente, iria ter seu fim poucos meses depois.
Como o batalhão militar chegou até aquele momento do hasteamento da bandeira, e toda a simplicidade por trás daquele ato até então banal, é narrado simultaneamente à jornada dos três colegas pelos Estados Unidos, já não mais soldados anônimos e sim ídolos nacionais. A posição incômoda que eles enfrentam naquela realidade inesperada e indesejada e como cada um reage é o mais pertinente de toda a trama.
Encabeçado por Ryan Phillippe ("Crash"), Jesse Bradford ("Finais Felizes") e Adam Beach ("Códigos de Guerra") dando vida aos personagens reais John Bradley, Rene Gagnon e Ira Hayes, os três em performances corretas e seguras, "Flags" apresenta ainda um bom elenco de apoio, que conta com nomes como Jaime Bell ("Billy Elliot"), Paul Walker ("Velozes e Furiosos"), Barry Pepper ("Três Enterros"), Robert Patrick ("Terminator 2") e Melanie Lynskey ("Almas Gêmeas"). O que se percebe, no entanto, é que este não é um filme de grandes atuações, e sim de um conjunto de interpretações à altura da história que pretendem contar.
Se há algum astro envolvido, este é Eastwood, responsável por conseguir fazer, praticamente ao mesmo tempo, dois filmes tão marcantes. Provavelmente "Letters" seja mesmo superior, mas para isso teremos que esperar mais alguns dias. "Flags of our Fathers" já demonstra, porém, que a dedicação do realizador - ele não participa como ator - foi intensa, mesmo não proporcional ao resultado final. Inferior aos seus últimos trabalhos e desprovido de um olhar mais cruelmente crítico, o filme tenta uma reflexão até válida, mas vazia diante um contexto global, onde enfrentamentos são necessários, imagens são supervalorizadas e mentiras, de tão repetidas, se tornam verdades. Clint tentou fazer um alerta, e seu pecado foi ter sucumbido à própria mensagem de certa forma. Seu trabalho é lindo e impressionante, mas assim como a fotografia original, não consegue ir muito adiante de uma bela superfície, desprovida de conteúdo.

Flags of our Fathers, EUA, 2006
(Nota: 5)

LITTLE CHILDREN

2007-02-01T01:21:00.000-03:00

Enquanto ator, Todd Field nunca chamou muita atenção. Talvez seu papel mais conhecido tenha sido o do pianista amigo de Tom Cruise no kubrickiano Eyes Wide Shut ("De Olhos Bem Fechados"). Porém, enquanto realizador, sua reputação vem atingindo resultados bem distintos. Seu trabalho anterior como diretor e roteirista foi In The Bedroom ("Entre Quatro Paredes"), que recebeu, em 2002, cinco indicações ao Oscar, inclusive para Melhor Filme. Algo meio superestimado, na minha opinião, mas ainda assim relevante. Mas nada comparável ao novo longa dele, Little Children ("Pecados Íntimos"), certamente um dos mais notáveis da safra 2006.
Com um elenco acima de qualquer suspeita, mesmo com as indicações ao Oscar da sempre excelente Kate Winslet (Melhor Atriz) e do até então desconhecido (ao menos para mim) Jackie Earle Haley (Melhor Ator Coadjuvante) acho difícil apontar um grande destaque. Patrick Wilson (Angels in America), Jennifer Connelly (Diamante de Sangue) e a veterana da televisão Phyllis Somerville (de séries como Sex and the City e Lei & Ordem) também entregam ao espectador atento momentos impressionantes. O olhar de desespero silencioso de Wilson, a angústia perturbadora de Haley, o prazer secreto de Winslet, a infelicidade disfarçada em bravura de Phyllis e a determinada luta pela felicidade de Connelly compõe um conjunto de atuações difícil de esquecer.
Contado em tom de fábula e baseado no romance de Tom Perrotta (também co-autor do roteiro), Little Children focaliza sua atenção numa pequena cidade no interior dos Estados Unidos. Como qualquer lugar assim, qualquer pequeno assunto pode chamar muita atenção. Talvez não seja este o caso da liberdade condicional de um pervertido sexual pedólatra (Haley), que voltou a morar na casa da mãe (Phyllis). A tensão em relação à presença no tarado no local contamina todos, principalmente em ambientes infantis, como piscinas públicas e playgrounds. E será num lugar assim que Sarah (Winslet), infeliz no casamento, irá se deparar com Brad (Wilson), um advogado frustrado, que não consegue ser aprovado no exame da Ordem e é sustentado pela esposa (Connelly). Ela leva a filha, ele o filho. E ambos começam a prestar atenção um no outro, a ponto de que um pequeno aperto de mão logo se transforma num abraço, e daí para um beijo é um instante.
Casos de infidelidade no cinema não são nenhum novidade. O grande lance aqui é, além da forma como é mostrado na dela (uma câmera subjetiva, não intrometida, sempre com um olhar perspicaz) é a coragem que os atores defendem seus personagens na tela. Kate chegou a declarar, numa entrevista, que odiaria encontrar na vida real uma mulher como Sarah, que afirma não ter absolutamente nada a ver com ela. Mesmo assim, durante os 130 min de projeção, Winslet É Sarah. O modo como ela se transforma é de deixar qualquer um de queixo caído.
Little Children é mais um daqueles casos de obra que provavelmente só será descoberta daqui há alguns anos. Apesar das indicações ao Oscar (concorrer ainda como Roteiro Adaptado), é quase certo que saia da festa de mão abanando. E isso não tem a menor importância. O relevante é ver a integridade dos artistas envolvidos, a bravura em levar adiante uma história que foge dos padrões mais convencionais, e e inteligência em nos fazer perceber que, muitas vezes, as grandes decisões da vida não são aquelas planejadas e esperadas, e sim aquelas que fazemos em questões de segundo, sem pestanejar. E a grande coragem, no fundo, não está em mudar, e sim em permanecer do jeito que se está.

Little Children, EUA, 2006

(Nota 9)

De volta ao velho fuso horário...

2007-02-01T00:14:00.000-03:00

Pois bem, estou de volta ao velho fuso horário -2, da minha querida Porto Alegre. Muita coisa vivi nestes dois últimos meses, e pouco compartilhei por aqui. Em 60 dias percorri sete países totalmente novos para mim. Portugal e Inglaterra, agora, me parecem antigos amigos. Em terras lusitanas estive no sul (Algarve), norte (Porto, Guimarães) e centro (Lisboa, Sintra, Mafra). Foram mais de 20 dias só por aqui, cada um vivido com muito gosto. Já a minha Inglaterra foi o mundo cosmopolita da capital Londres, onde percorri monumentos da humanidade, assisti musicais, encontrei estrelas de hollywood nas ruas, vi preciosidades e encontrei ídolos. Também andei um pouco pelo interior (Cambridge), o que certamente contou para esta experiência ter sido tão válida.
Estive na Escócia e na Alemanha, e acho que tão cedo para estes lugares não volto. Não me entendam mal, adorei tê-los conhecidos. Mas o que vi foi mais do que suficiente. Na Escócia, Edimburgo - Inverness (Loch Ness) - Glasgow me mostraram o melhor do país. E na Alemanha, o destino seguinte, uma semana em Berlim foi tudo de bom. Mas parti sem sentir saudades. Quem sabe da próxima vez volto como convidado para o Festival de Cinema? Ah, a foto aqui ao lado foi na capital alemã, ao lado de um dos tantos ursos símbolos da cidade que estão espalhados por todas as esquinas.
Roma foi um caos. Ou melhor, a Itália é um caos. Mas é também irresistível. Fui embora dando graças aos céus, mas minutos depois já me perguntava quando voltaria. Conheci Roma e Veneza, mas quero muito mais. Nápoles, Milão, Pompéia, Sicília, Florença, Pisa, Verona... na próxima vez, será só Itália. E preparado para aguentar o mal humor e as grosserias dos italianos - ô gente chata! E falo com conhecimento de causa. Afinal, acha que o meu "Milani" vem de onde?
Paris é um sonho. Quero voltar sempre. Madri foi uma surpresa. Não esperava gostar tanto. E Portugal, início e fim desta viagem, parece sempre nos receber de braços abertos.
A partir de agora esse blog não mais acompanhará viagem alguma. Até pq as férias já acabaram. Mas quem sabe numa próxima ocasião?
Estou de volta ao sentido original do blog. "Cineronda". Cinema. Comentários críticos em primeira mão. Prontos? Vamos lá!

Au revoir, Paris!!!!

2007-01-23T06:22:00.000-03:00

Hoje estou indo embora de Paris, a cidade das luzes. Quando me diziam que esta era uma das cidades mais lindas do mundo eu ficava meio em duvida, algo que certamente não existe mais agora. Todo mundo deve vir a Paris ao menos uma vez na vida...
Caminhar pelo jardim da Amelie Poulain, visitar a Torre Eiffel à espera de que o Superman apareça para resgatar Lois Lane, se encantar com o Moulin Rouge, passear pela Champs Elisées... ufa, tem muito o que se fazer por aqui!
Agora estou indo para Madri. Espero encontrar um clima almodovariano, no minimo. Vamos ver o que acontece.
Até!

Europa

2007-01-14T15:07:00.000-03:00

Pessoal, ainda estou por aqui!!!
Faz um tempo que estou sem atualizar o blog. Mas eh falta de tempo mesmo.
Desde que deixei Portugal jah estive em Londres, Cambridge, Edimburgo, Glasgow, Berlim e Roma. Amanha vou para Veneza. Depois segue um relato mais preciso. Mas estou bem, curtindo muito tudo por aqui. A Europa eh imperdivel!

Aqui nasceu Portugal

2006-12-18T23:24:00.000-03:00

Guimarães é uma cidade bem ao norte de Portugal, cerca de uma hora de trem de distância da cidade do Porto, onde se fazem os famosos vinhos conhecidos mundialmente. Guimarães, por outro lado, é importante por ter sido cidade natal do rei Afonso Henriques, responsável pela formação de Portugal em uma nação há quase um milênio, lá pelos idos de 1.100 d.C.. Ou seja, quando Portugal se unificou, Guimarães foi sua primeira cidade, e, consequentemente, a primeira capital do país. Pra se ter uma idéia mais próxima, hoje em dia é mais ou menos como Piratini e o Rio Grande do Sul (Piratini foi a capital farroupilha, mas hoje em dia praticamente não existe). Guimarães tem um centro histórico muito bem preservado, tudo muito bonito, mas não tem a menor relevância política, social ou econômica no país. É uma curiosidade hístórica, nada mais.
A grande chamariz turístico do local é mesmo o tal mérito de ser ali que "nasceu Portugal". Mas eu me encantei pela cidade. Pequena, dá pra se conhecer praticamente tudo à pé. O principal ponto de interesse é o Castelo, datado de mais de mil anos, construído pela Condessa Mumadona. Mas há até um brasão de uma homenagem brasileira, de 1940, embaixo de uma estátua do Rei Afonso Henriques, homenageando a cidade berço da sociedade portuguesa. Não é um lugar imprescindível de se conhecer, mas quem tiver tempo e disponibilidade de vir até aqui, certamente não irá se arrepender. Acho que as fotos aqui postadas dão uma boa idéia do quanto foi gostoso ter passado por Guimarães!

Saramago em Mafra

2006-12-18T23:01:00.000-03:00

Um dos principais romances do escritor português José Saramago é "Memorial do Convento", que aliás até já foi adaptado para o teatro no Brasil, com Letícia Sabatella à frente do elenco. O livro fala da promessa que o rei português teria feito de que, caso sua esposa engravidasse, ele construiria um convento. A lenda diz que o padre confessor da rainha já saberia, por meio da confissão, que ela estava grávida, e por isso convenceu o rei desse juramento. A criança nasceu, e nada dele cumprir o que havia prometido. Anos depois, a rainha engravidou novamente, mas desta vez o bebê morreu muito pequeno. Acreditando ter isto acontecido como castigo dos céus, o rei então criou vergonha na cara e mandou construir o tal convento. Mas, como tinha ele mania de grandeza, o que era para ser um convento para 13 padres acabou no maior palácio de todo Portugal, capaz de abrigar a Família Real e mais de 300 frades! Toda esta loucura, que envolveu mais de 52 000 operários na construção (quase toda a população masculina do país, em idos do séc. XV), está relatada no livro de Saramago, e o resultado pode ser conferido ao vivo aqui em Mafra, no Palácio Nacional da cidade! Nestas fotos ele aparece ao fundo, porque infelizmente dentro dele não é permitido tirar fotos. Mas a beleza é impressionante, tudo feito com o ouro e com as madeiras vindas do Brasil. Um retrato maravilhoso de uma época distante, marcado para sempre numa das maiores fortalezas européias!

O AMOR NÃO TIRA FÉRIAS

2006-12-18T22:32:00.000-03:00

"O Amor não tira Férias" é um bom título nacional para o romântico "The Holiday", novo sucesso de público da diretora Nancy Meyers, a mesma dos milionários "Alguém Tem que Ceder" e "Do Que as Mulheres Gostam". Depois de brincar com o amor na terceira idade (ou seria a segunda? Afinal, Jack Nicholson e Diane Keaton já passaram dos 60...) e com os pensamentos femininos (Mel Gibson que o diga), Meyers agora praticamente copia a trama de uma pequena produção inglesa de 2005, "Tara Road", com Andy MacDowell ("Quatro Casamentos e Um Funeral") e Olivia Williams ("O Sexto Sentido") no elenco, já lançado em dvd no Brasil e disponível nas locadoras. Ou seja, duas mulheres, uma norte-americana e outra inglesa, ambas infelizes no amor, se conhecem num chat pela internet e decidem trocar de casas. Ao se verem em países diferentes, acabam descobrindo que o amor é muito mais simples do que imaginavam.
Escrito especificamente para os atores Cameron Diaz, Kate Winslet e Jack Black, a única alteração no quarteto de protagonistas foi Hugh Grant, que não pode aceitar e terminou substituído por Jude Law. Cameron é a cara do filme e a história dela tem muito mais destaque. Ao descobrir uma traição do namorado (Edward Burns, de "O Resgate do Soldado Ryan"), ela larga a ensolarada Los Angeles e parte para uma nevada Inglaterra. Lá conhece o irmão de Winslet, Law, e logo termina na cama com ele. Os dois se apaixonam, e o mistério será como lidar com a situação. Muito mais complicado é o episódio de Kate, uma jornalista frustrada apaixonada por um colega (Rufus Sewell, do "A Lenda de Zorro") que não lhe corresponde a altura. Decidida a mudar de vida, ela aceita ir para os Estados Unidos sem um propósito muito claro em mente: o que quer, sim, e deixar para trás todas as tristezas e dar um pouco de luz a sua vida. Lá ela vai conhecer um vizinho (Eli Wallach, do "O Poderoso Chefão 3"), um senhor que foi um roteirista muito importante em Hollywood, e um compositor de trilhas sonoras (Jack Black, de "King Kong"), envolvido numa relação destinada ao fracasso, e que logo irá se interessar por ela também, num relacionamento que demorará mais para começar, mas que mesmo assim poderá render bons momentos.
Quem tem costume de ler meus comentários cinematográficos sabe que não sou muito fã de comédias românticas. E isso por um motivo muito simples: elas são TODAS iguais. É sempre o casal do poster se conhecendo, se apaixonando, se separando e ficando junto novamente no final. O que mudam são os atores e os cenários, pq a fórmula é sempre a mesma. E dessa vez não é diferente. O que muda é o talento dos protagonistas, todos muito à vontade em cena, aparentando estarem se divertindo tanto quanto nós do lado de cá da tela. O resultado é ótimo dos dois lados.
Kate e Jude confirmam a supremacia do talento inglês, mas Cameron e Black não ficam muito atrás. Diaz começa mais devagar, meio atrapalhada, mas logo pega o rumo. Black está mais contido, menos histriônico, e é o que menos aparece do quarteto central, mas ainda assim rende bos momentos. O grande problema é que entre ele e Winslet não há nenhuma química, ao contrário de Diaz e Law, que fazem a tela do cinema pegar fogo quando estão juntos. Mais romance do que comédia, é um filme com altos e baixos, mas que merece ser conferido com bons olhos, ainda mais numa época tão carinhosa como a atual. "O Amor não tira Férias" não vai mudar a vida de ninguém, mas certamente irá garantir uns bons 120 minutos de muita alegria e descontração.

The Holiday, EUA, 2006
(Nota 7,5)

ERAGON

2006-12-18T22:09:00.000-03:00

Dirigido pelo desconhecido Stefen Fangmeier (foi diretor de segunda unidade no ótimo "Heróis Fora de Órbita" e no péssimo "O Apanhador de Sonhos"), que aqui estréia como realizador, "Eragon" nada mais é do que uma cópia mal feita da trilogia "O Senhor dos Anéis". Apesar do aspecto "A", tudo resulta em uma produção "B", de segunda categoria. O protagonista Ed Speleers (também novato) não convence em nenhum momento, sem empatia ou convicção, sem a emoção de um Aragorn ou o carisma de um Frodo (ele é um amálgama destes dois personagens, o herói descoberto ao acaso que precisa salvar um povo, ao mesmo tempo que tem uma grande, e poderosa, tarefa a cumprir). Os coadjuvantes, estes sim com algum gabarito, estão todos muito apagados. Jeremy Irons vem se especializando na figura do melhor amigo, sempre no ponto morto (como visto em "Casanova", "Cruzada", "Adorável Júlia" ou "Callas Forever", só para ficar nos mais recentes). Djimon Hounsou e John Malkovich mal aparecem - devem ganhar mais destaque numa segunda ou terceira parte (sim, também se trata de uma trilogia!). Robert Carlyle parece ter se divertido um pouco mais, mas nada comparável a única participação digna de nota - Rachel Weisz, que marca presença como a voz do dragão Saphira. Sem ter que enfrentar uma maquiagem horripilante e figurinos mais do que requentados, ela consegue transmitir alguma graça ao longa, num desempenho quase tão memorável quanto o de Sean Connery em "Coração de Dragão" (1996), filme este, aliás, que possui uma estrutura narrativa muito semelhante a deste novo projeto.
E qual é a trama? Pois bem, acompanhe e veja se não é muito similar (também) ao "Senhor dos Anéis": um garoto pobre encontra objeto valioso (no caso, um ovo de dragão), e descobre que deverá ser o cavaleiro deste novo animal, e, assim, liderar seu povo contra a opressão de um rei malvado. Ele é treinado para a tarefa, até que surgem duas grandes novidades - a morte do mestre e o surgimento de uma ajuda inesperada (igual à "A Sociedade do Anel"). Assim, com um novo grupo, ele parte para ajudar os rebeldes, último ponto de resistência dos homens contra o vilão. Após uma grande batalha, ele é sim um herói, e parte para enfrentar de vez o inimigo mortal (não é idêntico à "As Duas Torres"?). O filme acaba no ponto exato da maturidade do protagonista, quando ele e o Rei devem se encontrar para decidirem seus destinos (o que virá a ser "O Retorno do Rei", ou alguém ainda duvida?).
Escrito pelo jovem Christopher Paolini quando ele tinha apenas 15 anos, "Eragon" foi um fenômeno literário nos Estados Unidos próximo à "Harry Potter" no seu lançamento. Por isso o interesse de Hollywood pelo material. Mas a base é muito fraca, e somente o fãs mais cegos do livro irão apreciar a adaptação cinematográfica. Depois de termos um "Senhor do Anéis" ou mesmo os "Harry Potter" tão bem realizados, o nível de exigência cresceu muito, e este aqui não tem méritos suficientes nem mesmo para satisfazer o espectador meramente curioso. Chato, sem novidades e pouco relevante, deve cair no esquecimento muito em breve. Ao menos podemos torcer por isso, certo?

Eragon, EUA/ING, 2006
(Nota 3)

MARIE ANTOINETTE

2006-12-18T21:35:00.000-03:00

"Marie Antoinette" é o terceiro filme da diretora e roteirista (e, felizmente, ex-atriz) Sofia Coppola. A primeira vez que a filha de Francis Ford Coppola chamou atenção do mundo artístico foi em sua desastrada participação no elenco de "O Poderoso Chefão 3", no papel da filha de Michael Corleone (Al Pacino), personagem, aliás, que fora recusado por Winona Ryder. Até hoje ela é apontada como uma das principais causas do fracasso do terceiro episódio da saga dos Corleone (nem a acho tão ruim assim... mas enfim...). Depois deste vexame, nada melhor do que se reinventar. E ela assim o fez, dedicando-se a carreira de roteirista e realizadora cinematográfica de culto. A estréia foi em 1999, com o ótimo "As Virgens Suicidas". Depois veio o superestimado "Encontros e Desencontros" (Lost in Translation), um filme que até hoje não entendo como pode ter sido tão bem recebido pela crítica que se diz especializada, além de ser objeto de culto para uma legião de fãs. Pois bem, com o lançamento de "Marie Antoinette" percebe-se que a exceção na carreira de Sofia foi o primeiro longa, e não o segundo. "Marie Antoinette" é tão chato - se não ainda mais - do que "Encontros e Desencontros".
A história é baseada na biografia escrita por Antonia Fraser da mais controversa rainha francesa de todos os tempos. Austríaca de nascimento, ela foi enviada para a França ao fazer parte de um acordo político para desposar o príncipe Louis XVI (Jason Schwartzman, filho de Talia Shire, primo de Sofia e de Nicolas Cage e sobrinho de F.F.Coppola). Antes mesmo dos 18 anos ela acaba virando rainha, e se vê no meio das intrigas da corte, da obrigatoriedade de gerar herdeiros, das frivolidades do reino e do pouco caso com o povo. Como todos sabem, Maria Antonieta entrou para a história ao dizer a frase "Se o povo reclama por não ter pão, que lhes dêem brioches!" (suposição contestata no próprio filme). Foi o reinado dela e de Louis XVI que terminou com a Queda da Bastilha, com a revolta do povo e com suas cabeças rolando na guilhotina. Mas a jovem Coppola não se preocupa muito em revelar o contexto político e social da época, se fixando mais nas inquietações pessoais da rainha, no cotidiano dela e em devaneios oníricos, que até rendem imagens bonitas, mas estão longe de resultarem num filme interessante.
"Marie Antoinette" corre o risco de nem ser lançado comercialmente nos cinemas brasileiros, devido o fraco desempenho da obra internacionalmente. Talvez saia em fevereiro, março, ou mesmo direto em dvd. Aqui em Portugal não ficou muito tempo em cartaz. Ao estrear, durante o Festival de Cannes, chegou cheio de expectativas, mas após a exibição já gerava controvérsias, entre os que adoraram e - a maioria - os que o qualificaram como "grande perda de tempo". Eu, sinceramente, fico neste segundo grupo. Além de longo (quase 130 minutos...), é também 'pseudo-moderno', com uma aura pop que não se confirma - além da trilha sonora roqueira, com canções do New Order, Strokes, Air e The Cure, há somente um insólito par de tênis Converse All Star no meio dos sapatos da rainha, e mais nada. O resto é por demais empolado, com um figurino exagerado e cenários impressionantes, mas nada diferente do que já se viu em diversas produções similares. Ou seja, é mais do mesmo.
Kirsten Dunst, a protagonista, repete a parceria com Sofia (esteve tb em "As Virgens..."), mas sem o encanto e o empenho vistos anteriormente. Ela parece dormente, muito distante da imagem que temos dela e da própria personagem que está interpretando. Jason é outro que aparece bastante distante do tipo esquisito e interessante visto em filmes como "A Garota da Vitrine", "Huckabees" e "Rushmore". No resto do elenco, é interessante constatar o desperdício das participações de Judy Davis ("Separados pelo Casamento") e Steve Coogan ("Finais Felizes"), dois atores que certamente poderiam ter rendido muito mais do que aqui presenciamos.
"Marie Antoinette" é longo, chato, enfadonho e nada instigante. Como um grande videoclipe, se perde em cenas intermináveis, e pequenas tramas que a nada levam e em nada acrescenta e uma figura histórica tão relevante como a retratada. Mais do que um desserviço, é sim um desperdício de oportunidade, que, se não chega a afetar os envolvidos no elenco (Kirsten, afinal, vem aí em "Spiderman 3"), talvez sirva para enterrar outras ousadias pretensiosas da caçula dos Coppola.

Marie Antoinette, EUA/FRA/JAP, 2006
(Nota 4)

Alfama, Lisboa

2006-12-18T11:22:00.000-03:00

"É difícil acreditar que este bairro modesto já foi o mais valorizado de Lisboa. Para os mouros, a cidade se resumia a estes becos espremidos ao redor do Castelo de São Jorge. A decadência começou na Idade Média, quando os ricos habitantes, temendo terremotos, mudaram-se, deixando o lugar para pescadores e mendigos. Os edifícios sobreviveram ao terremoto de 1755 (que destruiu metade da cidade!) e, apesar de não existirem mais casas mouriscas, o bairro ainda possui um traçado de kashah. Casas sólidas se alinham em íngremes ladeiras e escadarias, com fachadas cheias de varais com roupas penduradas." (Guia Visual Folha de São Paulo - Portugal).

Pois então, estive no bairro de Alfama, e realmente é difícil de acreditar que este já foi o mais rico de Lisboa. Tudo é muito pequeno, apertado, medieval, mesmo. Mas é lindo tb. Aqui ficam as principais casas de fado da cidade. As tradicionais são as mais badaladas, caras e procuradas. Mas há também aquelas de "fado vadio", como chamam, que são as em que qualquer pessoa, com cara de pau suficiente, pode entrar e cantar do jeito que quiser. E que seja cada um por si, hehe! Nestas fotos eu apareço diante do mapa de Alfama, da Casa dos Bicos (construída em 1523) e em alguns outros becos e palácios. Cool, isn't it?

Descubra o Lado "Secreto" da Força!

2006-12-13T23:12:00.000-03:00

Um programa imperdível em Lisboa nesta temporada é a Exposição Star Wars, que vai até o dia 14 de janeiro de 2007 no Museu da Eletricidade, no bairro de Belém. Depois de passar por diversas cidades ao redor do mundo (São Francisco, Londres, Paris), chega agora à capital portuguesa.

São todos artigos e objetos originais, os mesmos usados nos próprios seis filmes da saga criada por George Lucas. A visita segue uma ordem cronológica, mostrando os planetas da galáxia de acordo com a ordem em que eles vão aparecendo nos filmes. Começa-se por Tatooine ("A Ameaça Fantasma", terra natal de Anakin Skywalker, o futuro Darth Vader), depois Coruscant (terra do Senador Palpatine), Naboo (planeta da rainha Amidala), Hoth (onde fica o mítico Yoda), Tatooine novamente (agora nas cenas com Luke Skywalker, em "Uma Nova Esperança", o filme original de 1977), lua de Endor (terra dos fofinhos Ewoks, de "O Retorno de Jedi") e Mustafar, além da Estrela da Morte e dos planetas Geonosis, Utapau e Kashyyyk. Telões com as cenas dos filmes, os figurinos, bonecos, detalhes dos cenários, storyboards, desenhos, maquetes, naves e muito mais. É de deixar qualquer um de queixo caído. Ainda mais pelo preço de 10 euros de entrada, tinha que valer a pena mesmo. E como valeu! As fotos aqui dão uma pequena idéia de como é viver, ao menos por alguns minutos, como se estivesse dentro de um dos filmes da série. E para quem quiser saber mais, o site é www.exposicaostarwars.com.

The Gift

2006-12-13T21:17:00.000-03:00

A música portuguesa tem me surpreendido positivamente desde que aqui cheguei. Claro que Roberto Leal continua a fazer sucesso entre um certo tipo de público (sim, eu me informei a respeito), e de existirem cantores e cantoras célebres por manterem as raízes, carregando a bandeira do fado (tem uma, chamada Mariza, que até ganhou recentemente o Grammy de World Music), mas os que têm despertado o interesse de um novo público são artistas preocupados em modernizar a imagem da música feita em terras lusitanas. Rodrigo Leão (um impressionante instrumentista, que já gravou com vários nomes, inclusive com a gaúcha Adriana Calcanhotto), David Fonseca e, principalmente, o grupo The Gift são os top de linha desta vertente: todos são muito cool, geralmente cantam em inglês (visando o público internacional, claro) e possuem estilos muito próprios.
Essas fotos aqui ao lado foram tiradas durante o concerto da turnê "Fácil de Entender", do The Gift. Marquei presença no sábado, dia 09/12, e foi realmente muito bom. O anfiteatro, no Centro Cultural Belém, é belíssimo, grande e muito próprio para este tipo de evento. o cenário impressionava com as luzes e com um visual encantador; as participações do coral eram sempre muito apropriadas; a banda é ótima. O The Gift existe desde o final dos anos 90, com quatro discos de estúdio já lançados, que só podem ser encontrados em alguns lugares específicos ou pela internet (www.thegift.pt). O "Fácil de Entender" é o quinto álbum, um cd duplo com as melhores canções da banda ao vivo, além de um dvd com o show completo, dividido em duas partes. Tudo visualmente muito bonito e profissional. Isso sem falar da música, ótima. O som deles é como uma mistura de "Björk, Pet Shop Boys, Everything But The Girl e Garbage", como definiu o Paulo (www.argumento.net/contexto). Canções como "Music" (não é uma versão do sucesso da Madonna), "Driving you Slow", "Ok! Do you want something simple?" e "Question of Love", além da óbvia "Fácil de Entender" (uma das únicas do grupo cantada em português) levaram o público ao delírio. Agora, imagina como o brasileiro aqui se sentiu quando eles entoaram um cover de "Índios", do Legião Urbana? Bah, muito legal. Certamente vale a pena conhecer. Eu já estou com dois cd's da banda na bagagem, e este show ficará para sempre registrado na minha memória!

Comendo travesseiros!

2006-12-13T20:36:00.003-03:00

Se tem uma coisa que se faz bem aqui em Portugal são doces! Nossa, tem um melhor do que o outro. Mas os imperdíveis são, obviamente, aqueles originais, típicos daqui. Selecionei três deles que me levaram até as nuvens, e que vocês PRECISAM experimentar quando estiveram por estas bandas!
1. Travesseiro: é esse aí que eu apareço saboreando com muita satisfação na foto ao lado. É uma especiaria de Sintra, cidade que fica a menos de uma hora de Lisboa. Travesseiro é comprido, lembra um churros, mas é feito com massa folhada e o recheio é de doce de ovos com amêndoa. É simplesmente delicioso! Mas tem que provar o d'A Piriquita, no centro de Sintra! Gostei tanto que, num outro dia, encontrei no Shopping Colombo (o maior de Lisboa) uma lojinha chamada propriamente "As Delícias de Sintra", e pensei: "é claro que eles devem ter travesseiros!" Pois bem, eles tinham, mas não chegavam aos pés do original, da Piriquita.

2. Pastéis de Belém: esse é outro que tem que ser o original. Nós, no Brasil, conhecemos este doce por causa daquele similar bagaceiro vendido no Habib's. Pois bem, esse aí não passa de uma imitação barata e das mais vagabundas. Pois no bairro de Belém, em Lisboa, tem a única e verdadeira fábrica de Pastéis de Belém (www.pasteisdebelem.pt), que é uma loucura. Fomos lá num sábado à tarde, e devia, sem exagero algum, ter mais de duas centenas de pessoas, se empurrando, em filas ou - as mais sortudas - nas mesas, todas provando os deliciosos Pastéis de Belém. Como tava meio sem tempo - há muito o que se ver por aqui - entrei na fila perto do caixa e consegui, em menos de 30 minutos, sair de lá com um pacote de 6 pastéis. Comemos numa praça que tem na frente, mas exatamente como manda o protocole: com açúcar de confeiteiro e canela por cima! E a sensação foi indescritível!!!! Depois desses, Habib's nunca mais!
3. Torta de Azeitão: estava olhando o menu do café onde estava com uns amigos, quando esse nome me chamou a atenção. 'Torta de Azeitão'? De curioso, resolvi pedir (o fato de ser o mais barato do cardápio ajudou tb, he he), imaginando se tratar de algo com muito azeite, ou similar. Pois nada disso: a Patrícia, uma amiga portuguesa que estava conosco, explicou que é outro doce oriundo dos antigos mosteiros, feito pelas freiras que, após aproveitarem a clara dos ovos para engomar camisas e etc, utilizavam as gemas restantes na culinária. E Azeitão é uma região de Portugal conhecida por este doce. É um tubinho, com massa e creme de ovos, simplesmente delicioso, e bem leve. Come-se num estalo. Mas não, eu não repeti. Tenho que cuidar da silhueta, não?

Spiderman pelado?

2006-12-13T20:36:00.000-03:00

Tá rolando a maior polêmica nos Estados Unidos - principalmente pela internet, óbvio - por causa deste desenho ao lado. Sim, é um homem idoso, deitado, que ao se sentar na cama percebe-se que está nu. Ou seja, o velho tá pelado. O problema é que não é um coroa qualquer, e sim Peter Parker - pra quem não sabe, esta é a identidade secreta do herói Homem-Aranha! Essa cena aparece na minissérie Spiderman: Reign, já à venda nos EUA e que no Brasil deve chegar só no ano que vem, com sorte. A trama da série se passa no futuro, com Parker já velho e atormentado pelo fantasma da Mary Jane (esposa dele). A causa de toda esta "celeuma" é pq não colocaram um aviso na capa do gibi, falando da nudez do herói para alertar as pobres criancinhas. Isso me lembra o episódio do seio da Janet Jackson, que apareceu no show do Superbowl há alguns anos. Ou seja, é mais uma caretice norte-americana descabida. Se fosse algo explorativo, violento ou notoriamente sexual, mas um homem idoso com seu pênis flácido... por favor, se não deixam mais nem os super-heróis em paz, onde vamos parar?

A CIÊNCIA DOS SONHOS

2006-12-11T13:33:00.000-03:00

Felizmente está sendo exibido ainda aqui em Lisboa o novo filme do diretor Michel Gondry, "A Ciência dos Sonhos". Primeiro trabalho deste realizador também como roteirista, este filme resulta numa obra inferior ao seu longa anterior, o oscarizado "Brilho Eterno de Uma Mente Sem Lembranças" (Melhor Roteiro para Charlie Kaufman), mas infinitamente superior a 90% do que estamos habituados a ver nos cinemas geralmente. Criativo, original e repleto de méritos, "Ciência..." é um verdadeiro deleite para quem procura algo extremamente diferente, porém longe de ser "cabeça", chato e hermético.
O cada vez melhor Gael Garcia Bernal (que vem aí também em "Babel") é o protagonista Stephane, um jovem mexicano que volta para Paris, convencido pela mãe (francesa), após a morte do pai (também mexicano). Acreditando que irá trabalhar como designer numa fábrica de calendários, ao chegar lá descobre que seu trabalho é muito mais burocrático do que imaginava. Cansado do tédio do cotidiano, ele cada vez encontra mais dificuldade de se desvencilhar do mundo que encontra ao dormir, interpretado por ele como uma "Stephane TV". As coisas começam a mudar quando conhece sua vizinha de porta, Stephanie (a inglesa Charlotte Gainsbourg, vista também em "21 Gramas"). A garota é a única que consegue lhe proporcionar tanto entretenimento e diversão como quando está dormindo. Porém uma incerteza lhe corrói: cada vez mais apaixonado por ela, não sabe se ela irá lhe corresponder estes sentimentos.
Com um elenco excepcional - que conta ainda com as presenças de Alain Chabat ("Xuxu" e "Asterix e Obelix: Missão Cleópatra") e da mítica Miou-Miou ("Uma Leitora Bem Particular") - "A Ciência dos Sonhos" apresenta ao seu público um enredo fantástico, porém sem nunca subestimar a inteligência da audiência. Intercalando constantemente o que se passa na "vida real" e no "mundo dos sonhos", o filme consegue proporcionar momentos de extremo prazer crítico, além de nos oferecer opções visuais muito interessantes, como as soluções imaginativas das viagens oníricas dos protagonistas, como carros de papelão e água de celofane.
Com um custo baixíssimo - meros US$ 6 milhões - e filmado quase que inteiramente em estúdio (algumas poucas cenas revelam uma Paris longe dos olhos dos turistas - este é um legítimo 'filme de culto', que tem tudo para ser venerado por aqueles mais perspicazes, enquanto que os que se recusarem a abraçar esta incrível viagem estarão deixando passar uma das melhores experiências cinematográficas da temporada.

La Science des Rêves, FRA/ITA, 2006

(Nota 9)

Vaz

2006-12-11T13:12:00.000-03:00

Caso alguém não saiba, meu nome completo é Robledo Milani Vaz. Sim, tem um Vaz no fim, de origem paterna e, obviamentente, antecedência portuguesa. Por motivos que não cabem ser discutidos aqui, assino apenas Robledo Milani, mas seria mentira se afirmasse não ter ficado um pouco curioso em encontrar por aqui alguma referência a este lado da família, já que estou em terras, digamos, natais. País de Luíz Vaz de Camões e Pero Vaz de Caminha (meus dois antepassados mais ilustres), pensei que iria me cansar de tantos "Vaz" por todos os lados, mas que nada! Não os vejo em lugar nenhum, continuo sendo único, hehe! A única referência, claro, além do próprio Camões, foi nesta placa exibida na entrada do refeitório do Mosteiro dos Jerônimos, um dos lugares mais belos de toda Lisboa, no bairro de Belém. Este tal de Leonardo Vaz foi um dos responsáveis pelo lugar, e como é mesmo muito bonito, fiquei feliz.
Por outro lado, no Palácio Nacional de Sintra (na foto é a construção atrás de mim), um lugar encantador, há a Sala dos Brasões, onde "o teto em domo deste majestoso salão está decorado com cervos segurando os brasões de armas das 74 famílias nobres portuguesas" (Guia Visual Folha de São Paulo: Portugal, página 158). Agora eu pergunto: estava lá o brasão da Família Vaz? Claro que não! Tinha os Ribeiros, os Silva, até os Tavares, mas nada dos Vaz! Tsc tsc tsc...

O PERFUME

2006-12-09T10:01:00.000-03:00

Tenho um amigo que considera o livro "O Perfume", de Patrick Süskind, um dos melhores que já leu em toda a sua vida. Eu, por outro lado, nunca tinha ouvido falar. Mas, com um pouco de pesquisa, descobri que a tal história do rapaz que nasceu na França em plena Idade Média e que possui o extraordinário dom de sentir TODOS os odores do mundo, apesar dele próprio não possui cheiro algum, é mesmo bem badalada. Tanto que agora chega às telas em formado de filme. Cineastas como Steven Spielberg, Stanley Kubrick, Tim Burton e Ridley Scott desistiram de adaptar o romance por considerá-lo infilmável, e a tarefa coube ao alemão Tom Tykwer, de "Corra, Lola, Corra". E o que ele entrega agora é um filme que demora para engrenar, mas tem muitos bons méritos, além de um final impressionante - apesar de ser acusado de ser literário demais por aqueles que leram o livro.
Com um elenco internacional, que traz nomes como Dustin Hoffman ("Rain Man"), Alan Rickman ("Harry Potter") e Rachel Hurd-Wood ("Peter Pan"), o papel de protagonista ficou com o semi-desconhecido Ben Whishaw ("Stoned"). Todos estão muito bem, se nenhum destaque, entretanto.
Produção mais cara da história do cinema alemão - custou cerca de 50 milhões de euros - "O Perfume" deve fazer a festa dos fãs do livro, apesar de não decepcionar o espectador casual. Como mero curioso, eu cheguei a cansar com a longa duração - 2h30 - mas me surpreendi com algumas boas soluções visuais. Outros pontos, entretanto, não são muito bem explicados - o porquê dos assassinatos, por exemplo - mas nada a ponto de comprometer o resultado final. "O Perfume - A História de um Assassino" não chega a ser imperdível, mas garante bons momentos de diversão.

Perfume: The Story of a Murderer, ALE/FRA/ESP, 2006
(Nota 6,5)

Castelo de São Jorge

2006-12-09T09:11:00.000-03:00

E antes que alguém reclame, mais algumas fotos das minhas andanças por Portugal. Um dos lugares mais interessantes de Lisboa, visita imprescindível para qualquer um que venha a capital portuguesa, é o Castelo de São Jorge. Num dos pontos mais altos da cidade, ele oferece uma vista impressionante. Agora fiquem com um pouco de história do local:

"Após reconquistar Lisboa dos mouros em 1147, o rei Afonso Henriques transformou a cidadela mourisca do topo da colina na residência dos reis portugueses - o castelo de São Jorge. Em 1511, Manuel I ergueu um palácio mais luxuoso, na atual praça do Comércio, e o castelo se transformou em teatro, prisão e depósito de armas. Após o terremoto de 1755, a fortaleza ficou em ruínas até 1938, quando Salazar começou uma reforma geral, reconstruindo as muralhas 'medievais' e acrescentando jardins e aves selvagens. O castelo pode não ser autêntico, mas os jardins e as ruas do bairro de Santa Cruz, dentro das muralhas, oferecem boas caminhadas e ótimas vistas de Lisboa." (Guia Visual Folha de São Paulo - Portugal, página 78)

Estas fotos são todas no Castelo. Da entrada até a vista que se tem nas muralhas.

Festival de Cinema de Brasília 2006

2006-12-09T08:43:00.001-03:00

Antes de continuar minha peregrinação européia, quero falar um pouco sobre minha passagem pelo Festival de Cinema de Brasília, onde estive entre os dias 25 e 28 de novembro (os quatro últimos do evento).

Foi legal, até pq foi minha primeira vez neste que é o evento cinematográfico mais antigo do país. E também interessante para perceber as diferentes deste com o Festival de Gramado. Enquanto na Serra Gaúcha é tudo festa e glamour, na Capital Federal o lance é bem mais sisudo, compenetrado. Nestes quatro dias consegui assistir a apenas 3 filmes (os premiados "Batismo de Sangue", melhor diretor para Helvécio Ratton, e o grande vencedor "Baixio das Bestas", de Cláudio Assis, além de "Hércules 66", documentário exibido fora de competição), mas deu para sentir que lá o negócio é mais embaixo. Não que seja melhor ou pior do que Gramado: é apenas outro foco. Na verdade, penso que um bom festival deveria conseguir reunir o melhor destes dois mundos: discussões sérias e muita atenção aos filmes em competição, como também bons momentos para o público, com artistas, celebridades e muita badalação.

Brasília é uma cidade muita estranha. Ninguém caminha nas ruas lá. Tudo é feito de carro, já que todos os lugares ficam muito distantes uns dos outros. Sendo assim, o Festival tinha que acontecer dentro de lugares fechados - no Hotel Nacional, onde fiquei hospedado e onde se encontrava tb praticamente TODO mundo que estava na cidade em função do festival, e no Cine Brasília, onde eram exibidos os filmes da mostra competitiva. Acho que, se eu encontrasse algum transeunte no outro lado da calçada e lhe perguntasse "Quando acontece o Festival de Brasília?", provavelmente a resposta que eu teria seria "Que festival?". Ou seja, o evento é só para os interessados, não para o grande público.

Confirmando isso, só estavam por lá os integrantes dos filmes concorrentes. Não tem aquele festival de celebridades e "membros da 'Malhação'", como acontece em Gramado. Como estava realizando a cobertura jornalística, para uma edição especial do Programa de Cinema (foi ao ar na última semana, com edição de Daniel Bacchieri, vcs assistiram?), tive a oportunidade de conversar com praticamente todos mundo que estava lá: Dira Paes, Matheus Nachtergaele, Cássio Gabus Mendes, João Miguel, Heitor Dhalia, Helvécio Ratton, Cláudio Assis, Caio Blat, Evaldo Mocarzel, Vladimir Carvalho, Silvio Tendler. Nenhuma surpresa, enfim. O Assis e o Blat foram os mais difíceis - o primeiro parecia estar sempre numa realidade paralela, enquanto que Blat era considerado "difícil" pela assessoria de imprensa (foi acusado de não comparecer a nenhuma das entrevistas pré-agendadas), mas consegui dois minutos com ele na noite da premiação - afinal ele é protagonista dos dois filmes mais premiados, "Batismo" e "Baixio".

Sobre os filmes? Olha, "Batismo" é bastante relevante, sério, intenso. Baseado no livro homônimo do Frei Betto, é sobre a participação de alguns frades no movimento guerrilheiro anti-militar na época da ditadura. Tem ainda no elenco Cássio, Daniel de Oliveira, Murilo Grossi, além dos gaúchos Júlio Andrade e André Arteche. Isso pq parte do filme se passa no RS - mesmo não tendo sido filmado no Sul. Mas os diálogos são muitos ruins, as cenas de tortura são em demasia e a trama demora um pouco para se fixar no que realmente interessa, que é a trajetória do Frei Titto (Blat). Mas merece ser visto. Já "Baixio" é para um público bem restrito. Tanto que, quando se anunciou o prêmio de Melhor Filme, metade da sala aplaudia e metade vaiava. Assis exagera no seu retrato da podridão humana no interior nordestino, e passa do ponto tão preciso que havia atingido em seu filme anterior, o excelente "Amarelo Manga". Algumas cenas de nudez, sexo e violência são gratuitas, enquanto que outras apresentam uma contundência por vezes revoltante, mas não menos necessária. Um longa para dividir opiniões e gerar polêmica, o que talvez afaste a discussão do que lhe verdadeiramente interessa.

Como não conhecia Brasília, valeu também pelo turismo. Com o carinho e a ajuda dos meus grandes amigos Adriana Timmers e Rafael Mônaco, pude conferir o melhor da cidade. Monumentos belíssimos, lógicas aparentemente estapafúrdias e muitos km de táxi marcaram minha passagem por lá. Ah, e tb a carne de sol, prato típico que encontrou em mim um apreciador. Quem sabe no ano que vem eu não repito a dose?